The Jayhawks: "Tomorrow The Green Grass" (Sony/American, Feb. 1995) |
Ich kann mich noch gut an den wunderbaren Auftritt der Band in der
Essener Zeche Carl erinnern: Mark Olson zum letzten Mal dabei
und in der Zugabe sang Pianistin Karen Grotberg eine alte Country
Shuffle (ich glaube "Down To My Last Cigarette" von Harlan
Howard) und bekam hinterher als Belohnung von Gary Louris (ihrem
Lover?) ein Küsschen. Süß ...
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...Mark Olson and Gary Louris lead their slightly expanded six-piece
band through a string of beautifully bracing folk-tinged pop songs stunning
in their simplicity. Their trademark, winsome vocal harmonies move from
aching to expansive with captivating ease... (New Musical Express)
...the country harmonies that Mark Olson contrives with guitar hero
Gary Louris attain that upliftingly sad tinge of gospel that was once
the heavenly terrain of Gram Parsons and Emmylou Harris... (Entertainment
Weekly)
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On their fourth disc, the Jayhawks continue their picture-perfect
country rock harmonies and songwriting skills. While the band claims Minneapolis
roots, it has evolved far beyond its Midwestern home; by taking cues from
the harmony-vocal-oriented Flying Burrito Bros., the Jayhawks have evolved
into a likeable combo. The band is centered around Mark Olson and Gary Louris,
who share lead vocal and guitar duties, beside writing all of the band´s
songs. The band was formed in Minneapolis in 1985, and has undergone numerous
personnel changes. The core band now includes of Marc Perlman on bass and
Karen Grotberg on keyboards and vocals. The band members are solidly in
demand as studio musicians: various members have worked on albums by Joe
Henry, Maria McKee, and Counting Crows. The group has at least partly relocated
to the West Coast, with Olson now residing in L.A. For the recording of
Tomorrow the Green Grass, the band brought in Don Heffington (who also worked
on Marvin Etzioni´s terrific Weapons of the Spirit) on drums, and
Benmont Tench (from the Heartbreakers) on organ.
With the pleasant harmony vocals of Louris and Olson, and the steady studio
efforts of the band, it´s hard not to like the group. In many ways,
they resemble a countrified, Californian version of the BoDeans (also based
in the Midwest). While both groups have the plainspoken Midwestern honesty,
the BoDeans are more willing to explore the dark side of long winters, whereas
the Jayhawks have been influenced by lots of time in the California sun;
their songs are more upbeat and pop-oriented. From cuts like "Miss
Williams´ Guitar" (about Victoria Williams, the wife of Olson)
to a terrific cover of a 1975 Grand Funk Railroad cut, "Bad Time"
(featuring the marvelous Sharleen Spiteri of Texas on backing vocals), the
13 songs on Tomorrow the Green Grass are consistently upbeat.
There´s a place for this kind of music. The world doesn´t need
to be filled with dour and distressing dirges. Tomorrow the Green Grass
is a worthy follow-up to the band´s 1992 release, Hollywood Town Hall,
and should continue to win over fans." (Randy Krbechek´s Metronews
Music Reviews) |
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Portishead: "Dummy" (Go! Discs, März 1995) |
Das
ganze nennt man, so weit ich weiß "Trip Hop" bzw. den "Bristol
Sound". Ich als alter Rock-Dinosaurier kenne mich da leider nicht
aus. Aber egal - Beth Gibbons ist eine tolle (Jazz?-)Sängerin,
die Samples sind sehr geschmackvoll, das Songwriting ist absolut stimmig
und auch die Drumloops klingen so wie Computertrommeln meines Erachtens
klingen sollen, nämlich nicht wie ein "echtes" Schlagzeug.
Mich nerven Drumcomputergeschichten, bei denen alles wie bei einem echten
Trommler klingt, der aber drei Beine und vier Arme haben müsste,
um das alles in Echtzeit zu spielen. |
Sugartown: "Swimming In The Horsepool" (Marina, März 1995) |
[del Amitri |
The Velvet Underground]
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Pat Johnson: "Mooner" (Strange Ways, April 1995) |
Lange nicht mehr gehört - und was muss ich sagen? Eine wunderbare
Singer/Songwriter-Platte, die ich irgendwie wieder vergessen hatte.
Erinnerungsgrund war jetzt der gestrige Auftritt der Penelope Houston
Band im Weseler Karo mit eben jenem Mann, einem der unterbewertetsten
Musiker aus San Francisco. Anfang der 90er gab es mal die Band The
Wellsprings Of Hope, deren einzige Konstante als Musiker und Songschreiber
Pat Johnson war, sodass dieses Solodebüt sich auch kaum von der
Arbeit dieser Band unterscheidet, deren (Ex-)Mitglieder auch hier auf
einigen Titeln vertreten sind, mit ihrem typischen Sound, einem Gemisch
aus 6Ts-Garagengitarren und Bläsern ("Garagesoul"?).
Der Grossteil der Aufnahmearbeit wurde aber bei uns in "Good Old
Germany" geleistet, damals durchaus als eine Art Refugium für
US-Musiker zu betrachten, die in ihrer Heimat nicht richtig anerkannt
werden: das Plattenlabel ist aus Bremen, der Trommler und Co-Produzent
Quintus Kannegiesser spielt(e) bei der Frankfurter Band Smiles
In Boxes (leider nie gehört). Weitere Beteiligte sind Penelope
Houston samt Band, für die Pat Johnson immer mal wieder im
Studio und als Songschreiber aktiv war. Und seit der EP "Snapshot"
von 2003 und der neuen Komplett-CD "Pale
Green Girl" ist er ja auch in ihrer Begleitband der Mannschaftskapitän!
(09.10.2004)
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Welcome to the familiy: Pat Johnson, Songwriter aus dem Clan von Leonhard
Cohen über John Martyn bis Alan Taylor, spielt eine schöne Akustikgitarre
und seine Songs sind private Gedichte eines Einzelgängers über
das Leben und seine Episoden, über Frauen, Einsamkeiten und Eifersucht,
voll von Bildern und Metaphern. Die Musik ist etwas für ruhige Tage,
besser noch Abende, allein mit einem Drink und der Absicht sich weit weg
vom Alltäglichen in Gedanken zu verlieren. Es rockt soft, Bläser
liefern Soul-Anklänge, Blues stellt sich ein, alles klingt sympathisch
unplugged und verlockt zum Mitsummen. Sorgfältig produziert erfreuen
abwechslungsreiche Arrangements, nur einige fade-outs dauern entschieden
zu lang! Nichts Revolutionäres, aber auch nicht "déja
vu". Unterstützt von guten und teils bekannten KollegInnen (u.a.
Penelope Houston), schöne Songs in guter Handarbeit - und das ist
heute schon was!
Ingo Rasch (www.discover.de)
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Tindersticks (Quicksilver/This Way Up, April 1995) |
Das
zweite Album der Band heißt genauso wie das gelungene erste schlicht
"Tindersticks",
was sicherlich nicht der Verwirrung beim Publikum entgegengewirkt hat.
Es ist aber auch genauso gut. |
Vic Chesnutt: "Is The Actor Happy?" (Texas Hotel, April 1995) |
Neben Robert Wyatt der einzige singende Rollstuhlfahrer, den ich kenne
... Das ist aber völlig unwichtig, denn Chesnutt schreibt wunderbare,
wenn auch recht spröde Lieder. Wie Michael Stipe stammt
er aus Athens/Georgia. Dieser hat dann auch die ersten beiden, sehr
rudimentären Alben produziert. Unter den Songs sei euch besonders
"Gravity Of The Siuation" an's Herz gelegt, das nicht nur
von "Waiting For Louise" gecovert wurde, sondern sich auch
mit 13 anderen Chesnutt-Kompositionen auf dem empfehlenswerten Benefit-Sampler
"Sweet Relief II - Gravity Of
The Situation" befindet, dort gesungen von Nanci Griffith
und Darius Rucker (Hootie & The Blowfish). |
The Bathers: "Sunpowder" (Marina, Mai 1995) |
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In order to immediately penetrate the slow, funereal rhythms of the Bathers'
Sunpowder album, skip to track six, "Faithless." On this song,
the Bathers' quiet, brooding music doesn't sound so self-absorbed; violins
weep eloquently atop snapping drums and gently strummed acoustic guitars.
Singer Chris Thomson chokes on his words as if each melancholy lyric was
mined with thorns. "Faithless" is the key to unlocking this
dense, seemingly hookless album. Once it is heard, the indecipherable
vocals and pervading sadness of Sunpowder's first half is no longer uneasy
listening. Thomson's gravelly voice suddenly becomes familiar; furthermore,
"Faithless" places the listener in the right mood to appreciate
the album in its entirety. Fans of Thomson's previous group, Friends Again,
probably won't recognize their idol here; the crystalline jangle of "She's
Gone Forever" is the only track that resembles that work. On Sunpowder,
Thomson's voice recalls Tom Waits' drunken rasp. The piano, violins, and
acoustic riffs that envelope the release will have devotees of the Tindersticks
wondering if the album was labeled incorrectly. The celestial wail of
Elizabeth Fraser from the Cocteau Twins sheds some light on Thomson's
weighty sorrow, especially on "Danger in Love." The country-flavored
"Send Me Your Halo" is an uplifting love song with stirring
violins. Sunpowder may be hard to digest at first, but patience reveals
its inner beauty.
(by Michael Sutton, All
Music Guide)
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Teenage Fanclub: "Grand Prix" (Sony/Creation, Mai 1995) |
Klasse Gitarrenband aus Schottland, wohl wegen ihrer Fans(?) von der Band Oasis
ebenfalls bei Alan McGees Label Creation unter Vertrag,
und deshalb auch letztendlich beim Major Sony gelandet. Nur dass
die drei singenden und komponierenden Gitarristen/Bassisten Norman
Blake (nicht mit dem amerikanischen Folk/Country-Gitarristen zu
verwechseln!), Gerard Love und Raymond McGuinley mit wechselnden
Drummern nicht annähernd so viele Platten wie ihre "Fans"
verkaufen. Und mir viel sympathischer sind. |
Scott Walker: "Tilt" (Fontana, Mai 1995) |
Geniestreich oder nur durchgeknallt? 11 Jahre nach "Climate
Of Hunter" erscheint mal wieder ein Album des ehemaligen
Walker Bruders. Und alles bleibt wie immer sehr misteriös. Trotzdem:
ich sitze vor'm Lautsprecher und bin wie immer verzaubert.
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Tilt was Scott Walker's first album following over a decade of silence,
and whatever else he may have done during his exile, brightening his musical
horizon was not on the agenda. Indescribably barren and unutterably bleak,
Tilt is the wind that buffets the gothic cathedrals of everyone's favorite
nightmares. The opening "Farmer in the City" sets the pace,
a cinematic sweep that somehow maintains a melody beneath the unrelenting
melodrama of Walker's most grotesque vocal ever. Seemingly undecided whether
he's recording an opera or simply haunting one, Walker doesn't so much
perform as project his lyrics, hurling them into the alternating maelstroms
and moods that careen behind him. The effect is unsettling, to put it
mildly. At the time of its release, reviews were undecided whether to
praise or pillory Walker for making an album so utterly divorced from
even the outer limits of rock reality, an indecision only compounded by
its occasional (and bloody-mindedly deceptive) lurches towards modern
sensibilities. "The Cockfighter" is underpinned by an intensity
that is almost industrial in its range and raucousness, while "Bouncer
See Bouncer" would have quite a catchy chorus if anybody else had
gotten their hands on it. Here, however, it is highlighted by an Eno-esque
esotericism and the chatter of tiny locusts. The crowning irony, however,
is "The Patriot (A Single)," seven minutes of unrelenting funeral
dirge over which Walker infuses even the most innocuous lyric ("I
brought nylons from New York") with indescribable pain and suffering.
Tilt is not an easy album to love; it's not even that easy to listen to.
First impressions place it on a plateau somewhere between Nico's Marble
Index and Lou Reed's Metal Machine Music -- before long, familiarity and
the elitist chattering of so many well-heeled admirers rendered both albums
mere forerunners to some future shift in mainstream taste. And maybe that
is the fate awaiting Tilt, although one does wonder precisely what monsters
could rise from soil so belligerently barren. Even Metal Machine Music
could be whistled, after all. (by Dave Thompson, AMG)
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"There's truly no parallel in contemporary rock history
for the kind of late career renaissance that Tilt signified for Scott Walker.
Although most thought his best material well behind him in 1995, he came
out with a record that confounded everyone, full of magical ideas and brain-storming
musical leaps that far outstripped what even the most advanced avant-rock
groups were formulating at the time.
Then again, Walker was always a highly innovative performer who perilously
followed the dictates of his heart ever since he split from the greatest
boy band of the late 1960s, The Walker Brothers. His run of four great solo
albums, Scott 1-4, beautifully plotted his reinvention from fluffy pin-up
to black-hearted existential misfit. By the time of 1969´s Scott 4
he was writing songs based on Ingmar Bergman movies and dedicating tracks
''to the neo-Stalinist regime''. As the 1970s and 1980s rolled on he became
even more reclusive, only emerging for a patchy solo album, Climate Of Hunter,
and an even worse Walker Brothers reunion.
The circumstances couldn´t have been better for springing Tilt on
an unsuspecting public. From the first track, Farmer In The City, it´s
so gloriously confusing as melancholic strings make for the morning light
while Walker reads a litany of hallucinatory imagery, of wild horses and
the long shadows of macabre threshing machines. The closing Rosary is Walker
at his most intense, just quivering over a spare electric guitar, genuinely
chilling in its unearthly qualities. Nowadays he produces Pulp, so go figure." |
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Paul Weller: "Stanley Road" (Go! Discs, Mai 1995) |
Und noch ein schönes Album von dem Mann - und dieses hatte ich doch
glatt vergessen, obwohl es schon lange in meinem Plattenschrank steht!
Wieder eingefallen ist es mir, weil es jetzt als Deluxe-Version wiederveröffentlicht
wurde, obwohl es doch gerade mal 10 Jahre alt ist. Außerdem steht es
in der Ewigkeitsliste der Leser vom Q-Magazin vom Februar 2006 auf Platz
83. Ich will jetzt nicht darüber spekulieren, ob das angemessen
ist, sondern einfach nur auf ein sehr schönes Album verweisen.
Zwei Anspieltipps noch: zum einen die tolle Coverversion von Dr.
John's "Walk On Gilded Splinters" (von dessen Meisterwerk
"Gris Gris" und die eigene
Ballade "You Do Something To Me". Als Gast ist bei einigen
Liedern Steve Winwood zu hören. Das macht für mich
Sinn, denn schon Pauls Solodebüt
von 1992 hat mich an Traffic
erinnert. Einziger, subjektiver Makel der Platte: bei der Dr.John-Nummer
zupft dieser blöde Noel Gallagher die Wandergitarre...
(02.03.2006) |
Wilco: "A.M." (Reprise/Sire, Mai 1995) |
Nach dem Split von Uncle Tupelo erschien als erstes A.M.
Mitte `95. Jeff Tweedy schrieb eine Reihe rockiger Pop-Songs,
die nicht unbedingt an Anodyne
oder gar March 16-20
erinnerten. Eher an den hochmelodiösen L.A.-Rock der Mittsiebziger,
allerdings ohne dessen Glattmacher-Tendenz, und Songs wie Casino
Queen oder Box Full Of Letters wären vor 25
Jahren hoch in die Charts eingestiegen. Man könnte es rootsigen
Power-Pop-Rock nennen, wäre der Begriff `Power-Pop´ nicht
irgendwie negativ belegt. Mit Brian Henneman (Bottle Rockets)
als Gitarrist auf allen Songs und Lloyd Maines an der Pedal
Steel.
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Locust Fudge: "Royal Flush" (Glitterhouse, Juni 1995) |
Das zweite Album des Duos Dirk Dresselhaus (AKA Schneider)
von den HipYoung Things und Christopher Uhe (AKA Krite)
von den Speedniggs.
(25.12.2014)
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The file texte/LocustFudge-Flush2014.htm does not exist
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Natalie Merchant: "Tigerlilly" (Elektra, Juni 1995) |
Schönes Solodebüt der ehemaligen 10,000
Maniacs Sängerin. |
Van Morrison: "Days Like This" (Exile, Juni 1995) |
Die Band spielt dermaßen gut! Das Songmaterial ist klasse (z.B. der
Titelsong und die letzte Nummer "In TheAfternoon"). Van The
Man singt (wie immer) göttlich. Auch seine Tochter Shana Morrison
darf mitsingen und sogar mit auf das Cover. Trotzdem sind nicht alle
Leute zufrieden zu stellen, wie uns der Kritiker zeigt (klickt mal auf
Info-Symbol!). Zumindest hat sich der Mann mit den Details beschäftigt.
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"Morrison returned to the studio for 1995´s Days Like This,
and early listenings lure you into believing that he has managed to recapture
the inspirational vibe of his best work. "Perfect Fit," the
opener, seems to embody all of the confidence and high spirits found on
"Bright Side of the Road" from Into the Music. Tenor saxophonist
Pee Wee Ellis, returning after a decade-long absence, has an immediate
impact: the horns sound great. The bass guitar leaps from the speakers,
and Van´s harmonica seems ready to take on the world. There are
many sweet sounds here, but the listener leaves the table hungry. In quick
succession, beginning with the vacuous but sonorous "Perfect Fit,"
Van tosses off songs whose pleasing veneer conceals a hollow core.
Those who are still listening closely as the album passes the halfway
point, however, are rewarded. The title song turns a common expression
and famous pop song chorus on its head. Usually, the phrase "My momma
told me there´d be days like this" is something you say to
make yourself feel better at the end of a tough day: the implication is
that a good day might be just around the corner. The singer, steeling
himself against disappointments and letdowns, does not want to feel too
good on the good days: "When all the parts of the puzzle start to
seem like they fit / Then I must remember there´ll be days like
this." Keep an ear peeled for one of Morrison´s best sax solos.
This odd manipulation of positive and negative continues into "Underlying
Depression" and "Melancholia." The former tacks post-Dylan
self-analysis onto a sweet Motown vibe culled from Smokey Robinson &
The Miracles while the latter is an eccentric gem. With a horn part as
gorgeous as anything on Beautiful Vision and some moving echo vocals by
Brian Kennedy and James Huntsman, Van sings the word "Melancholia"
over and over in the chorus, serenely caressing each syllable as if he
were whispering a lover´s name. In doing so, he seems to banish
his dark mood.
The neglected epic "Ancient Highway" is in the grand tradition
of "Listen to the Lion" and "You Don´t Pull No Punches."
Over a dusky, Spanish-sounding melody, a quiet rhythm section, muted trumpet,
and recorder, Morrison projects images of a Friday night in Belfast when
all of the workers are heading home and the musicians´ shift is
just beginning. Morrison talks of the "dues of the organ grinder
jam" and links himself to endless generations of musicians. Though
the singer is the grateful recipient of "trancelike visions,"
he is haunted by a "nightmare hurt" and a desire to "slip
away down that ancient highway." It is here that Van stumbles on
the limitations of nostalgia and remembrance just as he did almost a decade
earlier on No Guru No Method No Teacher. While all of Morrison´s
albums from the early 90´s had expressed a desire to go back to
childhood and early adolescence when "everything made more sense"
and he was most capable of experiencing the elusive "sense of wonder,"
the memory in "Ancient Highway" is of being older, of feeling
isolated and restless, of needing to leave home and childhood behind forever,
and he is afraid of failure: "I keeping praying to my higher self,
don´t let me down..."
For the last song, Morrison comes back to adulthood and deliberately revisits
the afternoon light and isolated room of "Melancholia," but
this time he feels anything but despair: "I wanna make love to you
/ In the afternoon..." and so an album which began so weakly, finishes
with an extended flourish of Morrison´s genius."(Scott Thomas)
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Neil Young/Pearl Jam: "Mirror Ball" (Reprise, Juni 1995), "Merkin Ball" (Epic, Dez. 1995) |
Der angebliche "Godfather des Grunge" zusammen mit seinen
Jüngern! Eine schöne Platte, auch wenn sie im Nachhinein
weder bei Mr. Young noch bei Pearl Jam zu den Highlights gezählt
wird. Schade eigentlich!
Zum Jahresende gab´s dann unter dem parodistischen Namen "Merkin´
Ball" einen Nachschlag, diesmal unter dem Namen Pearl Jam mit
Eddie Vedder als Leadsänger und bei deren Plattenfirma Epic.
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"1995 war das Jahr, in welchem sich mit Pearl Jam die Jünger
des Grunge vor ihrem Herrn und Meister Neil Young verneigten, und so zogen
sie gemeinsam los, um die Botschaft von einer besseren Welt zu verbreiten
und denjenigen, die sie nicht im Konzert sehen konnten, diese Platte zu
hinterlassen. Leider war der damalige Hype dem tatsächlichen musikalischen
Wert nicht im Entferntesten angemessen, aber wie hätte es auch keinen
Hype geben sollen, wenn sich quasi zwei der wichtigsten Vertreter zweier
Generationen des Rock zusammentun.
Schnell war klar, dass Pearl Jam einfach nicht die Klasse von Crazy Horse
hatten, und wenn ich Sleeps With Angels, die Young-Platte
von 1994 mit Crazy Horse, ein wirkliches Meisterstück und total übersehen,
mit dieser abgefeierten RocknRoll-Scheibe vergleiche, muss
ich schon ein bisschen lachen. Kaum eines der Lieder auf Mirrorball
hat die Qualität von Sleeps With Angels, doch das nur
am Rande. Mirrorball ist jedoch gewiss keine schlechte Platte,
im Gegenteil. Throw Your Hatred Down, Downtown,
Im The Ocean, Big Green Country, das waren
und sind schon klasse Songs, doch wahrlich keine musikalische Erneuerung,
wie das in Spex und woanders zu lesen war.
Mein absoluter Favorit und damals wie heute einfach nicht aus dem Player
zu kriegen: Im The Ocean. Die aufpeitschende Zwei-Akkordgitarrenorgie
ist wahrlich ein Hammer. Insgesamt eine recht frische und unverbrauchte
Bestandsaufnahme dessen, was hätte sein können, wenn Grunge
eben nicht schon längst verkommerzialisiert und kaputtgemacht worden
wäre. Die Scheibe hätte nur 1992 kommen müssen und nicht
1995, als es eigentlich schon vorbei war.
Grandios schlampig hingeworfenes Cover-Artwork des Pappkartonschubers
wieder mal: Sieht aus wie der hinkopierte Probeausdruck einer Schülerband,
die zum ersten Mal ein bisschen darüber nachdenkt, wie man das Äußere
doch gestalten sollte. Aber Youngs Platten-Cover und sein Inneres korrespondierten
öfters miteinander, oder auch nicht, je nachdem, wie man das sehen
will. Die Discokugel des Fillmore West wirds schon richten, wird
er sich gedacht haben.
Eingespielt an vier Winterabenden im Januar und Februar 1995." (Glitterhose)
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The Apartments: "A Life Full Of Farewells" (Hot, Juli 1995) |
Diese CD der australischen Band steht schon lange bei mir im Plattenschrank
- und war fast vergessen! Der Sänger, Gitarrist und Songschreiber
Peter Walsh hat im Laufe der Jahre mit wechselnden Begleitern immer
mal wieder unter dem Bandnamen The Apartments Platten herausgebracht,
war aber zwischendurch auch mal Bassist bei den Laughing Clowns,
jener Band, die Ed Kuepper nach den Saints gegründet
hatte. Vermutlich kannte ich die Band daher und hatte mir diese CD im
inzwischen dahingeschiedenen Garageland aus der Grabbelkiste
gezogen - eigentlich kann ich mich aber nicht mehr an Details erinnern
und hatte sie, wie schon angedeutet, auch lange nicht mehr aufgelegt.
Kürzlich fand ich aber das Debütalbum "The
Evening Visits ... And Stays For Years" (Rough Trade, 1985)
auf Vinyl und war davon sehr angetan. Daraufhin habe ich auch mal wieder
die alten Sachen herausgeholt und stelle jetzt überrascht fest,
dass "A Life ..." sogar noch besser, ja sogar ein richtiges
Juwel in der Sparte "melancholischer Gitarrenpop" ist! Wunderbar!
Sogar die Trompete von Gastmusiker Jeff Crawley klingt wunderschön!
(12.04.2011)
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The first thing you notice on this disc is a muted trumpet playing a sad, midtempo refrain that echoes through the rest of the album and sets a mood that remains constant. All of the songs feature a shimmery, acoustic guitar-based sound and vague but attractive melodies; "End of Some Fear" comes close to rocking but never quite gets there, and everything else is slow, limpid, and regretful. Peter Walsh's voice is nice but unremarkable, and the lyrics seem to exist mostly to serve the songs' mood, not vice versa -- frankly, you're not going to put this disc on to listen to the songs at all; you're going to put it on because you're in a particular mood. That said, there are some lyrics that will take you by surprise: lines like "You'll become my big excuse/The poison that I drink as I sink my teeth in you" are rather startling, particularly when sung in front of a sobbing steel guitar backdrop. There's nothing the matter with mood albums, anyway, and this really is a fine one.
(by Rick Anderson, All Music Guide)
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"Elliott Smith" (Domino, Juli 1995) |
[Nick Drake: Pink Moon |
Luciana Souza]
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Elliott Smith's self-titled second album was his first for the Kill Rock Stars label and also his first major artistic statement. Its sound is fairly similar to that of Roman Candle -- it's mostly just Smith and his gently fingerpicked acoustic guitar, embellished a bit more often with drums, harmony vocals, and the odd additional instrument. The main difference here is that Smith's melodies and lyrics reveal their greater strength and substance with repeated listens. And make no mistake, the songs do require repeated listens -- not just because of Smith's often whispery, spiderweb-thin delivery, but also because of his deceptively angular melodies and chord progressions, which threaten to float away until the listener hears them enough to latch on and know where they're going. Smith is often compared to Paul Simon or the Beatles in their softer moments, but perhaps the best touchstone for this early sound is Nick Drake's even more minimalistic Pink Moon; while Smith's language is rawer and tougher than Drake's haunting poetics, his songs also deal with depression and loneliness, creating an almost uncomfortable intimacy with their bare-bones arrangements. The quiet prettiness of Smith's sound can make it easy to overlook the darker, edgier side of his songs -- many of Smith's embittered characters cope with their dysfunctional relationships or breakups through substance abuse, while some of the lyrics read more like angry, defiant punk rants when separated from the music. Smith would flesh out his sound with the albums to come, but Elliott Smith contains the blueprint for his later successes, and more importantly, it's a fully realized work itself.
(by Steve Huey, All Music Guide)
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Warren Zevon: "Mutineer"
(Giant, Juli 1995) |
In den 90ern hatte ich Waren Zevon etwas aus den Augen verloren. Manche
seiner Platten, so wie diese, habe ich mir dann zwar noch gekauft, aber
nicht mehr so intensiv gehört wie zuvor. Jetzt habe ich das Album
wegen meinem neuen Interesse an Judee
Sill mal wieder herausgekramt, denn Warren singt hier u. a. deren
einzigen (Mini-) Hit "Jesus Was A Crossmaker". Der wird zwar
mit einer Länge von 2 Minuten unter Weglassung der 3. Strophe nur
verkürzt gebracht, bekommt aber durch die karge Instrumentierung
seiner ganz eigenen Reiz: Warren begleitet sich auf dem Harmonium und
lässt sich nur von Rosemary Butler (das ist die Dame von
Jackson Brownes Klassiker "Running
On Empty" : "Won't you stay, just
A little bit longer ...") gesanglich unterstützen.
Ansonsten mag ich die ganze Platte in ihrer kargen Art doch sehr. Bis
auf wenige Beiträge von bekannteren Freunden, etwa David Lindley
mit der Geige oder Bruce Hornsby mit dem Akkordeon, hat Warren
Zevon alles selber zu hause eingespielt - also echtes "Homerecording".
Und irgendwie stört es mich auch nicht, dass es da kein richtiges
Schlagzeug, sondern wohl nur ein paar rudimentäre Drumcomputerloops
gibt.
(11.03.2006)
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Recorded at home, the spare instrumentation of Mutineer doesn't work
in favor of the album. Instead, it emphasizes the pretentious nature of
many of the songs, along with their lack of melody, as the dirge-like
"Something Bad Happened to a Clown" indicates.
(by Stephen Thomas Erlewine, All
Music Guide)
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Die Braut Haut Ins Auge: "Was
Nehm Ich Mit?" (RCA, Sept. 1995) |
Auf
jeden Fall diese Platte! |
Camping: "Maritime Strick- und Regenmoden" (Marina, Sept. 1995) |
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Vom rührigen Mariana-Label - sonst ja eher dem Schottischen zugetan - kommt jetzt erstmalig ein deutsches Unterfangen. Jan Woelcke und Henning Fritzenwalder sind dabei im Geiste aber gar nicht mal soweit entfernt von Sachen wie SUGARTOWN oder COWBOY MOUTH. Melancholisch-relaxte, leicht jazzig-folkige Popsongs sorgen für eine irgendwie sorgenfreie Stimmung. Das Besondere an dem Duo ist die Schlagzeuglosigkeit des Tuns. Höchstens mal von zögerlicher Perkussion aufgemuntert, plätschern die Songs dahin. Leider kann man sich jedoch des Eindrucks nicht erwehren, daß mehr hier mehr gewesen wäre. Im Gegensatz zu den Texten ist die Musik allerdings voll in Ordnung (wenngleich eben nicht besonders mitreißend.
Hier zeigt sich aber, daß gerade der Verzicht auf Anspruchsdenken à la BLUMFELD oder die Abstinenz von aufrichtiger Naivität à la TOCOTRONIC bisweilen die üblichen Peinlichkeiten teutscher Textkonstruktionskunst hervorbringt ('Wunderbares Mädchen'). Gerade dann hilft es auch nicht, wenn die Sache so cool, routiniert und perfekt intoniert wird wie bei CAMPING. Schade eigentlich.
(Ulrich Maurer, intro.de)
Anmerkung: Herr Mauer ist manchmal ein wenig gemein. Das habe ich auch schon mit den Rusty Nails erfahren können.
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"Jess Roden & The Humans"
(Line, Sept. 1995) |
hier gibt es mehr über Jess Roden!
(18.08.2009)
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Den britischen Sänger Jess Roden glaubte man wohl in der Versenkung verschwunden: in den Siebzigern Frontmann beim Alan Bown Set und der Butts Band (mit Doors-Gitarrero Robbie Krieger), zwei Soloplatten fürs Island-Label, dann absolute Funkstille. Jetzt legt Roden ein Comeback vor, das ihn als Rock- und Rhythm & Blues-Vokalisten der Extraklasse ausweist. Zupackende Rocksongs, famose Balladen, ein hinreißender Blues ("Love The Life I Live") und ein bravouröses Cover von Neil Youngs "Cinnamon Girl" machen das Album zu einem Fest für Freunde handfesten Gitarren-Rocks.
(© Stereoplay)
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Spain: "The Blue Moods Of
Spain" (Restless, Sept. 1995) |
Josh Haden ist genauso wie sein berühmter Vater Charlie
Haden Bassist geworden, hat sich aber mit der Gruppe Spain stilistisch
in eine völlig andere Richtung als sein Vater entwickelt: Singer/Songwriter-Rock
(?), so langsam wie nur möglich. Wunderschöne Musik.
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The shadowy blue-black cover artwork (complete with sultry model) is an obvious homage to vintage cool jazz albums, but Spain's compositions are much more concerned with the dark and restless interiors of the psyche than those you'll find on any 1950s jazz record. It's no secret that Spain are trying to evoke a brooding, late-night atmosphere, and the quartet succeeds at doing this with its seductive drones (with lots of languorous guitar/basslines and shuffle drums) and melancholy, pensive songs. It's a bit monotonous all at once, though, and Josh Haden's raspy, thin vocals don't bring out the potential expressive range of the material as well as another singer might. They might get tired of hearing this, but Spain should consider shopping for a lead vocalist if they want to realize their full potential; Haden ain't no Margo Timmins, Lou Reed, or even Mimi Goese (from the obscure, somewhat similar late-'80s band Hugo Largo).
(by Richie Unterberger, All Music Guide)
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Blue Mountain: "Dog Days" (Roadrunner, Okt. 1995) |
Das Debütalbum eines der besten Gitarrentrios zwischen Rock, Folk
und Country kam damals - etwas verwirrend - beim Hardrocklabel Roadrunner
heraus. Gitarrist Cary Hudson, seine Frau Laurie Stirratt
am Bass (Zwillingsschwester von Wilco-Bassist
John Stirratt!) und Schlagzeuger Frank Coutch stammen
aus dem tiefsten Süden (Mississippi) und lieferten eine ganz wunderbare
Musik , leider nicht mit dem Erfolg von Wilco,
Son Volt oder Ryan
Adams.
(12.05.2008)
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Als das „beste Album, das Son Volt nie gemacht haben“ wurde dieses überregional erschienene Debüt beschrieben (es gab vorher eine lokal erschienene CD, die aber kaum einer hat und von der einige Songs in neuen Versionen auf „Dog Days“ zu finden sind).
Passte zum Erscheinungsdatum 1995 haargenau ins Dreieck des „countrified American rock“ zwischen Son Volt, den Mythen der Shivers und der zupackenden Art von Neil Young mit Crazy Horse. Produktionstechnisch zeichnet Eric Ambel verantwortlich, was im Hause Glitter als Qualitätssiegel gilt, denn der Mann hat genau das richtige Gespür für den richtigen Roots-Sound mit Spezialgebiet `Gitarrendruck´.
Lange habe ich „Dog Days“ nicht mehr gehört, aber als ich die CD im Zuge dieses Specials wieder reinlegte, war ich sofort gefangen von diesem Album und überrascht, wie gut es gealtert ist. In sich geschlossen, ohne Experimente und mit durchweg überdurchschnittlichem Songmaterial, von ganz ruhigen Songs (das wunderbare „Wink“ oder „Epitaph“, zwischen Nick Cave und Robert Johnson) zu luftigen Rockern („Blue Canoe“), von hymnischen Gitarrenkrachern („Slow Suicide“) zur Bluegrass/Rock-Fusion („Jimmy Carter“), vom Crazy Horse Gedächtnissong („Let´s Ride“) zum dreckigen Swamp-Blues („Special Rider Blues“). Alles im sofort wiedererkennbaren, erdigen Blue Mountain-Sound. Bands mit solchen Debüts bringt die No Depression/Alt. Country-Szene in den letzten Jahren nur noch äußert selten zu Tage.
(Glitterhouse)
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"Bryndle" (Music Masters, Okt. 1995) |
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A collective featuring Karla Bonoff, Kenny Edwards, Linda Ronstadt, Andrew Gold, and Wendy Waldman, Bryndle's debut is an engaging set of pleasant folk-pop, recalling all of the various members' solo work.
(by Sara Sytsma, All Music Guide)
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Freakwater: "Old Paint" (Thrill Jockey, Okt. 1995) |
Janet Bean trommelt normalerweise bei der Rockband Eleventh
Dream Day, singt und zupft hier aber zusammen mit Catherine Irwin
düstere Country- und Folkballaden. Die Stimmen der beiden klingen
wunderbar zusammen, ohne dabei kitschig zu sein. Begleitet werden sie
von einem Bassisten und einem Dobrospieler. Neben Eigenkompositionen
der Mädels und Traditionals ist besonders die Coverversion "Out
Of This World" hervorzuheben, die sogar den Autor Loudon Wainwright
III zu Tränen gerührt haben soll.
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Emmylou Harris: "Wrecking
Ball" (Grapevine/Asylum, Okt. 1995) |
Der
Titelsong stammt von Neil Youngs wunderbarem "Freedom"-Album.
Produziert hatte der Kanadier Daniel Lanois, der von seinen letzten
Großaufträgen gleich die Begleitband mitbrachte, die dann auch
auf diesem Album für einen deutlichen Bruch mit dem typischen Nashville-Sound
sorgten: Drummer Larry Mullen von U2, die Bassisten Tony
Hall und Darryl Johnson von den Neville Brothers.
Als Gäste sind Steve Earle, Neil Young und die McGarrigle
Schwestern zu hören. Neben Neil Young gibt´s auch was
vom anderen Großmeister des Songwritings, Bob Dylan ("Every
Grain Of Sand"), zwei der seltenen eigenen Songs ("Deeper
Well" mit Daniel Lanois und Robert Earl Keen, sowie "Waltz
Across Texas Tonight" mit Rodney Crowell verfasst). Am interessantesten
ist aber, dass hier drei der wichtigsten neuen Nashville-Songschreiberinnen
(zum Teil erstmalig) einem breiten Publikum vorgestellt werden: Julie
Miller ("All My Tears"), Lucinda Williams ("Sweet
Old World") und Gillian Welch ("Orphan Girl"). |
The High Llamas: "Gideon Gaye" (Sony/Alpaca Park, Okt. 1995) |
...
(*****), ein Jahr später für ganze 2000 Pfund eingespielt,
geht da schon etwas weiter: Ein psychedelisches Kaleidoskop aus imaginären
Farben, wahnwitziger Instrumentierung und verworrenen Sixties-Harmonien.
Die elf Songs darunter der Mini-Hit Checking In, Checking
Out sind wie aus einem Guß. (ME/Sounds)
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Buddy Miller: "Your Love And Other Lies" (Hightone, Okt. 1995) |
Eine echte Wühltisch-Entdeckung von mir! Handgemachter Countryrock
der 1. Liga (mit Gurf Morlix, Al Perkins, Emmylou
Harris etc.) und inzwischen einer der Stammgäste in meinem
CD-Player.
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...gelingt Miller ein rustikales
Meisterstück, das trockenen Country-Witz mit Southern-Soul-Sensibilität
und Lone Star-Sentimentalität verschweißt. Neben durchweg erstklassigen
Eigenkompositionen gibt´s auch ein tolles Cover von Tom T. Halls `That´s
How I Got To Memphis´. (Rolling Stone. 4 ½ Sterne) |
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A talented guitarist/singer/songwriter and producer, Buddy Miller merges
a love for classic country, with a rock & roll sense of urgency and
do-it-yourself ethic. Witness the fact that a good share of this record
was recorded in Miller's living room. The results, however, are memorable
-- not low-budget. Miller enlists some great vocal support from longtime
duo partner Jim Lauderdale, Lucinda Williams, Emmylou Harris, and Dan
Penn. His wife, Julie Miller, also provides moving harmonies, particularly
on a stunning cover of the Louvin Brothers' classic "You're Running
Wild," as well as sharing writing credits with her husband on a good
share of the songs. She solely authored two of the album's strongest tracks,
the haunting "Don't Listen to the Wind" and the tender ballad
"Through the Eyes of a Broken Heart." And although it's been
largely overlooked, Miller arguably turns in the finest version of Tom
T. Hall's lonesome "That's How I Got to Memphis" since the original.
(by Jack Leaver, AMG)
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Mojave 3: "Ask Tomorrow"
(4AD, Okt. 1995) |
"...
sehr ruhiges Werk der Briten mit Neil Halstead (ex-Slowdive) an Gitarre
und Gesang, für die 4AD-Elfenquote sorgt Rachel Goswell. Weich
und ruhig, beinahe psychedelisch fließend mit großen akustischen
Anteilen (Piano, Gitarre) und unterschwelligem Country/Folk-Anteil.
Erinnert ein bißchen an Mazzy Star oder eine leicht countrifizierte
Version von Galaxie 500." (Glitterhouse)
Das kann man aber auch netter sagen!!! Trotzdem eine SEHR schöne
Platte!!!
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Tindersticks: "The
Bloomsbury Theatre 12.3.95" (Quicksilver, Nov. 1995) |
Im Frühjahr hatte sich die Band für die Live-Präsentation
des zweiten Albums sogar 3 Bläser und
ungefähr 15 Streicher geleistet und das Ganze dann auf einem limitierten
10-Zoll Vinyl-Doppelalbum festgehalten, dessen stolzer Besitzer ich
bin. Natürlich habe ich mir inzwischen eine CDR-Sicherheitskopie
gebastelt, damit ich dieser wunderbaren Musik auch lauschen kann, während
ich hier am PC sitze...
(16.04.2005)
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Early in 1995, Tindersticks launched the release of their second album
with a lavish concert at the Bloomsbury Theatre, performed with a full
orchestra. In November, they released a limited-edition disc of the show.
The grand, sweeping arrangements perfectly complement the lush, aching
melancholy of their songs and, at times, even improve on the original
album versions.
(by Stephen Thomas Erlewine, All
Music Guide)
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Brian Wilson & Van Dyke Parks: "Orange Crate
Art" (Warner, Nov. 1995) |
Dies
ist eigentlich eher ein Van Dyke Parks-Album, als ein Brian Wilson-Album,
denn ersterer hat alles komponiert und getextet und die Keyboards gespielt,
während die Beach Boys-Legende "nur" singt. Das Album
zeigt aber Brian Wilson endlich mal wieder in guter Verfassung. Dank
dafür an Mr. Parks. Beide haben vor langen Jahren schon mal zusammengearbeitet:
Parks schrieb die Texte zu vielen Wilson-Songs, vor allem für das
damals nicht fertig gestellte Kultalbum "Smile",
den geplanten Nachfolger von "Pet
Sounds". |
Cassandra Wilson: "New
Moon Daughter" (Blue Note, Dez. 1995) |
Auch
auf diesem Album pendelt Cassandra Wilson zwischen Jazz und Blues und
überrascht neben vorzüglichem eigenen Material mit der Wahl
der Coverversionen: Son House, Billie Holiday ("Strange
Fruit"), U2, Neil Young ("Harvest Moon"),
The Monkees ("Last Train To Clarksville"), Hank
Williams, Hoagy Carmichael. Weitestgehend akustisch eingespielt
mit Jazz-Könnern und klanglich ein Ohrenschmaus. |
ALT: "Altitude" (EMI/Parlophone,
1995) |
ALT ist die "Hobbyband" der drei (unterbeschäftigten?)
Singer/Songwriter Andy White (Nordirland, spielte bislang soweit
ich weiß in keiner bekannten Band, hat aber einige Soloalben draußen),
Liam O'Maonlai (von Irlands Hothouse
Flowers) und Tim Finn (Neuseeland, Gründer von Split
Enz und Teilzeitmitglied bei Crowded
House), womit der Bandname zumindest für sprachbegabte Schnelldenker
geklärt sein sollte. Alle Songs wurden gemeinsam komponiert und
ganz ohne die Unterstützung von Studiomusikern eingespielt. Da
alle drei für sich alleine schon gute Songschreiber sind, überrascht
die hohe Qualität der entstandenen Lieder nicht, wobei manches
skizzenhaft bleibt und hier offensichtlich nicht wie bei den Stammkapellen
der Beteiligten die Charts als Orientierung dienten. Bei der musikalischen
Umsetzung kommt eine schöne Homerecordingstimmung zustande, da
auch die eher fremden Instrumente Bass und Schlagzeug selbst gespielt
wurden. Beim Rockpalast-Fernsehauftritt von der Loreley war z.B. sehr
schön zu beobachten, wie alle mal an's Schlagzeug durften, wobei
da Tim Finn wohl eine besondere Zuneigung zu dem Instrument hat!
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ALT is a side project (and supergroup of sorts) consisting of Andy White,
Liam O Maonlai (Hothouse Flowers), and Tim Finn (ex-Split Enz) -- the
name comes from the first letters of each of their first names. In 1993,
the three began writing together informally in Dublin -- one of the songs,
"Many's the Time (in Dublin)," appeared on Finn's 1993 album,
Before & After. In June 1994, they reconvened in Finn's Melbourne-based
Periscope Studios, where they recorded their debut album, Altitude. Altitude
was released by EMI-Australia in 1995 and in the U.S. on Cooking Vinyl.
Altitude represents the trio's drunken, post-pub jamming with the predictable
result of an informal, at times sloppy, album filled with seemingly unfinished
songs. While fans of any of the individual members may be put off by these
qualities, there is a spirit to these sessions that not only overcomes
the shortcomings in content but also gives the record a rare warmth and
charm.
(by Chris Woodstra, AMG)
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Cache Valley Drifters: "Echoes
And Reflections" (Taxim, 1995) |
Eiern
meiner absoluten Favoriten im Bluegrassbereich. Liegt nicht nur daran,
dass die vier genial singen und spielen, sondern auch an der für
Bluegrasskapellen etwas untypischen Liedauswahl (Sachen von den Cream,
Paul Simon, etc.). Sowas kommt eben nicht aus Nashville, sondern
dem sonnigen Kalifornien! Aber warum müssen die Junx ihre Platten
in Bremen veröffentlichen und nicht zu Hause?
"Contemporary acoustic music from a Californian
newgrass/country/folk quartet led by original members David West and
Bill Griffin. This reunion album picks up the musical threads the
band abandoned when they split up in 1983. With their trademark four-part
harmonies and virtuoso musicianship intact, the CVD re-emerge
with a superb selection of songs, including hot versions of White
Room and Paul Simon's The Boy in the Bubble."
A strong return to recording. (DIRTY LINEN)
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Steve Earle: "Train A Comin´" (Transatlantic, 1995) |
Ganz ohne seine Band "The Dukes" gibt es hier ein Akustikprojekt
mit Folksongs, Bluegrass und neuen und älteren eigenen Songs, einem
Beatles-Cover ("I´m Looking Through You" von Rubber
Soul) und eine Townes van Zandt-Verbeugung ("Tecumseh Valley"
von dessen Frühwerk "Our Mother
The Mountain"). Begleitet wird er von Roy Huskey, Jr.
am Kontrabassist und den Spezialisten auf diversen Saiteninstrumenten
Peter Rowan und Norman Blake. Gelegentlich kommt die Engelsstimme
von Emmylou Harris dazu. Das Ganze bekommt dadurch irgendwie
Parallelen zur Arbeit von Neil Young, der ja auch mit seiner
Stammband "Crazy Horse" rockt und nebenher in Seitenprojekten
(z.B. "Harvest Moon"
und "Silver & Gold")
eher seine ruhigere Seite pflegt. |
Bela Fleck: "Tales From The Acoustic Planet" (Warner, 1995) |
Bela
Fleck ist definitiv der Banjo-Weltmeister. Und mit seiner Band The
Flecktones (Bassist Victor Wooten und Trommler Future
Man) unglaublich gut: Trotzdem habe ich sein akustisches Programm
im Grenzbereich Bluegrass/Jazz (gar nicht unähnlich den Aktivitäten
von David Grisman) noch viel lieber.
Die "Geschichten vom akustischen Planeten" werden neben Bela
und seinen beiden Begleitern u.a. von solch legendären Musikern
wie Tony Rice (Gitarre), Paul McCandless (Oboe, Bassklarinette,
von Oregon), Edgar Meyer
(Kontrabass), Stuart Duncan
(Geige), Jerry Douglas (Dobro), Kenny Malone (Schlagzeug),
Branford Marsalis (sax), Sam
Bush (Mandoline) und Chic Corea
(Klavier) erzählt. Besser geht´s nicht. |
Barbara Gosza: "Ceremonies" (BMG/Ariola, 1995) |
Gefunden in der Grabbelkiste!
(31.12.2012)
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Dies ist bereits das dritte Album der Wahlberlinerin Barbara Gosza - höchste Zeit, daß die Sängerin mit tschechischen Eltern einen größeren Zuhörerkreis findet: Aufgewachsen in Chicago, spielte sie in Paris und Berlin als Straßenmusikerin und in Bars. Wenngleich sie ihre ersten Songs als "Hippie-Folk" bezeichnet und als Vorbild gerne Rickie Lee Jones zitiert, beeindruckt sie schlichtweg mit ihrer markant-angerauhten Stimme und melancholisch-kraftvollen, oft balladesken Songs, sogar in Dylans Just Like A Woman - wunderbar charmant und spröde zugleich.
(© Audio)
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Ida: "Tales Of Brave Ida" (Secret Machines, 1995) |
Ihr Debütalbum nahmen Elizabeth Mitchell und Daniel Littleton
im Frühjahr 1994 noch als Duo auf. Überirdischer Gesang und Gitarrenklänge,
kein Schlagzeug, gelegentlich unterstützt von Kontrabass (Rick Lassiter)
und Cello (Julia Kent). Ein Instrumentalstück heißt "Nick
Drake" und sagt mehr als viele Worte.
(11.01.2009)
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The debut album by then-duo Dan Littleton and Elizabeth Mitchell is a beautiful and fragile piece of dreamy folk-pop. The spare yet clean production introduces a band whose vocal stylings and soft instrumentation help create a mood of uplifting contemplation. For a drumless effort, Tales of Brave Ida manages to fill the space with a rich, dynamic sound which appropriately revolves around the beautiful harmonizing of Mitchell and Littleton, whose quiet lyricism so perfectly mirrors the gentle strumming of acoustic and electric guitars. On songs like "Tempting" and "Slow Dance," Ida practice their own special brand of emotional reflection. The songs on this album focus mainly on the substance and importance of relationships.
Ida share a knack for illuminating the beauty of quietness with singers like Nick Drake and bands like Galaxie 500. Tales of Brave Ida is a bold and creative debut filled with folk-pop classics that will hopefully be rediscovered by a larger audience over the years.
(by Marc Ruxin, All Music Guide)
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Liquorice: "Listening
Cap" (4AD, 1995) |
Diese
CD habe ich zwar schon lange im Plattenregal stehen, aber erst jetzt
wurde ich wieder darauf aufmerksam: Es handelt sich um ein einmaliges
Projekt, das Jenny Toomey von der Band Tsunami, die ich
leider nicht weiter kenne, zusammen mit Daniel Littleton, der
mir inzwischen Dank seiner Band Ida doch recht
vertraut ist, auf Anregung von Ivo Watt-Russell, dem Gründer
des 4AD-Labels aufgenommen hat. Schöner Schrammelgitarrenpop.
(28.01.2009)
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Martin Newell: "The Greatest Living Englishman" (Pink Lemon/Humbug, 1995) |
Schönes Album des kauzigen Südengländers und Ex-Cleaners
From Venus-Sängers mit starker Neigung zu den psychedelischen
Jahren der späten 6oer. Daß das Ganze dann auch noch von
Andy Partridge (XTC) produziert wurde ist nicht verwunderlich! |