Robert Forster, erstwhile co-writer of The Go-Betweens, is a lanky, committed individual of Australian extraction with an occasional fondness for stage dresses, whose eclectic tastes can be enjoyed on this covers album. The lack of PC self-consciousness is applaudable - that Look Out Here Comes Tomorrow was written by Neil Diamond and recorded by The Monkees doesn't diminish its quality, and it's time Heart's mega-ballad Alone is recognised for its dizbusting beauty. Forster also preaches the virtues of more spiritually connected, folky laments like Guy Clarke's Broken-Hearted People, Bob Dylan's Tell Me That It Isn't True and Mickey Newbury's Frisco Depot. But, like Forster's last two solo albums, the atmosphere and instrumentation can be barroom slack for a man of his poise. A case in point is ex-Husker Du Grant Hart's 2541, where the original's frayed tension is dropped but not suitably replaced likewise Martha & The Muffins' Echo Beach. An eminently playable halfway house before the next record proper.

(Martin Aston)

Das Album, das früher unter dem Titel "I Had A New York Girlfriend" bekannt war. Nachdem Robert drei Jahrzehnte Zeit hatte, über das Album nachzudenken, nutzte er die Gelegenheit, um den Titel und das Artwork des Albums zu überdenken. "I Had A New York Girlfriend" war eine Entscheidung in letzter Minute, eine Zeile aus dem Modern Lovers Song "Old World". Der Arbeitstitel war immer "Beautiful Hearts" gewesen, eine Phrase, die von einem anderen Song, "For Those" von Tindersticks, übernommen wurde. Ohne den alten Titel machte auch das Artwork - eine New Yorker Straßenszene - keinen Sinn mehr. "Stattdessen", erklärt Robert, "gibt es ein zeitgenössisches Foto von mir, wie ich eine Gruppe von Musikern dirigiere, die in den Eröffnungssong des Albums 'Nature's Way' stürzen. Nun... das ist die Fantasie."

Neu gemastert in der Abbey Road.

Die gefeierte Can Live Serie wird mit einem Konzert in Paris mit Damo Suzuki fortgesetzt!

Can - »Live in Paris 1973« wird auf Doppel-Vinyl und Doppel-CD über Mute und Future Days (das neue EU-Label von Spoon Records) im Februar 2024 veröffentlicht.

»Live in Paris 1973« zeigt Can in magischer Form bei einem Auftritt, der am 12. Mai 1973 im Pariser L'Olympia aufgezeichnet wurde und bei dem erstmals Damo Suzuki am Gesang zu hören ist. Von 1970-73 wurde die Stammbesetzung von Irmin Schmidt, Jaki Liebezeit, Michael Karoli und Holger Czukay durch den japanischen Improvisator und Sänger Suzuki ergänzt. Sie lernten sich durch eine zufällige Begegnung kennen, als Suzuki als Straßenmusiker in München unterwegs war. Einige Monate nach dem hier veröffentlichtem Auftritt verließ Damo die Band.

Dieses neue Album in der Reihe ermöglicht es uns, die Band in einer besonders wichtigen Phase ihrer Karriere zu erleben, da zwei ihrer am meisten gefeierten Alben - Tago Mago und Ege Bamyasi, wobei letzteres in den Pariser Auftritt einfließt - erst kürzlich veröffentlicht wurden. Die Aufnahmen wurden von Gründungsmitglied Irmin Schmidt und Produzent/Sound Engineer René Tinner, die alle Alben dieser Reihe zusammengestellt und bearbeitet haben, aus Aufnahmen in den Archiven von Spoon Records und von hilfsbereiten Fans eingesandten Aufnahmen zusammengesetzt und für das 21. Jahrhundert aufgearbeitet.

Can, die in den späten 60er Jahren gegründet wurden und sich ein gutes Jahrzehnt später auflösten, haben sich mit ihrer beispiellosen und kühnen Verbindung von hypnotischen Grooves und avantgardistischen Instrumentalstrukturen zu einer der wichtigsten und innovativsten Bands aller Zeiten entwickelt, und diese Alben zeigen die Gruppe aus einer ganz anderen Perspektive. Man hört vielleicht vertraute Themen, Riffs und Motive, die auftauchen und sich durch diese Jams wälzen, aber es sind oft nur flüchtig wiedererkannte Gesichter in einer wirbelnden Menge. An anderen Stellen hört man Musik, die es nie in den offiziellen Albumkanon geschafft hat. Bei diesen Aufnahmen gehen Can in noch extremere Bereiche als bei ihren Studioarbeiten: von sanftem, atmosphärischem Drift-Rock bis hin zu Momenten, denen die Band den Spitznamen »Godzillas« gab. Und selbst wenn sie sich von Minute zu Minute dem Rhythmus anpassen und hinterher jagen, kann man die außergewöhnliche musikalische Telepathie hören, die ihre Mitglieder miteinander teilen.

Diese Veröffentlichung folgt auf »Can Live in Brighton 1975« [»Pure dynamite... keep them coming« - Mojo]; »Can Live in Stuttgart 1975«, [Uncut's »Reissue of the Year«, #2 in »Mojo's Reissues of the Year«, #7 in »The Wire's Archive Reissues of the Year«], und »Can Live in Cuxhaven 1976«, das ebenfalls in den »Reissues of the Year« stark vertreten war.

Live in Paris 1973 is the first official release of one of Can's most legendary performances, a May 12, 1973 set at L'Olympia. At this point, Ege Bamyasi had been out for about half a year, following the German chart success of the single "Spoon," and Damo Suzuki was merely months away from leaving the band and quitting music for a decade, while he devoted time to religion. This release of the concert was pieced together from several recordings found in the Spoon Records vaults, as well as tapes supplied by fans. In this sense, it's comparable to the editing process of the band's studio albums, which were crafted from hours' worth of improvised sessions. This live set is a largely unfiltered display of the band's powers when they were at their prime, with a few deft editing touches (such as a brief echo spiral in the middle of the 36-minute "Paris 73 Eins") seemingly applied to cover up breaks in the tape recordings, or other inconsistencies. Like the other Can live releases, the tracks are numerically titled, and generally seem like improvisations, but the group often riff off tunes from their albums, using them as launching pads instead of giving them straightforward readings. "Zwei" is based on the funky, time-shifting rhythm of "One More Night," and it's the set's purest distillation of Can's mastery of killer grooves. "Drei," based on "Spoon," starts out with murky fidelity but opens up after a few minutes, in time for the band to accelerate and really blast off. "Vier" expands on this volatile energy, and there's unbelievable chemistry between the rhythm section, Suzuki's impassioned howls, and Irmin Schmidt's volcanic keyboard eruptions. Finally, the group run through "Vitamin C," transforming it into an extended freak-out that probably lasted long after the tape cut off. Live in Paris 1973 is Can at their on-stage best, and easily the band's most essential live release.

(by Paul Simpson, All Music Guide)

Die vierköpfige skandinavische Soulband liefert warme, harmonische und nostalgische Tracks mit einem zeitlosen Gefühl. Beschrieben als das uneheliche Kind von Fleetwood Mac, Khruangbin, obskuren Motown-Singles, dem Hip-Hop-Duo Eric B & Rakim, gewürzt mit einer Prise Stevie Wonder, Selda Bagcan, Elis Regina und Ted Gärdestad, leihen sich Dina Ögon über Jahrzehnte, Länder und Genres hinweg aus und liefern letztendlich kohärenten und gemütlichen Retro-Pop aus einem entspannten nordischen Horizont. Mit zwei von der Kritik gefeierten Alben im Gepäck und der Unterstützung von Künstlern wie Tyler The Creator, vielen ausverkauften Tourneen und einem organischen Wachstum und Mundpropaganda auf globaler Ebene in nur zwei Jahren, bereiten sie sich darauf vor, ihr drittes Album »Orion« im Februar 2024 zu veröffentlichen.

Das sechste Real Estate-Album »Daniel« wurde in neun Tagen im RCA Studio A in Nashville mit dem GRAMMY-prämierten Produzenten und Songwriter Daniel Tashian (Kacey Musgraves) aufgenommen. In 11 zwanghaft melodiösen Songs verbinden sie das ungehemmte Staunen ihrer frühesten Arbeiten mit der verdienten Perspektive des Erwachsenseins.

Einige Tage vor den Aufnahmen diskutierten alle fünf Mitglieder von Real Estate über Albumtitel, als jemand »Daniel« vorschlug, weil es einfach witzig erschien, einer Platte einen menschlichen Namen zu geben. War es für Daniel Tashian? Vielleicht. War es eine Anspielung auf Tim von The Replacements? Möglicherweise. War es das Zeichen einer Band, die nun schon lange genug dabei ist, um ihre Musik ernst zu nehmen, ohne sich selbst oder ihre Wahrnehmung zu ernst zu nehmen? Auf jeden Fall.

New Jersey indie quintet Real Estate come full circle on their sixth album, Daniel, cresting the arc of maturation they've been building on for their last several records while returning to the charm and simplicity of their earliest days. Daniel arrives 15 years into the band's journey from post-college suburban melancholy to full-on adulthood, and the themes of growing up, worry for the next generation, and the weird and persistent washes of change that have been creeping into singer/songwriter Martin Courtney's work since he became a father, continue here. What's different about Daniel is how these themes get framed. The band changes course from the global influences and experimental textures they flirted with on previous albums and revert to concise, jangly pop tunes. Recorded in Nashville with producer Daniel Tashian (perhaps best known for his work on Kacey Musgraves' Grammy-winning 2018 album Golden Hour), tracks like the hook-filled "Water Underground" or "Flowers" are direct and to the point, with sculpted arrangements that add a subtle country-pop flavor in the form of airy pedal steel and wooden acoustic guitars dancing with more modernized synth sequences. There are nods to all the inspirations Real Estate has been moved by, from the bright power pop balladry borrowed from Big Star on "Interior" to the latter-day Feelies-isms of "Say No More" to touches of the spaced-out Grateful Dead-informed guitar noodling throughout. Tashian's gracefully layered production also brings in a feeling very specific to the best introverted folk-rock albums of 1992. There are overt lyrical references to Neil Young's Harvest Moon that reinforce the album's influence on Daniel's mellow country undercurrents, and moments like the cloudy ambience of "Airdrop" or the jumpy beauty of "Market Street" tap into the same combination of existential uneasiness and reflective joy R.E.M. embraced on Automatic for the People. Daniel re-centers Real Estate in a way that highlights their strengths without simply repeating past victories. The songwriting honors the stage of life Courtney and his bandmates are presently in, and the nuanced production replaces potential clutter with sparkle that sharpens the pop edges of the songs. This is Real Estate at their best, giving us the same bright and bittersweet indie perfection as always, only better with age and experience.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Die kanadisch-amerikanische Dichterin, Sängerin und Multi-Instrumentalistin Vera Sola macht zeitlosen, verblüffenden Sound, der Vergleiche mit Nick Cave, Nancy Sinatra, Leonard Cohen und PJ Harvey hervorruft.

Nach ihrem Debütalbum »Shades« (2018), das sie komplett alleine geschrieben, aufgeführt und produziert hat, erscheint ihr neues Album »Peacemaker« im Februar 2024 über City Slang.

Ihr Timbre ist dunkel, mystisch, die nachdenklichen Songs scheinen einer Welt schicksalhafter Erwartung zu entspringen.

(AUDIO + stereoplay, März 2024)

Ob samtig orchestrierte Gothic-Americana-Balladen oder treibender Outlaw-Rock, Aykroyd sitzt fest im Sattel [.​.​.​] mit einer Autorität und Eleganz, die Respekt einflößt.​ Ein Album mit Klasse.​ Und ein klasse Album!

(VISIONS, Februar 2024)

2024 feiert Pete Astor sein 40-jähriges Plattenjubiläum - ein passender Zeitpunkt, um Bilanz zu ziehen und auf Songs zurückzublicken, die zuerst auf Platten von Astor-geführten Combos wie den Creation Records-Vorreitern The Loft und The Weather Prophets und den Matador-Künstlern The Wisdom of Harry erschienen sind, sowie auf eine Auswahl von Soloalben, die auf Labels wie Danceteria und Static Caravan veröffentlicht wurden. Astors Motivation für »TS&NR« ist vielschichtig.

Einige Songs werden effektiv neu untersucht, so wie man über einem resonanten Bild aus einer Schachtel mit alten Fotos verweilt - und sich mit der Essenz eines jüngeren Selbst verbindet. Andere Lieder werden in weiseren und nachdenklicheren Tönen neu aufgenommen, während andere einfach nur eine Exhumierung aus einer absichtlich undurchsichtigen Lo-Fi-Nichtproduktion verlangen. Die ausgewählten Songs sind nicht die offensichtlichen - hier gibt es kein »Up the Hill and Down the Slope« oder »Almost Prayed« - sondern wurden aus interessanteren, oft esoterischen Gründen ausgewählt.

Auch in ihrem neuen Glanz bestechen die Lieder durch Astor-typische behutsame, filigrane Arrangements sowie in den Texten durch eine feine Beobachtungsgabe und hintersinnigen Humor.​

(GoodTimes, April/Mai 2024)

Die ehrwürdige Super-Group The Immediate Family liefert auf ihrem neuen Studioalbum "Skin In The Game" ein herausragendes Set zeitlosen Rock 'N' Rolls.

Dieses zweite Studioalbum der legendären Musiker ist eine gekonnte Kombination aus Power und Präzision, Spaß und Introspektion, mit schwebenden Harmonien und einem Hauch von R&B mit der reinen Essenz des Rock'n'Roll!

Die 14 Tracks von "Skin In The Game", die von der Band selbst produziert wurden, zeigen die bemerkenswert vielseitigen musikalischen Fähigkeiten aller fünf Mitglieder von The Immediate Family: die Sänger, Songwriter und Gitarristen Danny Kortchmar, Waddy Wachtel und Steve Postell sowie eine der bekanntesten Rhythm-Sections der Rock-Geschichte, Russ Kunkel und Leland Sklar.

Das eingespielte Quintett wurde zunächst durch die Zusammenarbeit mit einigen der größten Namen des Rock bekannt, darunter Keith Richards, Linda Ronstadt, James Taylor, Carole King, Jackson Browne, Stevie Nicks, Don Henley, Billy Joel, David Crosby und Joni Mitchell, um nur einige zu nennen - doch jetzt haben sie ihre eigene Identität als The Immediate Family gefestigt.

»Bright Future« ist das zweite Solo-Album von Adrianne Lenker, bekannt als Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band Big Thief, auf 4AD. Ihr erstes eigenes Album seit »Songs & Instrumentals« aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und entstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte.

Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von »Bright Future«, Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen.

Das Ergebnis ist, dass »Bright Future« die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird, was somit immer wieder ein Erlebnis ist und deutlich macht, warum Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs »Vampire Empire«, der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel »Bright Future« einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.

Die schottisch-dänische Komponistin Clarissa Connelly präsentiert ihr erstes Warp-Album. Im Laufe der Jahre hat Clarissa heilige Stätten und Mythologie erforscht und sich dabei von der keltischen und nordischen Kultur inspirieren lassen.

Für ihr jüngstes Werk »The Voyager« (2021) wanderte sie durch die skandinavische Landschaft und kanalisierte Melodien aus alten vorchristlichen Stätten. Das Album erhielt weltweite Anerkennung und wurde mit dem renommierten Nordic Music Prize ausgezeichnet. In »World Of Work« erkundet Clarissa Themen wie Akzeptanz und Wachstum, indem sie eine traumhafte Synthese aus Nordic Folk, mittelalterlichen Gesängen und modernem Pop schafft, das einem kraftvollen Zeugnis ihrer Produktions- und Kompositionsfähigkeiten gleichkommt.

Familienangelegenheit

Die Texaner von Khruangbin besinnen sich auf ihrem neuen Album »A La Sala« ganz auf sich selbst und haben so ihr homogenstes Werk seit langem erschaffen.

Dabei gehören Zusammenarbeit, interkultureller Austausch und Verständigung durch Musik seit jeher zur DNA des Chill-Funk-Trios. Allein in den letzten Jahren stehen zwei gefeierte EPs mit dem Neo-Soul-Sänger Leon Bridges und das Album »Ali«, eine Kollaboration mit Vieux Farka Touré, für Khruangbin zu Buche.

Auf »A La Sala« sind nun ausschließlich Gitarrist Mark Sperr, Drummer Donald »DJ« Johnson und Bassistin Laura Lee Ochoa zu hören. Zum ersten Mal überhaupt auf einem Khruangbin-Album gibt es keinerlei Gäste. Ein bewusst familiärer Ansatz, der sich auch im Titel der vierten Platte des Trios wiederfindet. Der lässt sich sehr frei mit »Alle ins Wohnzimmer« übersetzen, dem Ausruf mit dem Laura Lee als Kind ihre ganze Familie für gemeinsame Aktivitäten im Zentrum des Hauses zusammentrommelte.

Die erste Single »A Love International« unterstreicht mit ihrem wehmütigen Gesang und einem treibenden Gitarren- und Bass-Duett diesen nachdenklichen und feierlichen Charakter von »A La Sala«. Darüber hinaus sind die musikalischen Berührungspunkte in Khruangbins entspannten Instrumental-Funk gewohnt vielfältig. Ob Spaghetti-Western-Filmmusik (auf »Fifteen Fifty-Three«), westafrikanische Disco (auf »Pon Pón«), G-Funk-Fantasien (»Todavía Viva«) oder sogar Ambient-Found-Sounds (auf »Farolim de Felgueiras« und im gesamten Album auftauchend) – auch ohne Gäste haben diese zwölf Stücke jede Menge Abwechslung zu bieten.

Gerade einmal 40 Minuten dauert das Album, und wer danach die Repeat-Taste drückt, merkt vor allem eins: Nicht die individuellen Melodien bleiben im Kopf, sondern die Stimmung.​

(VISIONS, April 2024)

Kürzlich kündigte Shabaka Hutchings an, seine Bands Sons Of Kemet, Shabaka And The Ancestors und The Comet Is Coming sowie sein Saxofon für einen nicht näher definierten Zeitraum ruhen zu lassen. Sein erstes Solo-Album ist eine bewegende Suite aus in erster Linie instrumentaler, meditativer Musik, auf der Shabaka auf einer Vielzahl verschiedener Flöten zu hören ist. Als Gäste hat er Künstler wie Andre 3000, Lianne La Havas, Moses Sumney, Floating Points u.a. hinzugeladen. Shabaka spielt verschiedene Flöten, Klarinette und Shakuhachi.

Facettenreich

Ihr gefeiertes Debütalbum »Salt« brachte der Lady mit der warmen Altstimme seinerzeit noch Vergleiche mit dem Pop-Jazz von Norah Jones ein. Wahrlich keine schlechte Referenz für eine Newcomerin. Über die Jahre kamen mit jedem Album neue Einflüsse und Klangfarben hinzu. Folk, Singer-Songwriter, R&B und den Gospel-Gesang ihrer US-Südstaaten-Herkunft ließ Lizz Wright nach und nach in ihre Musik einfließen. Mit »Fellowship« widmete sie dem Gospel sogar ein ganzes Album mit Coverversionen.

Gemeinsam mit ihrem Produzenten und langjährigen musikalischen Weggefährten Chris Bruce (u. a. Seal, Sheryl Crow) hat die Sängerin aus Georgia auf »Shadow« nun all ihre Stärken gebündelt. Dafür hat Lizz Wright fünf grandiose eigene Songs geschrieben und diese mit tollen Interpretationen von Klassikern ergänzt.

Candi Statons Soul-Song »Sweet Feeling« zum Beispiel wird hier zur getragenen Blues-Nummer. Schließlich ist Wright in der Blues-Stadt Chicago zu Hause. »Ich bin begeistert davon, mehr Blues zu singen als bislang. Er hat eine gewisse Kühnheit, aber er ist auch beruhigend. Den Blues in Chicago zu singen ist so, als würde man den Saft in einem großen alten Baum finden. Der Blues liegt im Geist der Stadt.«

Wie genau das klingt, findet ihr auf Lizz Wrights neuem Album »Shadow« am besten selbst heraus.

.​.​.​Cocktail aus Jazz, Soul, R’n’B Folk – und Gospel [.​.​.​] ›Shadow‹ hat aber auch Blues-Appeal.​ Streicher, Harfe, Akustikgitarren und Orgel verleihen dem Werk einen schimmernden Akustikglanz.​

(AUDIO+stereoplay, Mai 2024)

Lizz Wrights samtiger, dunkel getönter Gospelstimme kann man sich einfach nicht entziehen.​ Ihr Credo: Ehrlichkeit verpackt in Pop, Folk, Blues oder Jazz.​

(Stereo, Mai 2024)

High Llamas präsentieren Hey Panda - ein modernes Popmusik/Deep Listening-Erlebnis, das nur aus ihrem persönlichen Quadranten der Galaxie stammen kann. Hey Panda ragt gefühlvoll durch eine entnervende Abstraktion der heutigen populären Musik; der Klang der stattlichen Melodien und ausdrucksstarken Liedchen der Llamas wird aufgedeckt - glückselig zerbrochen - mit Schlagzeug und Gesang, die verschiedene, brennende Klänge treffen, und zeitgenössischen Produktionswendungen, die das Ohr auf Schritt und Tritt mitreißen.

In den letzten Jahrzehnten haben High Llamas mit zeitgenössischen Pop-Sounds gehandelt, die sich eher am avantgardistischen Ende des Spektrums orientierten, als nicht. Aber hier war die Botschaft klar. Llamas-Komponist Sean O'Hagan war entschlossen, loszulassen. Hey Panda tut genau das, mit einer Reihe von Liedern, die auf mehreren Ebenen reflektieren, wie sich Definitionen im Laufe eines Lebens verändern, und die einen Optimismus ausstrahlen, der sich aus den verschiedenen Problemen der heutigen Zeit ableitet.

Acht Jahre nach ihrer letzten Veröffentlichung, dem Pop-Musical »Here Come The Rattling Trees«, haben sich High Llamas wieder neu erfunden und mischen auf Hey Panda ihre unvergleichliche harmonische Stimme mit dem, was Sean als »außerordentlich guten« Produktionssound von heute bezeichnet. Sean hat sich entschieden, nicht auf die goldenen Zeiten früherer Llamas-Ären zurückzublicken, sondern sich stattdessen von den Klängen der Musik öffnen zu lassen, die seine erwachsenen Kinder ins Haus bringen, und von den Klängen, denen er bei Sessions begegnet, für die er kürzlich Arrangements geschrieben hat.

Neben seinen eher traditionellen Beiträgen zum Album »Sea of Mirrors« von The Coral und seiner Filmmusik für die Filmproduktion Funny Pages der Safdie-Brüder aus dem Jahr 2022 hat sich Sean durch die Zusammenarbeit mit Fryars, Rae Morris, King Krule, Pearl und The Oyster inspirieren lassen, während er auch die Arbeit von Tierra Whack und der Pivot Gang aus Chicago aufgesogen hat und von seinem langjährigen Bewunderer Tyler The Creator aus der Ferne angefeuert wurde. So hat sich Seans Produzententätigkeit erneut weiterentwickelt, mit Upgrades, die erstmals in seinem 2019er Solowerk Radum Calls, Radum Calls zu hören sind.

Mit einem Cover von Billie Eilishs »Wish You Were Gay«, das für Bill Callahan und Bonnie Prince Billy's Blind Date Party arrangiert wurde, sowie seiner COVID-Ära-Solo-Single »The Wild Are Welcome« hat sich Sean immer weiter gesteigert, was zu den delirierenden Enthüllungen von Hey Panda führte. Die große Reichweite von »Hey Panda« wird unterstützt durch zwei Co-Texte von Bonnie »Prince« Billy (der sich mit Sean während der Schreibsessions über die gemeinsame Liebe zum Gospel-Soul verband), Gastvocals von Rae Morris und Seans Tochter Livvy, Produktionsänderungen von Fryars und die unerschütterliche, flexible Präsenz von High Llamas.

Trotz seiner Aufbruchstimmung ist Hey Panda eine Bewegung im Oeuvre der High Llamas, die schon lange in der Entwicklung ist. Aspekte der Soul-Musik wurden bereits bei Can Cladders aufgegriffen, ebenso wie Aspekte der elektronischen Tanzmusik in den späten 90er Jahren, als Cold and Bouncy entstand. Aber nichts hat die Musik von High Llamas bisher so vollständig neu ausgerichtet. Sean O'Hagan und High Llamas leben mit Hey Panda fröhlich im Neuen und im Jetzt und lassen sich dabei unter anderem von Steve Lacy, SZA, Sault, No Name und Ezra Collective inspirieren - ganz im Sinne von Miles Davis und Quincy Jones.