Eine genreübergreifende Singer-Songwriter-Supergroup

Auf den ersten Blick haben Neko Case, k.d. lang und Laura Veirs nur wenig gemeinsam. Zwar sind alle drei Singer-Songwriterinnen, kommen aber aus völlig unterschiedlichen Genres. Erstere kommt aus dem Avant-Rock und bezeichnet ihre Musik selbst als Country Noir, die Zweite ist gleicherma�en Pop und Country zuzuordnen und Letztere ist bekannt für ihre Mischung aus Folk und Indiepop.

Wie gut die drei Damen, ihre Stimmen und ihre Stile aber harmonieren, beweisen sie 2016 mit ihrem gemeinsamen selbstbetitelten Debüt »Case/Lang/Veirs«.

»Atomic Number«, »Best Kept Secret« und »Honey And Smoke«, hei�en die ersten drei Singles, mit denen die Musikerinnen bereits einen Vorabeindruck ihres neuen Sounds gaben. Insgesamt gibt es auf »Case/Lang/Veirs« 14 Songs, in denen die drei mal alleine, mal zu dritt zu hören sind.

Daran hat das Trio ganze zweieinhalb Jahre gearbeitet, unter anderem in Portland, Oregon, wo lang und Veirs leben. Laut eigenen Angaben steckte dabei nie ein Plan hinter dem Album, man wollte einfach nur gemeinsam Musik machen.

Gesagt, getan: Als Produzent holten sich Case, lang und Veirs Tucker Martine (The Decemberists, Mudhoney, My Morning Jacket) ins Boot und nahmen die Songs schlie�lich im November 2015 in dessen Portland-Studio auf.

Selten ist es so gut gelungen, unterschiedliche Stile und Persönlichkeiten auf einem Album zu vereinen. »Case/Lang/Veirs« hei�t das gro�artige Debüt der neuen Singer-Songwriter-Supergroup aus den USA.

Eine Offenbarung für alle, die Roots Music mögen.

(Audio, Juli 2016)

Motorpsycho haben ein Monster erschaffen

Scheinbar ist Norwegen ein Land, in dem die Kreativit�t an den B�umen h�ngt. Auf diesen Gedanken kommt man, wenn man sich die bisherige Karriere der Band Motorpsycho anschaut.

Seit ihrer Gr�ndung 1989 vergeht kaum ein Jahr, in dem die Band um S�nger Hans Magnus Ryan nicht mit einer Ver�ffentlichung an den Start geht, so auch 2016. �Here Be Monsters� hei�t das neue furiose Album der Band.

Ganz nebenbei hat ihre Rhythmusgruppe, bestehend aus Schlagzeuger Kenneth Kapstad und Bassist Bent S�ther, mit Spidergawd noch ein weiteres Blues-, Stoner- und Psychedelic-Rock-Projekt am Laufen, das 2016 mit �III� ebenfalls eine neue Platte pr�sentiert.

Urspr�nglich war �Here Be Monsters� ein Auftrag f�r das Technische Museum von Norwegen. Daf�r erweiterte die Band ihre Besetzung vorl�ufig um den befreundeten Keyboarder St�le Storl�kken. Die Zusammenarbeit trug bald h�rbare Fr�chte. In kurzer Zeit entstand ein ganzes Album mit insgesamt sieben Songs, das Motorpsycho in den Nidaros Studios in Trondheim aufnahmen.

Die Zusammenarbeit mit Storl�kken hat auf �Here Be Monsters� jedenfalls einige Spuren hinterlassen. Die riffgetragenen Songs teilen sich ihren Platz nun mit signifikanten Keyboardsounds. Das Album ist weniger �heavy�, stattdessen geht es mehr in eine progressive Richtung.

Dass Motorpsycho eine wandelbare Band sind, haben sie im Laufe der Jahre schon mehrfach bewiesen. Ihre Alben haben aber alle eins gemeinsam: Sie sind regelrechte Rockmonster. Der Name ihrer neuen Platte ist also Programm: �Here Be Monsters�.

Musikalisch kann man das Ganze in Richtung 70er Jahre-Prog-Rock mit heftigem psychedelischen Einschlag verorten, vor allem wer auf fr�he Genesis steht, sollte hier auf alle F�lle mal reinh�ren.

(Good Times, April / Mai 2016)

Endlich wieder da: Hope Sandoval & the Warm Inventions

Hope Sandoval ist zur�ck, und zwar mal wieder mit Unterst�tzung ihrer Band The Warm Inventions. Im Gep�ck haben sie 2016 ihr neues, mittlerweile drittes Studioalbum �Until The Hunter�, der Nachfolger zu �Through The Devil Soft� von 2009.

Daf�r arbeitete Sandoval wieder mit ihrem Mazzy-Star-Kollegen Colm � C�os�ig, der auch zu den Gr�ndern der Band My Bloody Valentine geh�rt.

Insgesamt elf Songs haben Hope Sandoval & the Warm Inventions f�r �Until The Hunter� aufgenommen, darunter die beiden Vorabsingles Singles �Isn�t It True� und �Let Me Get There�. F�r letztere w�hlte Hope keinen Geringeren als Kurt Vile als Duettpartner.

Beide Songs geben einen guten Eindruck davon, was den H�rer auf �Until The Hunter� erwartet: Alternative Rock mit Einfl�ssen aus Folk, Psychedelic und Dream Pop. Die Band bleibt sich auf ihrem neuen Album also treu.

Als weitere G�ste sind auf �Until The Hunter� die Singer-Songwriterin Mariee Sioux, Radar-Bros.-Frontmann Jim Putnam, der Zymbalist Michael Masley sowie die irische Band Dirt Blue Gene zu h�ren, die schon am Vorg�nger mitwirkte.

Endlich: Nach sieben Jahren gibt es wieder neues Material von Hope Sandoval & the Warm Inventions zusammen mit alten Bekannten und neuen G�sten. Hier ist �Until The Hunter�.

M.C. Taylor, die kreative Kraft hinter Hiss Golden Messenger, sagt �ber sein neues Album �Heart like A Levee�: �Ich habe diese Lieder in einer Zeit der Ver�nderung und des Zweifelns geschrieben. Es war ein harter, aber auch fr�hlicher Prozess. Ich habe sehr viel Zeit mit den von mir geschriebenen Zeilen und Akkorden verbracht. Letztendlich habe ich beim Kreieren dieses Albums mehr �ber mich gelernt, als bei allen anderen davor. Und dies ist ein wichtiger Indikator f�r mich, um zu entscheiden, ob sich die Arbeit an einem Album gelohnt hat, oder nicht. Ich m�chte Musik machen, die gleichzeitig nach Moll und Dur klingt, bitters��e Songs k�nnte man sagen. Das Leben ist gleicherma�en fr�hlich wie traurig und genauso sollen sich auch meine Alben anf�hlen. Ich denke, so f�hlt sich �Heart Like A Levee� an!�

On 2014's Lateness of Dancers, M.C. Taylor's Hiss Golden Messenger embraced a more blues- and gospel-oriented sound without leaving behind their trademark folk-inspired Americana. Heart Like a Levee is another step forward; its roots come from the soul, funky R&B, and gospel-ized blues the South delivered so abundantly during the1960s and '70s via Muscle Shoals, Stax, Volt, Hi, Goldwax, and Josie.

These songs reflect a period in 2015 when Taylor struggled with the decision to forsake the security a day job offered his family and pursue music full-time. His cast includes old friends Phil and Bradley Cook of Megafaun, Bon Iver drummer/percussionist Matt McCaughan, and Mountain Man vocalist Alexandra Sauser-Monnig. Newcomers include vocalists Tift Merritt and Sonyia Turner, and saxophonist Michael Lewis. "Biloxi" opens with congas and a drum kit, strummed acoustic guitars, Taylor's mandolin, and a high-lonesome Dobro that weds country and soul � la Delaney & Bonnie. The title track is a tender, taut reflection of self-doubt, vulnerability, and commitment. Mandolin, banjo, Wurlitzer, and backing singers buoy Taylor's delivery: "...Is it too heavy honey/Did I carry my piece of the fire? �If you let me honey/I'll set the world on fire for you�." The swampy, funky gospel blues in "Like a Mirror Loves a Hammer," with its nasty clavinet, multi-tracked saxophones, and plodding bassline wed the eeriness of the early Staple Singers, the soaring choruses of Joe South, and the funky jamming of the Meters. "Cracked Windshield" harkens back to the Lateness of Dancers era, but "As the Crow Flies" offers the kind of Wurlitzer line Spooner Oldham minted: it gets grafted onto a raucous, Memphis-style rockabilly piano -- � la Jim Dickinson's Dixie Fried -- and multi-tracked lead and backing vocals recall a David Porter production. The steamy slide guitar break is icing on the cake. "Happy Day (Sister My Sister)" is glorious, uplifting country-soul gospel. Turner's and Sauser-Monnig's backing vocals add heavenly ethereality to Taylor's earthbound singing. "Ace of Cups Hung Low Band" dances the tightrope between swampy blues and choogling roots rock with strings and punchy saxophones adding heft and texture. Closer "Highland Grace" is an uncluttered attempt at soul as Taylor's interplay with his backing singers is intuitive, sweet, and stirring, carried by acoustic piano (think Dan Penn), saxophones, shuffling backbeat, in-the-pocket bass, and strummed guitars.

Despite its many references, Heart Like a Levee is just not a throwback record. Taylor combines, inhabits, and adapts his inspirations in the present through the strength of his writing. His melodies are basic; his words are anything but. They bridge the temporal to the eternal, the carnal to the divine, the homespun to the historic; they resonate directly through the grain of his unaffected yet emotionally expressive singing voice. Due to its bright, open production and quirky presentation, Heart Like a Levee is a watermark for Hiss Golden Messenger. Seldom have hard times sounded this uplifting.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

»Die Seilschaft der Verflixten« war 2008. Damit hat eine harte Geduldsprobe von acht Jahren ein Ende. »Emanzipation im Wald« ist das sechste Album in der nunmehr 20-jährigen Bandgeschichte von JaKönigJa.

Wer nach dem zwischenzeitlichen Engagement einiger Bandmitglieder bei avancierten Techno-Projekten wie Die Vögel (»Fratzengulasch«) eine stärkere elektronische Ausrichtung erwartet hatte, wird schnell eines Besseren belehrt. Zwar sa� mit der Wahl-Hamburgerin Ada eine exzellente Elektronik-Produzentin an den Fadern. Allerdings verzichtete diese konsequent auf technoide Signaturen, um stattdessen die akustische Luftigkeit der Lieder und Arrangements zu unterstreichen. Den Klangraum definieren Mandolinen, Posaunen, halbakustische Gitarren, Klavier, Cello und kleine Percussion.

Anders als auf den letzten beiden Alben gibt es nur zweimal so etwas wie einen richtigen Schlagzeug-Beat. Trotz des folkig wirkenden Instrumentariums pflegen JaKönigJa eine Songform, die sich keiner spezifischen Gegend zuordnen lässt. Verbindendes Element der Songs ist vielmehr die Sehnsucht und metaphorische Suche nach anderen Orten. Feingeister erahnen hier Americana-Elemente und Einflüsse von Bacharach, den Beach Boys oder auch Van Dyke Parks. Wunderschön!

Die drei Hamburger, die mittlerweile tats�chlich im Wald - also auf dem Land - leben, legen auf ihrem sechsten Werk mit �Woher kommst du?� derma�en aufregend los, dass man sich fragen kann, woher ein so hohes Ma� an Inspiration und Sophistication wohl kommen mag.

(Audio, Oktober 2016)

Die Bluesrockfamilie ist zur�ck

�Let Me Get By� hei�t das dritte Studioalbum der Tedeschi Trucks Band. Die Bluesrock-Supergroup wurde 2009 von Susan Tedeschi und ihrem Ehemann Derek Trucks ins Leben gerufen. Beide Musiker blicken auf eine eindrucksvolle Karriere zur�ck � Tedeschi als Blues-Gitarristin und -s�ngerin, Trucks als Leader der Derek Trucks Band sowie als langj�hriges Mitglied bei den Allman Brothers.

Nach ihrem Deb�t �Revelator� von 2010 und dem Nachfolger �Made Up Mind� von 2013 schreibt die Tedeschi Trucks Band 2016 mit �Let Me Get By� ihr noch junges gemeinsames Kapitel Musikgeschichte weiter.

Insgesamt zehn neue Songs pr�sentiert die US-amerikanische Bluescombo darauf, die neben dem Ehepaar Tedeschi/Trucks aus den Musikern Kofi Burbridge (Keyboards, Fl�te), Tyler Greenwell und J. J. Johnson (Schlagzeug), Alecia Chakour, Mike Mattison und Mark Rivers (Begleits�nger), Kebbi Williams (Saxophon), Tim Lefebvre (Bassgitarre), Ephraim Owens (Trompete) und Elizabeth Lea (Posaune) besteht.

Neben der Standard-CD ist �Let Me Get By� als Doppel-LP sowie als Limited Edition erh�ltlich. Diese umfasst zus�tzlich zum Album eine weitere CD mit Liveaufnahmen, alternativen Mixes und Demos. Abgerundet wird die Box im Vintage-Amp-Design von einem umfangreichen Booklet.

Diese Familie hat den Blues. Das beweist die Tedeschi Trucks Band einmal mehr mit ihrem neuen Album �Let Me Get By�.

Neben ihrem Heartland- und Blues-Rock hat die �schwarze� Komponente an Gewicht gewonnen, es geht ebenso soulig-gospelig zur Sache, wie funky gegroovt wird. Dazu slidet Trucks stellenweise so beseelt, dass einem schier die Ohren wegfliegen.

(Good Times, Februar / M�rz 2016)

... der Kern ihres Sounds aus rauem Blues-Rock, gef�hlsechtem Southern Gospel und groovendem Big Band Swing bekommt einen Dreh verpasst, der ausgelatschte Strukturen und Harmonien unterhaltsam aufbricht. Und das ist erst die B�hne f�r die Sahneh�ubchen obendrauf, die mitrei�enden Vocals von Susan Tedeschi und die G�nsehaut-Gitarrensoli von Derek Trucks.

(stereoplay, Februar 2016)

Sch�ner Bluesrock, gut gew�rzt mit Soul, Country und auch mal Pop � und vor allem mit Humor. (...) Den Sound masterte Altmeister Bob Ludwig knackig-satt � vorz�glich.

(Audio, M�rz 2016)

Der heißerwartete Nachfolger

Tapete Records präsentiert: »Wer bringt mich jetzt zu den Anderen«, das neue Album von Die Höchste Eisenbahn.

Dabei handelt es sich bereits um das zweite Album der Berliner Band - nach ihrem Debüt »Schau in den Lauf, Hase« von 2013.

Im letzten Jahr gingen Francesco Wilking, Moritz Krämer, Max Schröder und Felix Weigt dafür wieder ins Studio und musizierten drauflos. Herausgekommen sind insgesamt 13 neue Songs, die wie der Vorgänger irgendwo zwischen Singer-Songwriter, Pop und Rock liegen. Und wieder ist es der Band dabei gelungen, eingängige Melodien mit klugen Kurzgeschichten zu kombinieren.

Einen Beweis dafür gibt es bereits seit Ende Juni mit »Lisbeth«, der ersten Single von »Wer bringt mich jetzt zu den Anderen«.

Neben der Standard-CD gibt es »Wer bringt mich jetzt zu den Anderen« zudem als LP mit CD sowie als Limited Edition. Diese enthält das neue Album als 180-g-Vinyl, eine 12", ein umfassendes Booklet, das Album auf CD sowie ein signiertes Coverprint.

Wortspiel hin oder her: Ein neues Album wurde aber auch höchste Eisenbahn. »Wer bringt mich jetzt zu den Anderen« heißt der mit Spannung erwartete zweite Longplayer der Berliner Band.

Country mit Ecken und Kanten

Lucinda Williams scheint zurzeit vor Kreativit�t nur so zu spr�hen. Nur knapp eineinhalb Jahre nach ihrem letzten Longplayer pr�sentiert die Roots-Rock- und Countryikone mit �The Ghosts Of Highway 20� ein neues Album.

�The Ghosts Of Highway 20� ist das zw�lfte Album Williams in �ber 40 Jahren Karriere. Der Name ist darauf Programm, denn der Gro�teil der Songs findet seinen Ursprung in der Inspiration und den Erfahrungen, die Williams auf der Interstate 20 sammelte. Dabei handelt es sich um einen Highway, der durch die amerikanischen S�dstaaten f�hrt, von Georgia nach Texas.

Mit zw�lf eigenen Songs offenbart die S�ngerin diesmal ihre experimentelle Seite. Inhaltlich bleibt sie ihrer Linie aber treu und wagt sich wie gewohnt auch an d�stere und traurige Themen heran. Zudem umfasst �The Ghosts Of Highway 20� zwei Coversongs: eine Version des Bruce-Springsteen-Klassikers �Factory� sowie den Songs �House Of Earth� � ein fast vergessener Woody-Guthrie-Song. Williams schrieb daf�r die Musik zu den Lyrics der Folklegende.

Bei den Aufnahmen zu ihrem neuen Album wurde Lucinda Williams von ihrer altbekannten Rhythmusgruppe, bestehend aus Butch Norton am Schlagzeug und David Sutton am Bass, unterst�tzt. F�r weiteren Support an der Gitarre sorgten mit Val McCallum, Bill Frisell und Greg Leisz drei Profis ihres Fachs. Letzterer produzierte das Album zusammen mit Williams und ihrem Ehemann und Manager Tom Overby.

Auf ihrem neuen Album macht Lucinda Williams das, was sie am besten kann: rauen und unverbl�mten Country mit tief gehenden Texten. �The Ghosts Of Highway 20� nimmt den H�rer mit auf den Interstate 20.

Die beste Countryrock-Musikerin der Welt mit einem Doppelalbum �ber das Wesen der Liebe im Angesicht des Todes.

(Rolling Stone, Januar 2016)

Mit superben Sidemen wie Greg Leisz und Bill Frisell entstand ein in Fernweh getr�nktes Roadmovie.

(stereoplay, M�rz 2016)

Ein klasse Roadtrip, bei dem Williams und ihre exquisiten Mitreisenden wie Greg Leisz, Bill Frisell, Butch Norton und David Sutton so gut wie alle dunklen Schattierungen von Americana im Gep�ck haben, mit �House Of Earth� hat sie einen verloren geglaubten Song von Woody Guthrie ausgegraben, dar�ber hinaus covert sie noch Bruce Springsteens �Factory�.

(Good Times, April / Mai 2016)

Etwas mehr Aufmerksamkeit bitte

Ryley Walker ist zurück. Nicht einmal ein Jahr nach seinem letzten Release präsentiert der Gitarrist und Sänger sein neues Album »Golden Sings That Have Been Sung« via Dead Oceans.

Das Album hatte Walker bereits im letzten Jahr geschrieben und aufgenommen, nachdem er zuvor rund zehn Monate auf Tour war. Zurück in seiner Heimatstadt Chicago fand er die Inspiration für acht neue Songs - unter anderem bei lokalen Vorbildern wie Gastr del Sol und Tortoise.

Zudem suchte sich Walker zum ersten Mal überhaupt bei den Aufnahmen eines neuen Albums Hilfe von einem geschätzten Musikerkollegen. Der ehemalige Wilco-Gitarrist Leroy Bach übernahm die Produktion von »Golden Sings That Have Been Sung«.

Das Ergebnis kann sich hören lassen. Wie schon bei seinen Vorgängern gibt es darauf virtuose Fingerstyle-Balladen zwischen Singer-Songwriter, Blues und Jazz. Wie das klingt, verriet Walker bereits im Juni 2016 mit »The Halfwit In Me«, der ersten Single von »Golden Sings That Have Been Sung«.

Mehr Aufmerksamkeit für Ryley Walker. »Golden Sings That Have Been Sung« ist der nächste Schritt auf der Karriereleiter eines kreativen Genies.

... in Verbindung mit dem Vorgänger ›Primrose Green‹ ein Album, dessen Bedeutung man gar nicht hoch genug bewerten kann.

(stereoplay, August 2016)

Walker ist ein Nostalgiker im positiven Sinne, ein Retro-Fan im Herzen. So klingt auch seine Musik.

(Audio, Oktober 2016)

Das aktuelle Album ist all denen zu empfehlen, die beispielsweise Tim Buckley oder den fr�hen Van Morrison m�gen. Sie � und einige andere mehr � werden Walker lieben.

(Good Times, Oktober / November 2016)

Unter der ruhigen Oberfl�che pr�sentieren sich beseelte Singer / Songwriter-Kleinode voller �berraschungen, die an Nick Drake oder �Astral Weeks� erinnern.

(Eclipsed)

Gereift, transparent, konzise: Tolles Album des Folk-Wunderknaben.

(Rolling Stone)

Der kreative H�henflug von Ryley Walker h�lt an. Unbeirrt feilt er an seinem verz�ckten Folk-Jazz, der immer homogener wird.

(CDStarts)

Mit viel Liebe zu verschn�rkelten Arrangements verzahnt der Songwriter Ryley Walker die sp�ten 1960er mit modernen Einfl�ssen seiner Heimatstadt Chicago.

(Intro)

Wundergitarrist Ryley Walker verzaubert unter dem lyrischen Albumtitel �Golden Sings That Have Been Sung� mit vertr�umtem Folk, Blues und Jazz.

(dpa)

Er war das Highlight eines Festivalwochenendes und sein Album ist in seiner Verspieltheit eines des Jahres.

(Bedroomdisco)

Ein Potpourri aus Indie-Folk, 70s Pop, Country, Kabarett und Jazz. Zwei Jahre nach dem Release des selbstbetitelten Debütalbums meldet sich die ehemalige The Low Anthem-Musikerin Jocie Adams unter dem Namen Arc Iris nun mit neuem Material zurück.

»Moon Saloon« wurde in den Dimension Sound Studios in der Nähe von Boston aufgenommen und von Produzent David Wrench (FKA Twigs, Jamie XX, Caribou) gemischt. »Moon Saloon« glänzt durch wundervolle Songs und Klänge, die in keine Genrebox gepresst werden möchten. Jocie Adams, acht Jahre als Bandmitglied bei The Low Anthem aktiv, zog sich zum Schreiben für »Moon Saloon« wie in einen Kokon zurück. Ohne Strom, fließendes Wasser oder Mobiltelefon und nur mit sich und einer Akustikgitarre allein in einer Hütte auf einer Insel im Winnipesaukee See in New Hampshire, bevor sie mit dem Songmaterial nach Providence zurückfuhr, um das Material dort mit dem Bandkollegen Tenorio-Miller in die Welt von Arc Iris zu übersetzen. So entstand der für die Band härtere, intensivere, aber nicht weniger betörende Sound.

... die zehn Genre-hoppenden Songs ... offenbaren einen überbordenden Ideenreichtum, dazu viele überraschende Tempowechsel und mehr als nur einen Hauch Genialität.

(stereoplay, September 2016)

Nach dem gleichnamigen Debüt von 2014 kommt das Trio aus Rhode Island hier mit spacigem Sound an, der tatsächlich Assoziationen an den Weltraum hervorruft. Sängerin Jocie Adams überzeugt stimmlich und mit ausdrucksstarken Gesangslinien. Top.

(Audio, September 2016)

Grateful-Dead-Cover f�r einen guten Zweck

Bereits zum 25. Mal gibt es 2016 mit �Day Of The Dead� eine neue Ausgabe der Red Hot Compilation. 1990 erschien die erste Ausgabe des Samplers der New Yorker Red Hot Organization, die mithilfe der Popkultur auf das Thema HIV/AIDS aufmerksam machen m�chte.

Daf�r widmen sich verschiedene bekannte Musiker aus Pop, Indie, Rock und Alternative den Songs eines bestimmten Genres oder eines K�nstler bzw. einer ber�hmten Band und interpretieren sie neu. Im Falle von �Day Of The Dead (Red Hot Compilation)� nahm man sich die US-amerikanischen Rocklegenden Grateful Dead zum Vorbild.

Unter den K�nstlern, die auf dem diesj�hrigen Sampler vertreten sind, befinden sich z. B. The War on Drugs, Bruce Hornsby, Kurt Vile and the Violators, Courtney Barnett, Mumford & Sons, Lucius und Wilco. Ebenfalls mit von der Partie sind The Tallest Man on Earth, Lucinda Williams, Local Natives, The Flaming Lips, Sam Amidon und viele mehr. Einige der Bands sind auf �Day Of The Dead (Red Hot Compilation)� auch doppelt vertreten.

Insgesamt haben es so 59 Songs in die Auswahl geschafft, die jetzt auf f�nf CDs versammelt wurden. F�r die Produktion sorgten, wie schon bei der 2009er-Ausgabe der Red Hot Compilation �Dark Was The Night�, die The-National-Zwillinge Aaron und Bryce Dessner. John Carlin, der Gr�nder der Red Hot Organization, unterst�tzte sie dabei.

Gute Musik f�r einen guten Zweck w�re hier noch untertrieben. �Day Of The Dead (Red Hot Compilation)� ist das satte, 59 Songs starke Resultat, das dabei herauskommt, wenn sich einige der besten Indierocker unserer Zeit einer echten Rocklegende widmen.

Ein Mammut-Tribut an Grateful Dead: lang, exzellent besetzt, sorgf�ltig kuratiert ...

Weg von alten Strukturen

Diese Platte war nicht geplant. Das wiederum heißt nicht, dass sie keinen Plan hat. Im Gegenteil: Mit »Away« haben Okkervil River gewissermaßen ein Konzeptalbum kreiert.

Denn Sänger, Songwriter und letztes verbliebenes Gründungsmitglied Will Sheff komponierte und schrieb die neun neuen Songs für »Away« in einer Zeit, als scheinbar alles sich von ihm verabschiedete: Wegbegleiter, geliebte Familienmitglieder und vertraute Strukturen. Und so ist der Name des mittlerweile achten Albums der Folk-Punk-Rock-Combo Programm. Der Titel des Openingtracks »Okkervil River R.I.P.« zeigt, dass er mit einigen dieser Verluste bereits abgeschlossen hat.

Das Schreiben half ihm dabei, weiter nach vorne zu blicken, genauso wie ein paar besondere musikalische Gäste aus den Bereichen Jazz, Klassik und Avantgarde.

Marissa Nadler, die mit »Strangers« erst im Mai selbst ein neues Album veröffentlicht hatte, singt an Sheffs Seite. Außerdem ist wiedermal Shearwater-Frontmann Jonathan Meiburg mit von der Partie. Komponist Nathan Thatcher schrieb orchestrale Arrangements, die das klassische Ensemble yMusic einspielte.

Aufgenommen wurde »Away« in einem Studio auf Long Island, New York, gemischt anschließend zusammen mit Jonathan Wilson in Los Angeles.

Dieses Album hat einen wirklich guten Plan, auch wenn es nicht geplant war. Mit »Away« gehen Okkervil River weg von alten Strukturen und wagen einen Neuanfang.

Gleich im ersten Song beerdigt Will Sheff seine Band, um dann unter demselben Namen und mit ausgezeichneten New Yorker Musikern ein schwelgerisch schönes Album einzuspielen. (...) Die luftige, klare Aufnahme steht für einen Neubeginn, der sich für den Künstler radikal anfühlt, den Fans aber vor allem Kontinuität bietet. Schön!

(stereoplay, Oktober 2016)

Gr��tenteils wurden die neuen Songs dann im Studio im ersten Take aufgenommen, sparsam arrangiert pendeln sie zwischen Folk und Indie Rock, ein gelungener Neustart, bei dem ohne Frage die starken Songs im Mittelpunkt stehen.

(Good Times, Oktober / November 2016)

Folk-Koryph�e James Yorkston vereint auf seinem neuen Album schottische mit indischer Folklore! Nachdem James Yorkston sich f�r sein letztes Solo-Album Hot Chip Frontmann Alexis Taylor f�r die Produktion und Katie Tunstall ans Mikrophon geholt hat, scheint er sich jetzt gleich langfristiger binden zu wollen. Zusammen mit Sarangi-Virtuose Suhail Yusuf Khan aus Neu Dehli und Lamb Kontrabassist Jon Thorne bildet die schottische Folk-Koryph�e jetzt ein Trio und mindestens bei der Namensgebung liegen die drei mit Yorkston/Thorne/Khan voll im Trend.

�Everything Sacred� verbindet Yorkstons rauhe Stimme mit traditionellen, indischen Melodien und dem Klang der Sarangi, ein in Nordindien und Pakistan weit verbreitetes Streichinstrument. Eigenwillig schauen die Musiker der Kollaboration �ber den Tellerrand blo�er World Music und vereinen Indiefolk, indische Folklore und die Echos der Glanzzeit der Incredible String Band.

Folks�nger + Sarangi-Virtuose + Bassist = Zauberhafte Verbindung.

(Rolling Stone, Januar 2016)

Kompromisslose Symbiose aus schottischem Folk, Jazz und indischer Musik.

(musikexpress, Februar 2016)

Thalia Zedeks ist seit den Achtizger Jahren aktiv in verschiedenen Bands und besitzt eine der einzigartigsten Stimmen der Rockmusik. Nachwievor zeigt sie keine Anzeichen f�r kreative M�digkeit. Zun�chst wurde sie als Frontfrau von Uzi und Live Skull bekannt, bevor sie mit Chris Brokaw von Codeine 1990 Come gr�ndete und auf Matador vier Alben ver�ffentliche. In 2001 l�ste sich Come auf, und sie begann unter eigenem Namen zu ver�ffentlichen.

Mit ihrem neusten Album f�r das Chicagoer Thrill Jockey Label unterstreicht sie weiter ihre Position als Bandleaderin, Songschreiberin und Pionierin, die wie Kim Gordon, Kim Deal, Lydia Lunch und Patti Smith neben ihr den Weg f�r viele andere bereitete. Auf �Eve� kommt wieder ihr bluesig rauhes Gitarrenspiel in Kombination mit ihrer charakteristischen Stimme zum Tragen. Ihre tiefg�ngigen Texte sind sehr pers�nlich und ihr emotionales Feuer ist greifbar. Begleitet wird sie von David Michael Curry (Willard Grant Conspiracy), Mel Lederman (Victory at Sea), Winston Braman (Come) und Jonathan Ulman (The Marty Kings).

Rauschhafte Reminiszenz an längst vergessen und vergangen geglaubte Glanztage der phantasiegrenzen-sprengenden Psyche Rock-Ausschweifungen, 1:1 ins Hier und Jetzt transportierte Improvisations- und Gitarren-Effekt-Orgien, wie man sie in den wehmütig vermissten goldenen 70er Jahren des vehement freigeistigen Westcoast zum letzten Mal derart glaubwürdig zelebriert erleben durfte. Aber das Quartett-Debut der vier Kennern nicht unbekannten Namen ist keine schlicht rückw�rts gerichtete Nostalgie-Angelegenheit, hier wird ein verschollen geglaubtes Lebensgefühl improvisations- und emotionslastig in die Gegenwart getragen und mit elektrisierender Energie, irisierenden Ideen und saitenauslastender Spielkunst auf den Psyche-Raumflug geschickt. Den sieben Epen mit Spielzeiten bis zu 10 Minuten lustvoller Länge spürt man die Entstehung im gemeinsamen Improvisieren deutlich an, und es sind die in allen Klangfarben an die Grenzen getragenen, sich geniale Gefechte liefernden E-Gitarren von Noel V. Harmonson (Comerts On Fire) und Charley Sautley, die in endlos inspirierten Feedback-, Fuzz- und Wah Wah-Gewittern den traumatisierenden Ton angeben. Endg�ltig faszinierend aber werden die ausufernden Orgien durch die zweifach beeindruckende Espers-Elfe Meg Baird, die nicht nur mal dunkel gr�ndelnd, mal berstend blechreich ihr Schlagwerk vollf�hrt, sondern als k�stlich sanftes Stimm-Gegenst�ck zu der glei�enden Gitarren-H�rte dem w�tenden West Coast-Wahnwitz eine feen-feine, verz�ckende Psyche Folk-Ebene verleiht. Als deutlich zartere, nicht minder ber�ckende kleine Slick-Schwester schenkt sie sanfte Ruhekissen-Inseln in einem orgiastischen Ozean der hirnsprengenden Improvisationen, in einem ohrenbet�ubenden Orkan aus k�stlichsten Klang-Rausch-Farben bis hin zur grandiosen Ger�usch-Explosion. Benebelt, benommen, bet�ubt bleibt man zur�ck, davongetragen von einem absolut drogen-freien, sinne-befl�gelnden Rausch, der seinen Ursprung - wieder einmal - in San Francisco erlebte. Wo auch sonst.

(cpa, Glitterhouse)

Wow. Das psychedelische Gitarrenriff f�r die Ewigkeit � genau so muss ein Album beginnen. Der Opener �Beneath Fields� ist einfach zu sch�n um wahr zu sein. Hauchzarte Psychedelia zwischen Acid Folk und blanker Mazzy Star-Magie. Es klingt nach 1969, nach Westcoast und nach Jefferson Airplane. Und dann setzt diese wundersch�n vertr�umte M�dchenstimme ein und man erinnert sich an die fabelhaften Espers, deren drittes und letztes Album leider auch schon sieben Jahre zur�ckliegt. Heron Oblivion ist tr�stlicher weise die neue Band der singenden Espers-Drummerin Meg Baird, die hier mit zwei Gitarristen und einem Bassisten (von Comets on Fire und Six Organs of Admittance) im folky Acid Rock vergangener Tage schwelgt. Gerne beginnen die Songs ausgeruht bis schl�frig, steigern sich dann aber gem�chlich bis zu eruptiven, schweren Gitarren-Duellen, mit reichlich Fuzz und Wahwah. In erw�hntem Opener sorgt das f�r best�ndige G�nsehaut, vor allem wenn am Ende dann wieder zur sachten Psychedelia mit diesem einzigartigen Riff zur�ckgefunden wird. Ganz gro�e Kunst. Zwischendurch klingen Heron Oblivion gitarrentechnisch auch mal etwas deftig-krachiger (fast schon Richtung Screaming Trees oder gar Neil Young), der Gesang von Meg Baird sorgt mit deutlichen Ankl�ngen an Jacqui McShee von den Britfolkern Pentangle aber f�r in sich ruhende, gravit�tische Sch�nheit zwischen Westcoast Psychedelia und Oldschool-Britfolk. Grandioses Deb�t auf Sub Pop.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Das Album von Heron Oblivion anzuh�ren f�hlt sich an, als sitze man auf einer sch�nen Wiese im Schatten eines Staudamms, der jede Minute aufbrechen k�nnte. Die Gruppe aus San Francisco hat sowohl in tobende als auch relativ ruhige psychedelische Sound-Einheiten Zeit investiert � es ist die Pr�misse und Synergie hinter diesem einzigartigen und speziellen neuen Album. Ethan Miller und Noel Von Harmonson stammen von der West Coast und haben vorher zusammen in diversen (und Eingeweihten nicht ganz unbekannten) Bands gespielt, wir sagen nur Comets On Fire (die ihre Alben auch schon bei Sub Pop ver�ffentlicht hatten). Mit Charlie Saufley und Meg Baird, die aus Philadelphia stammt und somit die East Coast Verbindung der Band ist, fingen sie vor ein paar Monaten an zu jammen und lie�en die Ideen eine Zeit lang einfach flie�en. Sie experimentierten und jeder probierte andere Instrumente aus, bis sie die richtige Kombination gefunden hatten. Es endete damit, dass sie sieben Songs in Eric Bauers Studio �The Mansion� in San Francisco aufnahmen, das Ergebnis ist das selbstbetitelte Deb�talbum und es ist gro�artig. Fast k�nnte man meinen, mit Heron Oblivion seien die Geister der 60er Psych-Rock-Helden wie Love, Buffalo Springfield oder Jefferson Airplane neu erweckt worden.

�Ausdrucksvolle Gitarrenl�ufe gew�rzt mit Feedback breiten sich wieder und wieder aus, ohne zu weit abzudriften. Meg Bairds klare Stimme blickt zur�ck auf '60er Folk-S�ngerinnen, in einer dezenten Art, die eine gewisse Tiefe verleiht ohne bombastisch zu sein. Offen gesagt h�rt sich die Band genauso an, wie sich Psychedelic Rock anh�ren sollte.

(Stereogum)

Seit 1978, also vor 38 Jahren, brachte Bob Weir sein letztes Soloalbum �Heaven Help The Fool� heraus. Dass Weir danach nicht unt�tig war, beweist die Diskographie von Grateful Dead, wo Weir als Gr�ndungsmitglied bis zum letzten Studioalbum �Built To Last� 1989 als Gitarrist, Songwriter und S�nger mitwirkte.

Sein neues Album �Blue Mountain� erscheint zu einem ehrenwerten Zeitpunkt, denn Grateful Dead feiern dieses Jahr ihr 50-j�hriges Bandjubil�um. Auf dem Album zeigt sich Bob Weir inspiriert von der amerikanischen Tradition der Cowboy Songs. Im Teenageralter verbrachte Bob einen Sommer im Amerikanischen Westen, arbeitete und lebte dort bei Rangern, die ihm ihre Geschichten erz�hlten und ihre Lieder vorsangen.

Die Songs auf dem Album schrieb er zusammen mit dem amerikanischen Songwriter Josh Ritter und nahm sie mit Bandmitgliedern der Indie-Rockband �The National� auf. In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Josh Kaufman entstand dann eine stimmungsvolle, visuelle und modern strukturierte Intepretation seiner Lebenserfahrungen, die er auf 12 Songs zum Besten gibt.

16er, nach langer Zeit war er mal wieder im Studio. Und �berrascht! Die Stimme ist gut gealtert, das ganze Werk klingt relaxt und altersweise, die Essenz ist bei vielen St�cken �alt�, der Sound aber (meist) �neu� (halbwegs zeitgen�ssisch), das Ergebnis ist keineswegs ein pures Retro-Album. Mit Grateful Dead in ihrer �klassischen� Form hat das kaum etwas zu tun wohl aber l��t es sich teilweise als eine Art �modernere� Fortsetzung von Workingman�s Dead/American Beauty lesen. Hei�t: Die Musik bewegt sich zwischen (Alt.) Country/Proto-Americana und Folk, das Ganze in hohem Ma�e atmosph�risch (nicht zwangsl�ufig balladesk), in apart hallenden R�umen (gewissen Daniel Lanois-Produktionen gar nicht so un�hnlich) mit grundierender unauff�lliger Ak.Gitarre und geschmackvoll/edel klangmalender elektrischer (bis in Pedal Steel-�hnliche Bereiche, die wie Lap Steel auch tats�chlich eingesetzt wird) sowie z.T. leiser Orgel (bzw. anderen Tasten). Ein, zwei Mal dachte ich an Robert Plants Band Of Joy. Aber es gibt auch je 2x Roots Rock/Country Rock im Stil der 70er, wesentlich trockener/bodenst�ndiger; und nackte zeitlos-exzellente reduzierte ber�hrende akustische Americana-Balladen, darunter das wunderbare Ki-Yi Bossie. Josh Ritter ist Co-Komponist, die Dessners von The National spielen mit. Ehrlich gesagt, in einem Blindtest h�tte ich ihn kaum erkannt, aber ich bin �ber weite Strecken sehr angetan.

(dvd, Glitterhouse)

Endlich neues Material von Van Morrison

Singer-Songwriter-Legende Van Morrison ist zur�ck. Mit �Keep Me Singing� ver�ffentlicht der Ire 2016 ein neues Studioalbum.

Mit �Duets: Re-Working The Catalogue� hatte der S�nger erst k�rzlich seine musikalische Vergangenheit noch einmal Revue passieren lassen. Dabei handelt es sich um ein Duettalbum, auf dem er mit Stars wie Steve Winwood und Mark Knopfler seine alten Song neu interpretiert.

Mit �Keep Me Singing� blickt Van Morrison jetzt aber wieder in die Zukunft, denn neben einem Cover des Bluesklassikers �Share Your Love With Me� (u. a. Aretha Franklin, Kenny Rogers) befinden sich ausschlie�lich selbst komponierte und geschriebene Lieder auf der Platte. Mit einer Ausnahme: F�r den Song �Every Time I See A River� sicherte er sich die Unterst�tzung des britischen Lyrikers Don Black. Die Produktion des Albums �bernahm Van Morrison ebenfalls selbst. Neben elf Gesangsst�cken hat es mit �Caledonia Swing� zudem ein reiner Instrumentalsong auf die Platte geschafft.

Von Ende keine Spur. Zum Gl�ck. Auch mit 70 Jahren zeigt Van Morrison, dass er zu den produktivsten und besten Songwritern der Welt geh�rt. �Keep Me Singing� hei�t der Beweis.

Van Morrison does exactly what he wants, when he wants, and continually mines the past no matter the cost. It's been four years since the Celtic soulman issued a collection of new, original studio material (Born to Sing: No Plan B), but given the music, it could have been yesterday. Morrison has no interest in innovation, he's already done that. The pace here is (mostly) laid-back, the music drenched in jazz, R&B, blues, and classy pop. He revels throughout in an elegant slow burn; his lyric themes are bittersweet, melancholic, filled with emotional and symbolic memory; his longing for the previous prevalent. The first line on album-opener "Let It Rhyme" is: "Throw another coin in the wishing well/Tell everybody to go to hell�" atop skeins of country and R&B as he reveals his recalcitrance. Celtic folk burrows underneath soul in the title track, as a trio of female backing singers, swelling B-3, and a snare undulate beneath his lyrics: "Keep me singing, a new beginning/waiting for my change to come...." A breezy harmonica solo adds a twist, but this tune reflects (musically as well as poetically) the protagonist in "Tore Down � la Rimbaud" from 1985's A Sense of Wonder, who is far down the road, holding stubbornly to a hope he knows (like his countryman Samuel Beckett) will elude him. "Out in the Cold Again" is one of Morrison's finest torch songs in a decade. His delivery hovers just above a small string section and Fiachra Trench's Errol Garner-esque piano. "The Pen Is Mightier Than the Sword" weaves blues-drenched electric guitar and organ exchanges in a midtempo steamy groove appended to excellent backing vocals from Dana Masters and Lance Ellington. The lone cover is a gospelized-blues version of Don Robey's and Alfred Braggs' ballad "Share Your Love with Me." (It was originally recorded by Bobby "Blue" Bland in 1963, and made immortal by Aretha Franklin in 1970. Morrison's version lies closer to the original in spirit.) The singer revisits his time in the San Francisco Bay area for "In Tiburon," where a circular Celtic jazz melody flows under his poetic lines as they name check various signposts in memory, invoking Beat poets, musicians, and locales. At its heart is a mysterious person he invokes over and again with the lines "Now we need each other to lean on�." A muted trumpet solo is misty, bittersweet, and tender. "Look Beyond the Hill" is a fingerpopping jazz tune with ghost traces of a "Moondance" musical feel, but without the magic hook. The outlier is "Going Down to Bangor," a raw blues, that directly references the early Chicago sound. Morrison offers his best blues shout and wails on harmonica. Keep Me Singing closes with "Caledonia Swing," an instrumental where skiffle, punchy R&B, and bluebeat ska rhythm (yes, really) come together in trademark style. Morrison delivers each of these songs with attentiveness; the material is consistently presented with finesse. Nothing further is required.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Neues Album in alter Besetzung

Es ist eine Sensation: Latin-Rock-Legende Carlos Santana und Band pr�sentieren 2016 ihr mit Spannung erwartetes neues Album. Aber nicht nur das: F�r �Santana IV� hat der Gitarrist seine alte Mannschaft, bestehend aus Gregg Rolie (Keyboard, Gesang), Neal Schon (Gitarre), Michael Carabello (Percussion) und Michael Shrieve (Schlagzeug) wiedervereinigt.

Zum ersten Mal seit 45 Jahren nahm das Quintett zusammen eine Platte auf. Das letzte gemeinsame Werk in dieser Konstellation war das legend�re Nummer-eins-Album �Santana III� von 1971 � daher nun auch der Name �Santana IV�. Eigentlich handelt es sich bereits um das 24. Studioalbum Santanas.

Nach ersten Songwritingsessions 2013 begann die Band bereits 2014 mit den Aufnahmen zu �Santana IV�. Unterst�tzt wurden die �alten� Santana im Studio von Mitgliedern der aktuellen Besetzung, n�mlich Karl Perazzo (Percussion) und Benny Rietveld (Bass). Als weiterer Gast ist der legend�re S�nger Ronald Isley von den Isley Brothers in zwei Tracks des neuen Albums zu h�ren.

Insgesamt umfasst �Santana IV� ganze 16 neue Songs, die die Band alle selbst schreib und produzierte. Dazu geh�rt auch die erste Singleauskopplung �Anywhere You Want To Go�. Der Song erschien bereits am 5. Februar 2016 und zeigt, dass sie in der Vergangenheit nichts von ihrer unvergleichlichen Energie und Musikalit�t verloren haben.

Im Gegenteil: Der Santana-Sound ist allgegenw�rtig. Rockig-bluesige Gitarren und virtuose Soli treffen auf beeindruckende Percussions und typische Afro-Latin-Rhythmen.

Auf dieses Comeback haben ihre Fans lange gewartet: Nach einem halben Jahrhundert ver�ffentlicht das wahrscheinlich legend�rste Santana-Line-up aller Zeiten ein neues Album: �Santana IV� klingt, als h�tten sie nie etwas anderes gemacht.

In den 16 neuen Songs z�nden die Veteranen ein Feuerwerk der Rhythmen und Melodien. (...) Die instrumentale Virtuosit�t und der rhythmische Druck der neuen Songs sind �berw�ltigend und taufrisch.

(Audio, Mai 2016)

Endlich wieder Rock, altherrenhaft brillant und kein Hitparadengedudel. Wie sch�n!

(stereoplay, Mai 2016)

Two years in the making, Santana IV marks the reunion of nearly all members of the 1971-1972 band, arguably its greatest lineup. Carlos Santana, conguero Michael Carabello, organist/lead vocalist Gregg Rolie, drummer Michael Shrieve, and guitarist Neal Schon cut the landmark Santana III in 1971. It was a short-lived group as Schon and Rolie would depart in early 1973 to form Journey. Filling out the lineup are Carlos' longtime bassist Benny Rietveld and second percussionist Karl Perazza. Unlike the reunions of most classic rockers, this one proves its musical mettle, even when the album gives in to excess. The interplay between the guitarists is fiery, while Rolie and Shrieve have never been less than inspiring. The former is a far better (more expressive) vocalist than he was in his youth.

This output runs the stylistic gamut without compromising Santana's core sound. Opener "Yambu" is a cooking meld of cumbia, funk, and hard rock. The screaming blues-rock of "Shake It" is the first -- but not only -- place where Peter Green's Fleetwood Mac is referenced, albeit with percolating Afro-Cuban grooves and salsa chants. In "Blues Magic," they reference Mac again in a slow, brooding two-chord blues vamp. It would have made a perfect B-side for "Black Magic Woman." First single "Anywhere You Want to Go" recalls the strutting, swelling toughness of III and Abraxas. "Fillmore East" commences with a silvery nocturnal feel, then evolves into a seven-minute instrumental jam that lets the front line players stretch out. Schon, always a rock technician, makes Carlos work harder than he has in years. "Love Makes the World Go Round" and "Freedom Is in Your Mind" are changes of pace with Ronald Isley on vocals. The former is an R&B-inspired rock jam with cooking percussive layers; the latter a scorching meld of raucous funk and jazz-rock with Yoruban polyrhythms. The instrumental ballad "Sue�os" revisits the feel of "Samba Pa Ti," while "Echizo" touches on the transcendent tropical, melodic jazz fusion of "Song of the Wind" as both guitarists soar. The album should have ended with "Come as You Are," a celebratory, tropically inspired rocker, but closes instead with "Forgiveness," a beautiful but long, slow blues that should have been sequenced earlier in the mix.

At over 75 minutes, Santana IV would have benefitted greatly from judicious editing. There is filler here: the classic rock-styled blues raveup in "Choo Choo," the horn-drenched boogie of "Caiminando," the tired, Shaman-esque "Leave Me Alone," and the new agey, smooth jazz-blues fusion of "Leave Me Alone," all feel like they are ideas rather than finished songs. Flaws aside, IV is quite enjoyable -- especially split over a couple of listens. There remains a real musical connection and shared joy between these players. They may not sound young, radical, or reckless, but they do come off as if they never stopped playing and discovering together.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

�Begleitet werden die sieben LPs von einem sch�nen Booklet (LP-Format) mit allen Texten, zahlreichen Fotos sowie Erinnerungen an die damalige Zeit von Edo Reents, David Young und Sven Regener.�

(Good Times, Juni / Juli 2016)

�Black Earth� neu aufgelegt

Mit �Black Earth� erscheint 2016 ein Reissue des legend�ren Albums von Bohren & Der Club Of Gore auf CD und Doppel-LP.

�Black Earth� ist der vierte Longplayer der M�lheimer Jazz-Ambient-Doom-Combo. Er erschien urspr�nglich bereits im Jahr 2002.

An den Aufnahmen waren Morten Gass (Piano), Thorsten Benning (Schlagzeug), Robin Rodenberg (Bass) und Christoph Cl�ser (Saxofon) beteiligt. F�r Produktion und Mixing zeichnete die Band selbst verantwortlich.

2016 wurde dieser Klassiker neu aufgelegt, und zwar auf CD und auch auf Vinyl: �Black Earth� von Bohren & Der Club Of Gore.

Germany's Bohren & der Club of Gore are a black metal fan's lounge jazz act. Or, for those driven by the more extreme side of noir-ish ambient material, these cats lay it out with musical instruments (and a Mellotron), painfully slow and muted tempos, unventful compostions, and a relentlessly gloomy atmosphere. Originally issued in 2002 on Wonder and now re-released by Ipecac, Black Earth is a wrenching, turtle-like crawl through the vast darkness of jazz balladry and unreservedly bleak nihilism. The song titles say it all: "Midnight Black Earth," "Crimson Ways," "Maximum Black," "Vigilante Crusade," "Grave Wisdom," "The Art of Coffins" -- you get the idea. All of that said, the music is delicious, darkly sensual; a fine tonic for a lonely night. The quartet of drummer Thorsten Benning, saxophonist and pianist Christoph Closer, Mellotron operator, pianist, and Rhodes piano king Morten Gass, and double bassist Robin Rodenberg began life as a death metal hardcore act in the 1980s. Seeking a more original sound, they gradually gravitated to this incarnation of musical brilliance and mysterium organum. On most tracks, a shimmering Rhodes piano plays repetitive lines and chords and receives a deathly kiss from snares, cymbals, and the occasional bass drum before being adorned with the sparsest of Mellotron lines, paced with an excruciatingly tense groove by a low-tuned plucked or bowed double bass, and finally sung over with mournfully sensual, smoky tenor saxophone � la Ben Webster. The tunes are all long, drawn-out affairs, with aural images of abandoned streets and buildings on foggy nights, or steamy sewer grates inviting only the most desperate lovers and recreational killers and thieves out to roam through the blackness together. It's so overwhelmingly intoxicating and sickly sweet, it almost suffocates the listener in the twin scents of sex and death. Indispensible macabre listening.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Peter Astor gehörte mit seinen Bands The Loft und The Weather Prophets zu den ersten Bands, die auf Alan McGees Plattenlabel Creation ihre Singles und Alben veröffentlichten. The Loft brachten zwischen 1983 und 1985 zwei und The Weather Prophets bis zu ihrer Auflösung 1987 drei LPs heraus. Alan McGee spielte in den Anfangstagen sogar den Bass, übernahm dann später aber das Management der Band. Anschließend brachte Peter Astor eine Reihe von weniger beachtenswerten Solo-Alben heraus und experimentierte Ende der Neunziger mit seinen Projekten Ellis Island Sound und The Wisdom Of Harry mit eher elektronisch angehauchter Musik. Sein neustes Album Split Milk kann man als gelungenes Comeback bezeichnen. Die reduzierte Instrumentierung lehnt sich an die Anfänge seiner Karriere an, das Songwriting kann es bei Mr. Music oder Perfect Life locker mit den Go-Betweens aufnehmen und bei My Right Hand erinnert Pete Astor sogar an den großen Lou Reed. Mit Split Milk schließt sich der Kreis zu den Anfängen seiner Karriere und es macht Spaß die alten Platten wieder aufzulegen.

(www.sundayservice.de)

Spilt Milk is the brand new album from indie auteur Pete Astor, previously of The Loft, The Weather Prophets, and other esteemed acts. It was recorded onto ½ inch tape at the home studio of James Hoare of Ultimate Painting, The Proper Ornaments and Veronica Falls, with James playing guitar, bass, drums, keyboards and singing backing vocals. “He was”, says Astor, “an amazing band.” Other contributions came from members of Astor's live band, with Pam Berry (Black Tambourine, Withered Hand) supplying vocals, Jack Hayter (Hefner) on pedal steel, Alison Cotton (The Left Outsides) on viola, and Robin Christian (Male Bonding) and Susan Milanovic (Feathers) on drums.

The album has all the hallmarks of a future Pete Astor classic, drawing together key strands and tributaries of his work over the years, blending intuitive songwriting, acute lyrics and incisive melodies. After many years making more experimental, electronic music Astor has come full circle to the sound that made his name. He explains, “I’m back to being myself, bringing together sounds that I’ve used over time to make a record that sounds more like me than me!”

From the opening track “Really Something” to the recent single “Mr Music” (a favourite of Marc Riley and Gideon Coe on BBC 6 music) the album’s re-connects Astor’s bespoke guitar pop with his long-standing embrace of The Velvet Underground’s musical DNA. Other standout tracks include “My Right Hand”, a hymn to everyone’s best friend, with guest appearances from Tony Hancock, Marvin Gaye, Philip Larkin and a host of ex-girlfriends; the slow burning drama of “The Getting There” recalling the atmospheres of Astor’s 80s kindred spirits, The Go-Betweens. Also, there is the wry drive of “Very Good Lock”, summed up by Astor as “a description of an injurious medical condition that often affects the male of the species”. Elsewhere there are the gorgeous harmonies of the grown up country lament “Good Enough”, which wouldn’t be out of place on one of George Jones’ most heartbroken albums.

Spilt Milk is part of a continuum: from Astor’s beginnings with The Loft and The Weather Prophets on Creation Records in the 1980s, via his solo work through the 1990s and his more left field albums with The Wisdom of Harry and Ellis Island Sound on Matador Records, Heavenly and Peacefrog, through to his return to solo work with the Songbox album in 2012. As well as this ongoing musical activity, Astor is also Senior Lecturer at the University of Westminster, where he teaches, researches and writes about music; 2014 saw the publication of his study of Richard Hell and the Voidoids’ Blank Generation as part of Bloomsbury’s 33 1/3 Series.

Astor remains in touch, engaged and vital in a way that is rare with someone with such longevity. The album continues the story of one of England’s most respected and significant songwriters. As Astor says, “time passes, shit happens; some losses, some gains. Don’t cry – but I did!”

This is Spilt Milk.

Bowies Ausflug zum Jazz

Mit »Blackstar« erscheint nur zwei Jahre nach seiner Nummer-eins-Platte »The Next Day« das neue Album von David Bowie. Und wie bereits bei seinem Vorgänger fällt der Termin der Veröffentlichung mit dem 8. Januar auf den Geburtstag des Sängers – seinen 69sten.

Insgesamt sieben neue Songs präsentiert Bowie auf »Blackstar«, die, wie man es von seinen Alben bereits gewohnt ist, nur noch wenig mit den vorhergegangenen Platten zu tun haben. War »The Next Day« noch ein musikalischer Karriererückblick in Bezug auf Bowies Stile, so wagt er mit »Blackstar« diesmal einen 42-minütigen Ausflug in Richtung Jazz.

Dafür schnappte er sich kurzerhand die lokale Jazzelite und ging mit ihnen ins New Yorker »The Magic Shop«-Studio, wo er das Album gemeinsam mit Tony Visconti produzierte.

Neben Jazz werden auf »Blackstar« aber auch noch anderer Einflüsse hörbar: Electronica, Dubstep und natürlich Pop. Außerdem hörte man, so Co-Produzent Visconti im Interview mit dem Rolling Stone, den Rapper Kendrick Lamar, dessen letztes Album »To Pimp A Butterfly« wie Bowies Platten vom Einfluss zahlreicher verschiedener Stile lebe.

Einen ersten Vorgeschmack auf »Blackstar« gab es bereits am 20. November 2015 mit dem Titeltrack. Hier treffen Popelemente auf jazziges Saxofon, marschierende Drums und einen Hauch von gregorianischem Gesang. Bowies Stimme steht dabei fast auf einer Ebene mit den Instrumenten. So entsteht ein sphärisches und hypnotisierendes Ganzes, das einen mit monumentalen neun Minuten und 57 Sekunden nach und nach in seinen Bann zieht.

Das zugehörige Video, das aufgrund der Länge des Songs wohl eher als Kurzfilm bezeichnet werden kann, drehte niemand Geringeres als Johan Renck, der bereits bei den Serien »Breaking Bad« und »The Walking Dead« Regie führte.

Mit »Blackstar« erfand sich David Bowie ein letztes Mal neu – nichts anderes hätten wir von ihm erwartet. Das Album ist ein weiteres Zeugnis von seiner Genialität und genreübergreifenden Kreativität.

Vieles auf dem von Tony Visconti produzierten Album erinnert an den Bowie der 1970er zu Zeiten von Ziggy Stardust und an den Bowie der '80er mit Nile Rodgers, ins Jetzt transportiert durch jede Menge Breakbeats und Elektronik. Dadurch entwickelt sich im Laufe der knapp 45 Minuten eine fantastische Dynamik.

(Jazzthing, Februar / März 2016)

Mit dem treuen Weggefährten / Produzenten Tony Visconti und Topmusikern aus New York an seiner Seite erschuf er eine Mischung aus vertracktem Jazz, Electronica und Dubstep, die ausgezeichnet zur Hauptthematik des Abschiedswerks passt.

(Stereo, März 2016)

Ein Album mit sieben sehr unterschiedlichen Erzählungen eines Meisters der Metamorphose, der sich mit dem Blick nach vorne eine letzte Dosis Psychedelik leistet. Chapeau!

(stereoplay, März 2016)

Sein großes Verdienst war der Spiegel, den er uns vorhielt. Bowie mahnte, wenn Popmusik langweilig war. Und schuf Neues. So auch mit ›Blackstar‹, seinem strahlenden Vermächtnis.

(Audio, März 2016)

Die hohe musikalische Qualität des Albums erschließt sich nicht sofort, dafür wächst das Album im Folgenden umso stärker.

(MINT, Februar 2016)

Ein großer letzter Vorhang!

(Stereo, Mai 2016)

Der erste Eindruck von „Blackstar“ war der eines faszinierenden, ambitionierten, aber auch sperrigen und rätselhaften Werks. Kein Album, zu dem man schnell Zugang finden würde. Und wohl auch keines, das man sich allzu oft anhört. Bowies Tod, zwei Tage nach seinem 69. Geburtstag und zwei Tage nachdem „Blackstar“ erschienen war, machte es dann ganz unmöglich, es noch einmal auf dieselbe Art zu hören wie zuvor. Mehr noch, es war, als hätte es sich über Nacht in etwas Neues verwandelt.

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

Poppige Lovesongs von Get Well Soon?

Es ist wahrscheinlich das meist besungene Thema in der Musik: die Liebe. Aber weil dieses Thema gleichzeitig eins der schwierigsten Themen �berhaupt sei, widmete sich jetzt auch Get Well Soon dieser Herausforderung. Das neue Album hei�t �Love�.

Eigentlich zeichnet sich die Musik von Bandleader Konstantin Gropper, der Get Well Soon als Soloprojekt gr�ndete, durch tiefe Melancholie und anspruchsvolle Songs aus. Der deutsche S�nger, Songschreiber und Multiinstrumentalist ist der Sohn eines Musiklehrers und genoss schon fr�h eine klassische Ausbildung (Klavier, Cello, Schlagzeug und Gitarre).

Mit �Love� hat er sich aber bewusst f�r einen Schritt in Richtung Pop entschieden. So ist das vierte Studioalbum das bis dato hellste und poppigste von Get Well Soon geworden. Ein fr�hliches Popalbum darf man aber dennoch nicht erwarten.

�Love� zeigt n�mlich auch, dass Liebe nicht immer nur Schmetterlinge im Bauch und romantische Liebensschw�re bedeutet. Die erste Single des neuen Albums, �It�s Love�, erz�hlt von bedingungsloser Liebe, davon wie weit manche Menschen gehen. Im bedr�ckend schockierenden Video zum Song spielt Schauspielstar Udo Kier den unauff�lligen Vorstadtbiedermann, der zu Hause ein M�dchen gefangen h�lt.

Ob die Welt noch weitere Lovesongs braucht? Wenn sie so klingen wie auf �Love�, lautet die Antwort ganz klar �Ja!�. Das neue Album von Get Well Soon legt den ganzen Facettenreichtum der Liebe offen � die sch�nen und auch die dunklen Seiten.

Nach den eher dunklen Klangfarben des Vorg�ngeralbums aus dem Jahr 2012 zieht Konstantin Gropper jetzt die Vorh�nge zur Seite und l�sst Licht in seine Musikwelt.

(Stereo, Februar 2016)

... die Songs flie�en nur so dahin, viel zu sch�n, um uns einen Moment dar�ber nachdenken zu lassen, ob diese Musik noch zu diesem Mann geh�rt. Groppers Bariton ist ruhiger geworden, der S�nger zieht sich zur�ck, der Gesang zurrt nicht mehr so arg an den St�cken ...

(musikexpress, Februar 2016)

M�rchenhafte Melodien, herrlich opulent, schwelgerisch und vielschichtig arrangiert, dabei aber immer mit gen�gend Tiefgang ausgestattet.

(Good Times, Februar / M�rz 2016)

Elf Songs, die unkitschig gro�e Emotionen zelebrieren.

(stereoplay, Februar 2016)

... ist �Rattling Trees� ein weiteres gro�artiges High-Llamas-Album, ...

(Audio, Februar 2016)

16er. Zuletzt vor 3 Jahren mit Something Rain in gro�er Form, und weitgehend auch hier - in ziemlich abwechslungsreichem Ambiente, mit einigen tollen Bl�serarrangements von Jazzer Julian Siegel, ein paar Mal Streichern, meist E-Gitarre, im Wechsel (E-)Piano/Orgel, Tupfern von Melodica, Glockenspiel oder Fl�te. Ab und zu rhythmisch stark (angefunkter-jazziger Afrobeat! Ein Mix aus Kraut-Rock, ein wenig Soul und Jazz. Nerv�s und komplex.), wobei der weitaus ruhigere bis sanfte Gesang einen eigent�mlichen wie reizvollen Kontrast bildet. H�ufiger freilich balladesk, ob von zart bis volumin�s/s�ffig gesteigert (ein �lteres Duett mit Lhasa de Sela, exquisit!), sanft/einschmeichelnd/romantisch in purer Sch�nheit erstrahlend und Atmosph�re schaffend (3 Instrumentals), wundervoll melancholisch und anr�hrend (archetypisch Tindersticks, ein Gedicht!) oder unter 50s/60s-Einflu� (klassisch), sowie der gro�artige Titeltrack (ultra-zart und slow, traurig, die nackte Emotion!). Einsamer H�hepunkt und jetzt schon ein Klassiker aber ist ein kongeniales Duett mit Jehnny Beth (von Savages), spannungsgeladen und sehr dunkel, barmende fabelhafte Vocals. Ein wie in besten Zeiten bilderreiches Werk. Die limitierte Clear-Vinyl-Ausgabe kommen mit einer DVD mit Kurzfilmen zu jedem Song.

(dvda, Glitterhouse)

The Waiting Room is Tindersticks tenth studio album. Musically, it touches on virtually all the places they've visited in the past, but offers hints at new directions too. The soundtrack vibe the band have given off since they started working with director Claire Denis back in the late '90s, is virtually ever-present, but it doesn't bog down the album. They, along with Stuart Staples in particular, are so steeped in cinema that each song here warranted its own short film short by a different director -- Rosie Pedlow & Joe King, Christoph Girardet Gabriel Sanna, and Denis included. There are also hints of the taut emotional drama they so effortlessly showcased in earlier years, though it's colored by more restraint. First single "Hey Lucinda" is a posthumous duet with singer/songwriter Lhasa de Sela, who passed away from breast cancer in 2010. Glockenspiels are treated to sound like pan steel drums, helping to create an unusually exotic and slippery groove and an unlikely pop song. De Sela's aching vocal stands in sharp contrast to Staples' sense of buttoned-down sexual repression that threatens to escape the control of his quivering baritone. The electric piano at the forefront of the nocturnal "Second Chance Man" finds Tindersticks at their softest and most inward looking; that is, before they pick up the tempo and horns cut in, framing the lyric in a new take on Celtic soul. "Hello Yourself" is an unusual, catchy, extremely moody take on the Afro-beat of Peter King and Tony Allen. Again, Staples' croon tries to escape, grabbing hold of the dramatic lyric and reveling in the finger-popping instrumental arrangement; that he can't escape provides the necessary tension, making the track a signature success. On the preceding "Were We Once Lovers," Tindersticks incorporate elements of atmospheric jazz-funk to excellent effect; it's the most passionate track on the set. The Savages' Jehnny Beth guests on "We Are Dreamers!" This cut comes uncomfortably close to Nick Cave & the Bad Seeds territory, but ultimately eludes it due to the rumbling, noir-ish intensity brought by David Boulter's spooky Wurlitzer (which suggests the influence of the Doors � la "Riders on the Storm"), while Dan McKinna's bass is distorted and played with sinister menace. Their creative use of horns and strings on the spoken word "How He Entered" is not enough to rescue it from Staples' over-sincere (even maudlin) delivery. The instrumental "Planting Holes" is more a quasi-ambient serial film cue than a song. Another one, "This Fear of Emptiness," works well, but it's almost dubby due to its reverb, spacy B-3, and forlorn melodica. While The Waiting Room is a mixed bag, it's far more relaxed and sure of itself than Across Six More Leap Years was. Though far from absent, the notion of pursuing cinematic textures has taken a back seat to exploring new approaches in songwriting and orchestration.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Tortoise have always emphasized their connection to Chicago, and never more so than on The Catastrophist. Arriving six years after Beacons of Ancestorship, its roots date back to 2010, when Tortoise were commissioned to write music inspired by their hometown's jazz and improvised music scenes. Though they fleshed out those compositions for the album, the original project's sense of adventure remains. Fittingly, the title track has some of the closest ties to the album's beginnings, holding together shifts between knotty, busy electro-funk and the kind of brooding post-rock Tortoise helped define in the '90s with nimble drumming indebted to jazz. "Shake Hands with Danger" is even more audacious, nodding to the Windy City's free jazz and noise rock legacies with jabbing riffs and rhythms and chromatic percussion that sounds metallic in both senses of the word. "Gesceap"'s duel between winding synths and linear guitars feels spontaneous enough to be a rangy improvisation, while "Ox Duke" goes deep instead of wide, building on its eerily pretty vibe with meditative repetition. On each of The Catastrophist's tracks, the way Tortoise puts together post-rock's building blocks sounds as fresh as ever, with the band recombining a record store's worth of influences expertly and often playfully: The synth interlude "Gopher Island" recalls Mark Mothersbaugh's music for The Life Aquatic with Steve Zissou; "Hot Coffee" lives up to its funky title; and the closing track "At Odds with Logic" sets the album adrift on a tide of surfy guitars. Even the album's most unexpected moments feel completely natural. In Tortoise's largely instrumental body of work, tracks with singing would stand out anyway, but The Catastrophist's vocal cameos are also great in their own right. Todd Rittman of U.S. Maple and Dead Rider guests on what may be the album's riskiest song, a cover of David Essex's "Rock On" that brings a jagged edge to the original's jittery cool and proves that Tortoise can make verse-chorus-verse rock their own. Later, Yo La Tengo's Georgia Hubley takes a star turn on the gorgeous "Yonder Blue," a ghostly reinvention of '60s pop-soul that also recalls Broadcast and Julia Holter at their finest. Amidst these experiments, the band revisits fundamentals on "The Clearing Fills," a serene study in chiming guitars and electronic percussion that echoes other post-rock greats like Stereolab and Mogwai, and on "Tesseract," which, with its angular melody and tricky tempo shifts, may be the most traditionally Tortoise song here. In some ways, The Catastrophist feels like a microcosm of the band's body of work; even though they don't repeat themselves, it all comes together in some of their most immediate music to date.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Popsongs aus Sicht des Jazz

Pop oder Jazz? Dass man beides gut miteinander kombinieren kann, hat Roger Cicero in der Vergangenheit bereits mit sechs Soloalben bewiesen. Ein bisschen mehr in Richtung Jazz geht es nun mit dem Deb�talbum seiner gleichnamigen Band �The Roger Cicero Jazz Experience�. Aber auch daf�r dienten, abgesehen von den Jazzklassikern �Moody�s Mood� und �Benny�s From Heaven�, vor allem Popsongs als Vorlage.

Besonders Lieder der Singer-Songwriter-Elite hat das Quartett bei dem Streifzug durch ihre Lieblingsinterpreten in ihr Repertoire aufgenommen. So ist Paul Simons �50 Ways To Leave Your Lover� mit von der Partie, au�erdem James Taylors �Shower The People�, Nick Drakes �From The Morning� sowie Tom Waits �Tom Traubert�s Blues�. Mit dem Amos-Lee-Song �Keep It Lose, Keep It Tight� widmen sich �The Roger Cicero Jazz Experience� zudem einem aktuellen Vertreter dieses Genres.

All diese Popsongs arrangiert die Band auf ihrem Album komplett neu und erschafft daraus insgesamt zehn stimmungsvolle Jazzinterpretationen.

Die Band, das sind S�nger Roger Cicero, Schlagzeuger Matthias Meusel, Bassist Herv� Jeanne und der Keyboarder Maik Schott. Alle vier spielen bereits seit einigen Jahren live zusammen.

Mit ihrem neuen Album �The Roger Cicero Jazz Experience� zeigt das gleichnamige Quartett eindrucksvoll, wie einige der gr��ten Popsongs der Geschichte aus Sicht des Jazz klingen k�nnen.

Mit seinem Talent zu improvisieren h�lt Cicero nicht hinterm Berg, doch er zeigt auch ein gutes Gesp�r daf�r, wann es passt und wann nicht.

(Stereo, Dezember 2015)

... gef�hlvoll interpretiert, ohne virtuosen Schnickschnack. Die Tontechnik w�rzt den Braten mit saftiger Opulenz.

(Audio, Januar 2016)

Auch das Programm hat es in sich, denn die Musiker nehmen sich schwierige Songs vor wie Nick Drakes �From The Morning�, das zwar im Jazzkontext umgesetzt wird, aber dennoch nichts von seiner Grundausstrahlung verliert, sondern eher noch weiter entwickelt wird.

(Good Times, Dezember 2015 / Januar 2016)

Mit �Scheherazade� ver�ffentlicht die amerikanische Alternative-Country-Combo Freakwater um Janet Bean (Eleventh Dream Day), Catherine Irwin und den Bassisten Dave Gay ihr erstes neues Album seit �ber zehn Jahren! Freakwaters Wurzeln liegen in der amerikanischen Country, Bluegrass und Folkmusik, gepaart mit Punk, Rock und Blues. In Musik und Texten kombinieren sie Morbides und D�steres mit Sch�nheit und beschreiben ihren Sound als �Appalachian Soul�.

Das Warten ist bekanntlich das Schwerste. �Scheherazade� entlohnt reichlich.

(Rolling Stone, Februar 2016)

Oh My Goodness is the first solo record by songwriter and keyboard ace Donnie Fritts since 2008, and only his fourth since 1974. He was a quiet, integral member of the legendary Muscle Shoals session crew that delivered so much pop, soul, and country to the annals of music history, and afterwards played an equally important role in country and R&B circles as a session man, writer, and arranger. His songs -- including "Breakfast in Bed," "We Had It All," "Choo Choo Train" (redone in a great new version here), "Take Time to Love," and "Rainbow Road" -- have been recorded by dozens of artists. Producer John Paul White (ex-Civil Wars) also acted as arranger and musical director and issued the set on his Single Lock label. While visiting Fritts, White heard him sing while accompanying himself on his weathered Wurlitzer; some tunes weren't his but he played them as if they were. White coaxed Fritts into building an album around his voice and instrument, and assembled a revolving cast including Alabama Shakes' Brittany Howard and Ben Tanner, Jason Isbell, Amanda Shires, John Prine, David Hood, Reggie Young, Spooner Oldham, the Secret Sisters, Dylan LeBlanc, and various horns and strings. The track list includes originals with choice covers. "Errol Flynn" (written by cabaret singer Amanda McBroom -- she also penned "The Rose" -- and Gordon Hunt) is a daughter's elegy of tribute and loss to her father. Fritts' world-weary voice recalls Levon Helm's; his Wurlitzer digs through White's guitars, Tanner's pump organ, and horns. Another standout is a unique arrangement of Jesse Winchester's "Foolish Heart," with New Orleans-style brass (including tuba), upright piano, and White and LeBlanc's voices. Things get bluesy too. Check this reading of the ubiquitous "Memphis Women & Chicken (co-written with Dan Penn and Gary Nicholson). Hood's hard-grooving bassline adds just a trace of funk to the 12-bar progression and Bryan Farris' leads sting. "Tuscaloosa 1962" touches the Band's greasy intro to "Up on Cripple Creek," with Isbell dealing out a snarling slide guitar. The reading of Gene Thomas' 1971 breakup single "Lay It Down" is killer. Fritts' earthy country-soul vocal is framed by strings, horns, pedal steel, and a stirring gospel-inspired backing chorus. Paul Thorn's forlorn ballad "Temporarily Forever Mine" is a wistful hymn of surrender and longing with only violin, cello, and Young's signature guitar playing as accompaniment. The title track closer is a moving love song with Oldham's piano as the only instrument. It's low-key but passionate. The lyrics express eternal devotion and gratitude to his beloved; the separation of death will not breach its strength. Tenderness and vulnerability are openly expressed, revealing humility, desire, and even wisdom. Oh My Goodness is informal and intimate, but with enough grit and groove to make it a joy. Given its quality, one hopes that Fritts will record again, and soon.

(by Bob Gottlieb, All Music Guide)

Aus dem Leben der Bluesikone

Auch wenn der Titel ihres neuen Albums es suggeriert � man muss nicht tief graben, um auf �Dig In Deep� die Hits zu finden, die man von Bonnie Raitt gewohnt ist.

Mit �ber 45 Jahren im Musikgesch�ft und 17 Studioalben geh�rt die US-amerikanische Blues- und Countrys�ngerin schon l�ngst zu den Ikonen Ihres Genres.

Am Ende ihrer Karriere ist Raitt deshalb noch lange nicht. Erst vor gut vier Jahren holte sie mit �Slipstream� einen zehnter. Danach ging es erst einmal f�r fast zwei Jahre auf Tour. Nach rund 200 Konzerten in den USA und anderen L�ndern verschlug es Raitt dann aber wieder direkt ins Studio, wo sie selbst ihr neues Album �Dig In Deep� produzierte.

Zw�lf neue Songs gibt es darauf, die im Gro�en und Ganzen davon berichten, was Bonnie Raitt erlebt hat oder erleben will. Dazu geh�rt als Berufsmusikerin nat�rlich auch das st�ndige Touren.

Das wiederum thematisiert die S�ngerin mit der bluesgetr�nkten Stimme in ihrer ersten Singleauskopplung �Gypsy In Me� � ein geschmeidig-groovender Bluesrocksong. Unterst�tzt wird sie dabei von Gitarrist George Marinelli, Schlagzeuger Ricky Fataar, Keyboarder Mike Finnigan und Bassist James �Hutch� Hutchinson, die alle bereits am Vorg�nger beteiligt waren.

Seit gut einem halben Jahrhundert lebt sie den Blues: Bonnie Raitt. Ihr neues Album �Dig In Deep� macht deutlich, warum die S�ngerin niemals damit aufh�ren darf.

Isolation Berlin holen den deutschen Gitarrenpop zur�ck

Sie sind das n�chste gro�e Ding f�r 2016: Isolation Berlin. Die vier Musiker Tobias Bamborschke (Gesang, Gitarre), Max Bauer (Gitarre, Orgel), David Specht (Bass) und Simeon C�ster (Schlagzeug) haben sich dem deutschsprachigen Gitarrenpop verschrieben. Sie selbst nennen ihre Musikrichtung allerdings �Berliner Schule/Protopop�. Die liegt genauer gesagt irgendwo zwischen Indiepop, Liedermacher, Rock�n�Roll, New Wave und Noiserock.

2016 pr�sentieren Isolation Berlin mit �Und aus den Wolken tropft die Zeit� ihr erstes Album. Zuvor hatte die Band allerdings bereits die beiden EPs �Aquarium� und �K�rper� ver�ffentlicht, die schnell vergriffen waren. Damit all die darauf enthaltenen Songs aber nicht in Vergessenheit geraten, pr�sentiert die Band parallel zum neuen Album auch eine EP-Kollektion, die sie bezeichnenderweise �Berliner Schule/Protopop� getauft haben. Darauf gibt es alle Songs der beiden EPs inklusive der Hits �Aquarium� und �Prinzessin Borderline�. Au�erdem warten als Bonustracks die Coverversionen eines Nina-Hagen- sowie eines Joy-Division-Klassikers.

Mit ihrem neuen Album holen Isolation Berlin 2016 den deutschen Gitarrenpop zur�ck auf die Bildfl�che. Dass sie dies eigentlich schon seit Langem mit viel Talent tun, beweist die EP-Kollektion �Berliner Schule/Protopop�.

Endlich ein Album!

Isolation Berlin pr�sentieren ihr mit Spannung erwartetes Deb�talbum �Und aus den Wolken tropft die Zeit�.

Zw�lf Songs haben Tobias Bamborschke (Gesang, Gitarre), Max Bauer (Gitarre, Orgel), David Specht (Bass) und Simeon C�ster (Schlagzeug) daf�r aufgenommen � eine Mischung, die man wohl am ehesten als Gitarrenpop bezeichnen k�nnte. Taucht man jedoch tiefer in die Materie ein, findet man auf �Und aus den Wolken tropft die Zeit� einen facettenreichen Mix aus Indiepop, Rock�n�Roll, Liedermacher und einem Hauch New Wave, der sich immer wieder auch in Richtung Noiserock vorwagt.

Wie das klingt, haben Isolation Berlin vor ihrem Deb�t schon mit zwei EPs bewiesen. Au�erdem gab die Band mit den Singles �Alles Grau� und �In manchen N�chten� einen ersten und zweiten Vorgeschmack auf das neue Album. Die Songs spiegeln den Grundtenor auf �Und aus den Wolken tropft die Zeit� wieder. Gro�stadtleben trifft auf Gef�hlschaos. Beiden begegnen Isolation Berlin mit herrlich illusionsloser Gelassenheit.

Das wiederum verpacken die vier Jungs sowohl in herzzerrei�ende Balladen als auch in Protestsongs und Seemannslieder. Ihre Texte sind manchmal deprimierend, mal bauen sie wieder auf � in jedem Fall sind sie echt.

Zus�tzlich zu �Und aus den Wolken tropft die Zeit� ver�ffentlichen Isolation Berlin mit �Berliner Schule/Protopop� parallel eine Zusammenstellung ihrer beiden bereits vergriffenen EPs �Aquarium� und �K�rper�.

Sie sind das n�chste gro�e Ding f�r 2016. Mit ihrem lang erwarteten Deb�talbum �Und aus den Wolken tropft die Zeit� verleihen Isolation Berlin dem deutschen Gitarrenpop neuen Glanz.

Erst »I«, dann »II«, dann »III«

Wenn es um die Titelwahl ihrer Alben geht, denken Spidergawd seit jeher pragmatisch. Nach »I« und »II« präsentiert die norwegische Hardrock-Supergroup jetzt ihr neues Album »III«.

Weniger pragmatisch, dafür vielfältiger denn je ist die Platte, die irgendwo zwischen Folk-, Blues- und Hardrock, Stoner- und Psychedelic Rock liegt. Nichts anderes hätte man von Spidergawd erwartet. Auch der musikalische Einfluss der 1970er Jahre ist auf »III« so präsent wie auf den Vorgängern.

Und so zeichnet sich »III« durch riffgetragene aber dennoch melodiöse Songs aus, die durch die prägnante Stimme von Per Borten und an vielen Enden durch ausgereifte Soli zu regelrechten Rockhymnen vervollständigt werden.

Was als Nebenprojekt und Motorpsycho-Ableger begann, hat sich so innerhalb kürzester Zeit zum Rock’n’Roll-Selbstläufer entwickelt.

Passend zum neuen Album gibt es mit »I + II + III« eine Box, die alle drei Spidergawd-Alben auf CD in einer Sammlung vereint. Das Debüt »I« war im Jahr 2014 erschienen. »II« folgte nur ein Jahr später.

Was Spidergawd 2014 mit gigantischem Debüt gestartet haben, setzen sie nur zwei Jahre Später bereits zum zweiten Mal beeindruckend fort. »III« rockt, groovt, geht nach vorne

Perfektionierter Sound mit Vintagefaktor

Seitdem Damien Jurado mit seinem Produzenten Richard Swift zusammenarbeitet, hat er seinen klanglichen Horizont h�rbar erweitert. Einen Beweis seines neuen Soundspektrums pr�sentiert der Singer-Songwriter mit �Visions Of Us On The Land�.

Schon seine drei Vorg�ngeralben �Saint Bartlett� (2010), �Maraqopa� (2012) und �Brothers And Sisters Of The Eternal Son� (2014) zeigen eine klare Entwicklung von Folk zu Indie- und Folkpop � meist ruhig und psychedelisch und mit hohem Vintagefaktor. Die Akustikgitarre muss immer h�ufiger umfangreicher instrumentierten Arrangements weichen. Vergleiche mit den Fleet Foxes sind daher sp�testens seit �Visions Of Us On The Land� nicht mehr von der Hand zu weisen.

Eins ist jedoch seit jeher geblieben: Jurados unverkennbare zerbrechliche Stimme ist auch auf seinem zw�lften Album allgegenwertig.

�Visions Of Us On The Land� ist demnach das vierte Album in Kooperation mit Swift. Au�erdem ist es der letzte Teil einer Albumtrilogie, die die Geschichte eines Aussteigers erz�hlt, der auf der Suche nach Wahrheit die Gesellschaft hinter sich l�sst.

Einen Vorgeschmack auf die Platte gab es bereits mit den ersten Singleauskopplungen �Exit 353� und �Qachina�.

Neben der Standard-CD gibt es �Visions Of Us On The Land� f�r Vinylfans auch als Doppel-LP und in der limitierten 3-LP-Version. Die zus�tzliche wei�e Schallplatte enth�lt Demos sowie zwei bislang unver�ffentlichte Songs des S�ngers.

Damien Jurado hat seinen Sound perfektioniert. �Visions Of Us On The Land� ist das Ergebnis jahrelanger Entwicklung � ein Album, das einfach flie�t, oft regelrecht in Trance versetzt und auch schon vor 40 Jahren wunderbar funktioniert h�tte.

�Damien Jurado ist jeder einzelne Charakter in jedem einzelnen Damien Jurado Song. Er ist die Knarre, der lila Ameisenb�r, die Papierfl�gel, die Lawine, das Desaster w�hrend der Flugshow, Ohio und der Geist der Ehefrau seines besten Freundes.�

(Father John Misty)

Irgendwo zwischen Country, Folk und Alternative Rock zuhause, hat Richmond Fontaine seit Mitte der 1990er-Jahre zahlreiche Alben ver�ffentlicht, wobei das letzte, �The High Country�, mittlerweile auch schon wieder f�nf Jahre (2011) zur�ckliegt. Zentrale Figur der Band ist der aus Nevada stammende, 1967 geborene Gitarrist und S�nger Willy Vlautin.

�You Can't Go Back If There's Nothing To Go Back To� wurde in Portland, Oregon, von John Askew in den Flora Studios aufgenommen und veredelt. Mit von der Partie sind � neben Willy Vlautin � Sean Oldham am Schlagzeug, der Gitarrist Dan Eccles und Paul Brainard an der Pedal- Steel-Gitarre. Freddy Trujillo (The Delines) spielt zum ersten Mal den Bass. Und Jenny Conlee (The Decemberists), ein langj�hriger Freund der Band, gibt seine Premiere am Keyboard. Auch der ehemalige Bassist Dave Harding zupft bei einigen Aufnahmen die Gitarre. Dem Vernehmen nach war die Studioatmosph�re recht famili�r, und das h�rt man dem zehnten Studioalbum von Richmond Fontaine auch an. Obwohl sich die Songs inhaltlich mit eher ernsten Themen befassen, was schon allein im Albumtitel deutlich wird, klingen die insgesamt dreizehn St�cke von �You Can't Go Back If There's Nothing To Go Back To� sehr entspannt. Aber wenn man mit sich im Reinen ist, geht man ohnehin gelassener mit dem Leben um.

Das 5. Studioalbum mit neuem Originalmaterial (bei 9 CDs insgesamt) des spannenden, flexiblen Trios um die beiden Wood Br�der aus Nashville ist gleichzeitig ihr reifstes, souver�nstes und wohl auch allgemein-kompatibelstes Werk geworden. Ab 2005 entwickelten sie ihr gemeinsames Ding mit einem deutlicheren Bezug zu den musikalischen Wurzeln ihrer Jugend: Blues & Bluegrass, Mountain Folk & Country, Soul & Songwriting. Sp�testens mit der Hinzunahme eines festen dritten Mannes f�r Drums, Percussion hat man das Bandspektrum und die Live-M�glichkeiten erheblich erweitert und sich in ein (roots-) rockigeres Americana-all-over-Gewand gekleidet, in das auch Jam Rock, Gospel, Funk, Reggae und Fusion Rock passen. Alles wohldosiert und niemals dominierend, eher kongenial zusammenflie�end in diesen lebendigen, kreativen, dynamischen Wood Brothers-Strudel, der einen nicht mehr loslassen will! Auf 6 Tracks gibt's deftige Bl�serunterst�tzung (�hnlich wie bei JJ Grey & Mofro), die McCrary Sisters gospeln auf 'River Of Sin' und Derek Trucks (Lead Guitar) & Susan Tedeschi (Vocals) veredeln 'Never & Always'. Feines Album!!!!

(Glitterhouse)

"Under The Cover of Lightness" entwickelt die Qualit�ten und Themen des Vorg�ngers "Little Glass Box" konsequent weiter. Man merkt den Songs an, dass sie Zeit zum Reifen hatten � auch bei Fraser Andersons Konzerten in Frankreich, England und Schottland, beim Reeperbahn- oder dem Celtic Connections Festival.

Dass die elf neuen St�cke mindestens so poetisch wie pers�nlich sind, wird zumindest im Titel angedeutet: sie tragen die Leichtigkeit nur als Maske. Die Produktion, die im November 2015 in Peter Gabriels "Real World Studios" stattfand, ist fest in der Hand des schottischen Singer/Songwriters selbst. Sie bewegt sich elegant zwischen vielen Traditionen, von der britischen Barden-Garde (Vergleiche mit Nick Drake oder John Martyn standen Anderson schon in der Vergangenheit gut) �ber wunderbare Gesangsharmonien oder dezente Orchestrierungen, die an die Arbeit von George Martin oder John Schroeder erinnert, bis zu elektronischen Soundscapes aus dem Klangapparat von Frasers Bristoler-Nachbarn Portishead.

Das ruhige "Simple Guidance", schon wegen des herrlichen Hooks die erste Single, kn�pft noch am ehesten an das Vorg�ngeralbum an, "Beautiful Eyes", nicht weniger memorabel, bewegt sich klanglich in anderen, mysteri�seren, elektronischeren Sph�ren, bei "Go On Wide (Part 1)" dr�cken Sub-B�sse die verhallten Vocals ins Ohr. Bei "Please Let This Go", "Five Days" und "The Wind And The Rain" verflie�t die Liebe aufs Traurig-Sch�nste. "With You All" ist ein autobiografischer Spoken-Word-Monolog eines jungen, überforderten Vaters, der in "Rising Sons", seinen drei Söhnen gewidmet, oder der Bruder-Geschichte von "Crying From My Heart" emotionale Fortsetzungen findet.

"Under The Cover of Lightness" ist Stück für Stück ein gro�es Werk, eine lohnende Errungenschaft und an sich und künstlerisch ein Triumph.

... klanglich aufregend und dicht gemischt. Diese Songs existieren einfach, auf wunderbare Art, völlig losgelöst von Trends und Traditionen.

(stereoplay, Juni 2016)

Melodien und Rhythmen, die zart erblühen. (...) Fraser taumelt zwischen den Traditionen und folgt neugierig den Pfaden von John Martyn, Nick Drake, David Sylvian und Portishead.

(Audio, Juni 2016)

Hier haben sich zwei im Harmonie-Himmel gefunden - es f�llt nicht leicht, die entr�ckte Sch�nheit dieser kongenialen Kollaboration in erdschwere Worte zu fassen. Dabei wirken die zwei Zart-Zauberer ganz nah an den vielf�ltigen Folk-Wurzeln, aber gemeinsam erschaffen sie eine gleichzeitig filigran-irdene wie leicht-schwebend-losgel�ste Country-Kunstform, die es nahezu unm�glich macht, perfekt passende Vergleiche zu finden. Eine vorsichtige Ann�herung an die wurzeltreue und dennoch nahezu unirdische Zerbrechlichkeit der 13 Co-Kompositionen erlauben nat�rlich die klingenden Namen, nicht nur die des bemerkenswerten Iron & Wine-Kopfes und der engelsgleich weicht�nenden Singer-Songwriterin, sondern auch die der ebenso �berschaubaren wie auserw�hlten Schar der pr�genden Beitr�ger: Tucker Martine sorgte f�r das kristallklar durchscheinende Klangbild, Sebastian Steinberg setzt samt-sanfte Kontrabass-Tupfer, fast unbemerkt-unterschwellig bereichert Glenn Kotche das akustisch-filigrane Klangbild um perkussive Farb-F�lle, am deutlichsten aber sind die schillernden Streicher-Spuren, die Eyvind Kang auf Violine und Viola bereichernd im Gesamt-Kunstwerk hinterl�sst. Gemeinsam erschaffen diese Meister des finalen Feinwerks eine gef�hl- und kunstreiche Wurzel-Wunderwelt, die zart, aber hell, mitunter gar charmant hemds�rmelig-holperig in allen erdenklichen Folk-Farben leuchtet, Americana- und leise Psyche-Elemente ebenso wie Einfl�sse britischer Herkunft in sich vereint, gleichzeitig Sandy Denny und Andrew Bird Tribut zollt, in den zartesten Momenten nur noch mit Rosie Thomas oder Karen Peris/Innocent Mission zu vergleichen ist und diese mitrei�end magische Melange mit einem vokalen Paarflug von traumgleich schwebender Sch�nheit kr�nt. Gemeinsam schmeicheln die beiden Sanft-Stimmen uns nachhaltig nachhallende Melodien in die Sinne, und so sehr ich die Au�enwelt auch mag � f�r solchen Wohlklang wurde der Kopfh�rer erfunden, um s�mtliche st�renden Alltags-Einfl�sse auszusperren und sich ganz der Sch�nheit hinzugeben. (cpa)

(Glitterhouse)

Die Songs auf �Bound, Chained, Fettered� sind Lektionen f�rs Leben, wahre Geschichten, getragen von Hales emotionaler Stimme, die Hindernisse �berwunden und Weisheit erworben hat. Es ist ein Album, das Bilanz zieht; ein Album, das die komplexen Zusammenh�nge unserer Gegenwart zu erforschen versucht: �The fragile ties that bind, the heavy chains that hold us in place� - laut Terry Lee Hauptinspirationsquelle f�r sein neues Album. Die sp�rliche, aber immer noch detaillierte Produktion, verst�rkt diese nachdenkliche Stimmung. Aber, was in den Liedern offenbart wird, ist letztlich positiv und menschlich. Hale geht es um Tiefe, nicht um blo�e Wiederholung oder leichte Unterhaltung.

Um �Bound, Chained, Fettered� aufzunehmen, reiste Terry Lee nach Norditalien, um dort mit Produzent Antonio Gramentieri (Hugo Race, Dan Stuart) zusammen zuarbeiten, der vor allem f�r seine Arbeit mit Sacri Cuori bekannt ist: �Antonio is a fantastic arranger, guitarist and lap steel player. It has been years since I�ve worked with another guitar player and the timing really felt right for this new recording� - so Terry Lee. Hale nahm alle Parts live zusammen mit Gramentieri in dessen Studio auf. So gelang es den beiden eine freie, ungezwungene Stimmung zu erzeugen. F�r den Mix zeigte sich Matt Emerson Brown (Soft Hills, Trespassers Williams, The Walkabouts) verantwortlich. �I think this record is much more intimate and emotionally engaging than (my previous album) The Long Draw. Before I was the spectator, now I am the character� sagt Terry Lee. Auch am Sound hat sich einiges im Gegensatz zum Vorg�ngeralbum �The Long Draw� ge�ndert. Vielen der Songs unterliegen leichte Percussions und atmosph�rische Ger�usche. Ein subtiler Mix aus Piano, einer Hammond Orgel, dezentem Synthesizer-Einsatz, einer Bassclarinette, einem Baritonsaxofon, einem Mellotron und nat�rlich Gramentieri�s 6-saitigen Texturen, bildet die Grundlage f�r Hales nachdenkliche Geschichten.

Terry Lee Hale ver�ffentlicht seit mehr als drei Jahrzehnten seine Songs und Alben. Er wurde in Texas geboren, gilt weithin als einer der Paten der Seattle Szene (u. a. ist er der einzige Singer-Songwriter auf der bahnbrechenden 80er Compilation Sub Pop 200) und ist derzeit wohnhaft in Marseille. Sein �uvre ist nicht blo� Americana, Roots-Musik oder Rock and Roll. Es umfasst all das nat�rlich, aber Hales Werk l�sst sich nicht in Schubladen einordnen, ist - wie er selbst - ein echtes Original. �Bound, Chained, Fettered� ist eine Sammlung aus neun musikalischen Vignetten. Mit jedem Song taucht Hale tiefer in die Geheimnisse und Geschichten des t�glichen Lebens ein: Der Titeltrack ist ein trauriger Blick auf die Hauptfigur des Albums und die Belastungen, die ihn beeinflussen. �The Lowdown� ist ein kleiner Anstupser und Best�tigung, dass auch �digitale� Beziehungen Bestand haben k�nnen. �Signed Blue Angel� ist ein Gedicht �ber den Tod, das von der achtj�hrigen Tochter von Terry Lee's bestem Freund verfasst wurde, mit einer Furchtlosigkeit, wie sie nur von einem Kind beschrieben werden kann. Mit �Reminiscent� und den letzten Textzeilen des Albums fragt Hale uns: �� why are you so damn hard to find?�.

�Bound, Chained, Fettered� zeigt Hale tief in den St�rken seiner Stimme und seiner Songs verankert. Wie immer scheut er sich nicht, emotionale und musikalische Grenzen auszuloten. Hale pr�sentiert mit �Bound, Chained, Fettered� ein elegantes, fesselndes und sein wahrscheinlich bestes Album bisher.

(Glitterhouse)

The songs of �Bound, Chained, Fettered� are life lessons. Truthful stories sung with a voice that reflects and carries the emotional weight of time, obstacles overcome and wisdom earned. It is an album that takes stock; it is an album that probes the complex attachments of our contemporary world. The fragile ties that bind, the heavy chains that hold us in place; this is grist for Hale�s new album. The sparse but still detailed production enhances this pensive mood, yet what is revealed in the songs is ultimately positive and human. There is depth here not just simple repetition and abstraction.

To record �Bound, Chained, Fettered� Terry Lee ventured to Northern Italy to work with producer Antonio Gramentieri (Hugo Race, Dan Stuart) and his circle of musical cohorts, mainly because ofhis admiration for Gramentieri�s own productions with his band Sacri Cuori. In Terry�s own words: �Antonio is a fantastic arranger, guitarist and lap steel player. It has been years since I�ve worked with another guitar player and the timing really felt right for this new recording.� All of Hale�s parts were recorded live with Antonio adding his accompanying lines at the same time from the control booth. A spare, unvarnished energywith Terry Lee�s voice always front and center was captured and magnified. The work of Matt Emerson Brown (Soft Hills, Trespassers Williams, The Walkabouts)as the mix engineer brought a fresh perspective and a three-dimensional resonanceto the collected songs. Hale states: �I think this record is much more intimate and emotionally engaging than (his previous album) The Long Draw.Before I was the spectator, now I am the character.� It is also sonically more adventuresome than The Long Draw. Light percussion and spacious atmospherics underlay many of the songs. A subtle mixture of synthesizer, piano, Hammond organ, bass clarinet, baritone sax, mellotron, and of course Gramentieri�s six�stringed textures, create an inspired soundscape for Hale�s ruminative tales.

Born in Texas; widely acknowledged as being one of the godfathers of the Seattle scene (the only singer-songwriter featured on the seminal �80s compilation Sub Pop 200); and currently a resident in Marseille, Hale has been releasing albums for more than three decades. His oeuvre is not �Americana,� roots music or even rock and roll. It includes all of that of course, but Hale�s work is stubborn and transcendent of genres and deeply evocative in a way that only a true original can be. �Bound, Chained, Fettered� is a collection of nine musical vignettes. With each story Terry Lee Hale delves into the mystery and confusions of our twenty-first-century lives. The title track is a somber look at a long list of encumbrances holding our hero back. �The Lowdown� a gentle nudge and recognition that digital ties do indeed bind. �Signed Blue Angel�, a poem written by the 8 year old daughter of one Hales� best friends and set to his music addresses death with a fearlessness only a child full of grace, wisdom and joy posses. And with �Reminiscent� and the last lyrics of the album, Terry Lee brings us all back home: �� why are you so damn hard to find?�

�Bound, Chained, Fettered� finds Hale deeply immersed in the power of his voice and the power of his songsand as always, unafraid to push emotional and musical boundaries. The album is uncluttered, elegant and compelling. It is quite possibly Terry Lee Hale�s finest album to date.

Vom Londoner Kunstmuseum nach Asien

Nach mehr als f�nf Jahren Pause meldet sich PJ Harvey 2016 mit einem neuen Album zur�ck. �The Hope Six Demolition Project� hei�t die Platte, die im Vergleich zu ihren bisherigen Studioalben etwas aus der Reihe tanzt.

Statt ihre Lieder wie gew�hnlich im Studio aufzunehmen, entschied sich die britische Alternative-S�ngerin und Songwriterin wie schon bei ihrem Vorg�nger �Let England Shake� (2011) dazu, dies an �ffentlichen Orten zu tun. Satt in eine Kirche ging es dieses Mal unter anderem ins Londoner Kunstmuseum Somerset House.

Besucher der Ausstellung bekamen die M�glichkeit, der Band bei den Aufnahmen zuzusehen, mussten allerdings ihre Handys abgeben, um nicht vorab etwas davon im Internet zu ver�ffentlichen. Die Produzenten sa�en unterdessen in einem extra angefertigten Tonstudio hinter speziellem Einwegglas.

Die �brigen Aufnahmen f�r �The Hope Six Demolition Project� fanden in Washington, D. C. und an weiteren unbekannten Orten in Afghanistan und im Kosovo statt.

So sind insgesamt elf Songs entstanden, darunter auch �The Wheel�, die erste Single des neuen Albums � folkiger Indierock, in dem sich Harvey von H�ndeklatschen, Bl�sern und einem M�nnerchor begleiten l�sst.

Der Name �The Hope Six Demolition Project� ist �brigens nach einem Plan des US-amerikanischen Ministeriums f�r Wohnungsbau und Stadtentwicklung zur Wiederbelebung sozialer Wohnprojekte benannt.

Ein weltoffenes neues Album: F�r �The Hope Six Demolition Project� machte PJ Harvey die gro�e weite Welt zu ihrer Gesangskabine. Das Ergebnis kann sich h�ren lassen.

In diesem Album steckt viel kluge Detailarbeit, aber noch mehr Bauchgef�hl und Lust zum Kreativen. Sch�n.

(Audio, Mai 2016)

Auf ihrem wilden, ersch�tternden neuen Album beobachtet Polly Harvey die Schaupl�tze des Endes der Zivilisation.

(Rolling Stone, April 2016)

�The Hope Six Demolition Project� ist das bislang st�rkste Album auf einer Kammwanderung, das mehr als alle fr�heren Arbeiten von PJ Harvey allein k�nstlerischen und musikalischen Anforderungen gehorcht.

(stereoplay, Juni 2016)

Eigentlich eine Protestplatte, eine Platte �ber den Krieg, die Verw�stung, die Versehrung der St�dte und der Seelen. In fast eing�ngigen Songs, zu tief t�nendem Saxofon singt Polly Harvey �ber die Ministerien f�r Verteidigung und soziale Angelegenheiten und die �Community Of Hope�, sie singt �ber die Denkm�ler f�r Lincoln und die toten Soldaten des Vietnamkriegs. Es ist ein Album �ber Paradoxien und die Illusion von Zivilisation, durch die sich das Vegetative seinen Raum schafft. Auf einem Foto verschwindet Harvey zwischen Stahltr�mmern vor schneebedeckten Bergen, Teil der schroffen Natur. Bester Song: "The Ministry Of Defence"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

Von Zeit-, Stil- oder Mode-Str�mungen kaum ber�hrte 2016er Album-R�ckkehr nach f�nf Jahren Ver�ffentlichungsruhe, eingespielt in Rainy Day Music-Besetzung Gary Louris, Marc Perlaman, Tim O�Reagan und Karen Gothberg, und ebenso vollmundig wie einf�hlsam produziert von Louris in kreativer Collaboration mit Peter Buck und Tucker Martine. Und in diesem mit den drei Namen angeschlagenen, deftigen Dreiklang t�nt das abgehangen-reife Roots-Werk auch ein sauberes Dutzend Songs lang, herrlich harmonieverliebt geht es durch s�mtliche Americana-Gangarten, findet man handfest rockende Passagen neben einlullender Pernice-Pracht, roh belassene R.E.M.-Emotions-Tiefe neben Mundharmonika-versilbertem Neil Young-Country Rock, aber auch deutliche, bis zum psychedelischen Ausufern ausgespielte CCR-Verweise oder grantige Gomez-Verwandtschaften. Das alles wird von einem mitunter nahezu hymnischen Hang zur Harmonie zusammengehalten, der deutlich in Byrds- bis Beatles-Richtung weist (weit n�her an Lennon als an McCartney), reine Alternative-Country-Gemmen, reife Roots-Rocker und dreckig-verzerrte Psyche-Ausfl�ge in einem gemeinsamen Geist zu einem Louris-gepr�gten Band-Werk vereinend, das den ehrenvollen Jayhawks-Stempel verdient hat.

(cpa, Glitterhouse)

Sollte es noch eines Beweises bedurft haben, dass Gary Louris auch ohne den kreativ umtriebigen Freigeist Mark Olson tolle Platten machen kann, wurde er mit �Paging Mr. Proust� gl�nzend erbracht. Louris umarmt die geschliffene Produktion und die unverg�nglichen Melodien. Er liebt Neil Youngs Gitarrensound. Und er schreibt Songs, wie sie eigentlich sonst niemand mehr schreibt: Meisterst�cke von s�chtig machender Melancholie, die das Erbe von Byrds und Big Star weitertragen (�Quiet Corners & Empty Spaces�, �Isabel�s Daughter�). Louris findet, ihm geb�hre daf�r mehr Ruhm. Finden wir auch. Bester Song: "Isabel's Daughter"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

�Here I am again, here I am the only one again, and it's a story that will never end ...� Der mittlerweile 50-j�hrige Ebbot verwandelt sein Talent in eindrucksvolle Schallplatten und Konzerte. Mit seiner Erfahrung und der Begeisterung entf�hrt er die f�nf schwedischen Musiker von The Indigo Children in eine psychedelische Zeit und offenbart uns vitale Songs einer goldenen Epoche der Popmusik.

The Indigo Children spielten bereits als sehr junge Band im Vorprogramm von The Soundtrack Of Our Lives, schauten auf, nach hinten und nun inspiriert nach vorn. Nein, das ist nicht neu und auch nicht einfach wieder belebt, hier treffen neugierige und hungrige junge Musiker auf eine geschichtstr�chtige Pop-Ikone und man h�rt und man spielt sich zu. Hier stimmt der Dialog, generations�bergreifend.

�For The Ages To Come� ist eine 42-min�tige Odyssee aus zehn Hymnen, wie sie aus der Feder eines Ebbot Lundbergs seit �Behind The Music� nicht mehr zu h�ren waren. Seit der Aufl�sung von TSOOL war Ebbot keineswegs tatenlos. Er ver�ffentlichte ein tief-psychedelisches �one-track Album�, war in zahlreichen schwedischen TV-Shows zu Gast und zeigte seine schauspielerischen F�higkeiten in einem TV-Drama. Durch die Teilnahme am schwedischen Pendant zu �Sing meinen Song� erlangte Ebbot in seinem Heimatland schlie�lich Promistatus. �I'm a lot more known, I'm suddenly doing a lot more selfies ...�

Hymnischer Psychedelic Pop.

(Rolling Stone, Mai 2016)

Look no further than the many pensive black and white photos, most with Graham Nash�s eyes either hidden behind shades or turned away from the camera, to get a feel for this reflective, atmospheric, sometimes brooding album. �Where are we going?� he asks on the opening title track, and �What are you going to do when the last show is over?� on the closing one. It goes to show that, even at 74 with more than five decades as a professional musician (he started singing in the Hollies at 20), Nash still has more questions than answers.

(AMERICAN SONGWRITER)

A starburst of glorious harmony ... the thought occurs that This Path Tonight could be Nash�s very own Blood On The Tracks . . .

(UNCUT)

Longtime Nash listeners will find plenty to satisfy them here�

(MOJO)

All the elements you�d want are there: acoustic guitars, harmonicas, harmonies ... and that Mancunian accent

(SHINDIG)

The path navigated by the folk-rock veteran � still in fine voice � is the road to rediscovery ... With producer Shane Fontayne adding dimension and tension to the music, Nash�s first album of originals in 14 years is marked by hope ...

(BOSTON GLOBE)

Trace elements of the same passion that drove him through his work with The Hollies and then Crosby, Stills & Nash (and sometimes Young) are clearly audible on This Path Tonight, though the Blackpool-born singer is obviously in a very different place now. This Path Tonight is simply Nash continuing to be as present as possible for everything he experiences and recording the results. It's what he does.

(NPR)

Es war 1981, als der damals 19-j�hrige Watt mit seiner ersten EP �Summer Into Winter� (auf der auch Robert Wyatt zu h�ren ist) f�r Aufmerksamkeit sorgte. Seine Solowerke stehen sicher im Schatten des gro�en Erfolges von Everything But The Girl mit Tracey Thorn, der sich kurze Zeit sp�ter einstellte. Doch bereits sein Solodeb�t stand auf #1 der britischen Independent Album Charts.

Es war im vorletzten Jahr, als Ben Watt nach 16 Jahren als Songschreiber, Produzent und Performer des Duos Everything But The Girl, nach einem guten Jahrzehnt als Kopf des vielfach ausgezeichneten Electronic-Labels Buzzin' Fly und als Radiomoderator bei BBC 6Music zu seinen Wurzeln als Singer/Songwriter zur�ckkehrte und als solcher sein zweites Album �Hendra� ver�ffentlichte.

Die Kritik zeigte sich begeistert. �Fever Dream� � selbstproduziert in Londons RAK Studio 2, f�hrt nun den fein gesponnen Folk-Jazz mit dezenten Einsprengseln verzerrter Gitarren-Lines von �Hendra� fort und gibt sich dabei nicht weniger gr�blerisch. Wieder ist Bernard Butler (Ex-Suede) an den sechs Saiten zu h�ren.

Bes��e Mary nur ihre schmeichelnd weiche, stets eine Idee dunklere, tiefere, mitunter dezent kehlige Stimme, so w�re diese allein schon Grund genug, all ihre Alben im aktiven H�r-Bestand zu wissen. Aber die seit den sp�ten 80er Jahren aktive Amerikanerin ist eben nicht nur wunderbare Vokalistin, sondern auch und vor allem eine ungemein sensitive Songwriterin, die ihre wachsenden Erfahrungen in ebenso gef�hlvolle wie wortgewandte Weisen zu fassen wei�. Nach ihrem epischen 2014er Ausflug in das Reich der symphonischen Aufarbeitung des eigenen Song-Kataloges kehrt sie jetzt nicht nur den gro�en Label-Heimat-H�fen ihren R�cken, sie kehrt auch zur�ck zu ihren Folk-Country-Wurzeln und kleidet ihre elf neuen, intim-intensiven Songs mit der einf�hlsamen Produktions-Hilfe von Dave Cobb (Jason Isbell, Sturgill Simpson) in wurzel-verbundene, �berschaubar besetzte, herrlich klang-klare Arrangements. Ihre dunkel-samtener Stimme schmiegt sie dabei in bewegende Balladen, meist von glei�ender Gitarrenbegleitung gepr�gt, mitunter von naturbelassenem Klavier untermalt, ein sanft gestreicheltes Schlagwerk kommt nur selten zum Einsatz, ein dezent mittleres Tempo ist das h�chste der Geschwindigkeits-Gef�hle, ihre j�ngst gewonnenen Orchester-Erfahrungen l�sst sie zum Albumende wieder gef�hlvoll Gestalt annehmen. Im Zentrum des rundum reifen Country-Folk-Geschehens aber steht der ber�hrende, Zeiten �berdauernde Song, dargereicht von einer einzigartigen Stimme. Ist die Vergleichsluft in ihren Singer-Songwriter-H�hen schon eine d�nne (Shawn Colvin, Beth Nielsen Chapman oder Dar Williams sind die wenigen passenden Namen, die hier oben noch in den Sinn kommen), so ist ihr Gesang ein einmaliger. Gehobene, ebenso elegante wie emotionale Americana-Kunst, von einer gelassen-gereiften Ausnahme-Artistin dargereicht.

(cpa, Glitterhouse)

After the orchestral recording Songs from the Movie in early 2014, Mary Chapin Carpenter returns to basics. Working with Grammy-nominated producer Dave Cobb and a small group of musicians at his Nashville studio, The Things That We Are Made Of is a powerful collection that bridges two poles of existential tension: the past and the present with the future, ever uncertain, looming beyond our grasp.

Cobb is a full collaborator here, a true believer who adds only what's necessary to remain true to the song, no matter where it leads. Carpenter's gentle but authoritative voice and acoustic guitar are firmly at the center of each track. Cobb creates set pieces for her lyrics and melodies to reveal their depths, layer by layer. "Something Tamed Something Wild" notes the blurred lines between memory, hard-won experience, regret, and the ability to bear them in the moment. Framed by an insistent backbeat, jangly electric guitars, and a wafting Mellotron, her acoustic guitar and vocal are the only things that ground the tune to earth. "Map of My Heart" borders on country rock with honky tonk piano and organ. Lyrically, she compares the likeness of her own wounded spirit to another's by asking the unanswerable questions about belonging, home, and desire. "Oh Rosetta" is a prayer of doubt and confusion offered in solitude to the ghost of blues guitarist Sister Rosetta Tharpe, while a swelling gospelized organ claims the bridge. The set's most haunting cut "Hand on My Back," floats amid layers of acoustic guitars, a Rhodes piano, and Eamon McLoughlin's strings. It reveals what it's like to be fully seen by another after a lifetime of longing for it. In "The Blue Distance," a Celtic melody underpins a lyric drenched in the willingness to follow her vulnerability with bravery. "Note on a Windshield" paints the protagonist hesitantly taking a chance on a romantic connection, as she leaves her phone number in a parking lot and then watches the rain wash it away. Cobb's dreamy backdrop resembles Owen Bradley's work with Patsy Cline. Carpenter's protagonist is undaunted in the end: "There's nothing holding us down/When there's nothing left to reveal ..."

Carpenter's always provided listeners ready access to the worlds inside her songs. That's equally true here, even when what they encounter is naked and difficult to feel -- let alone confront. On The Things That We Are Made Of, she delivers with grit, grace, and the courage to accept life on its own terms. There is always a glimmer of hope. For Carpenter, redemption comes from knowing who we are in spite (or because) of what we wished for, how we reconcile it in the present in the time allotted, and who we become as a result.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Beautifully written and lovingly paced, The Things That We Are Made Of is an uplifting and very human account of Mary Chapin Carpenter's self-reflective consciousness.

(Huffington Post)

... a reminder that she remains one of the most grounded, sentient songwriters of her generation.

(Rolling Stone)

Her album plays out both sides of that classic country gesture at the unknown � darkness and latent enlightenment � and by emphasizing both, she accomplishes what sounds like a transformation.

(NPR)

Ein gro�es Stück Geschichte ist in dem neuen Trio von Jack DeJohnette konzentriert. Vor fünfzig Jahren spielte Jack DeJohnette als Gast des John Coltrane Ensembles mit den Vätern von Ravi Coltrane und Matthew Garrison, und auch das Programm von »In Movement« wird mit Coltranes erschütternder, unverändert relevanter Elegie »Alabama« eröffnet.

Ein weiterer Klassiker ist mit �Blue in Green� von Miles Davis und Bill Evans vertreten (Jack ist einer der wenigen Musiker, der in den Bands beider Männer spielte), genauso wie »Serpentine Fire« aus dem Repertoire von Earth, Wind and Fire � ein Tribut an Maurice White, mit dem Jack ebenfalls in frühen Jahren zusammenarbeitete.

Das Stück »The Two Jimmys« ist eine Hommage an die beiden Innovatoren Jimi Hendrix und Jimmy Garrison, »Rashied« ehrt den späten Rashied Ali, einen weiteren gro�artigen Schlagzeuger aus Coltranes Kosmos. Trotz all dieser Referenzen handelt es sich hierbei tatsächlich um eine Band in Bewegung, die die Musik unermüdlich weiterentwickelt.

Die Vertrautheit der Beteiligten sorgt für einen speziellen Flow der Inspiration ...

(Jazzthing, Juni - August 2016)

Over the past few years, Jack DeJohnette has had his storied jazz career -- now over six decades -- revisited in several ways. In 2013, he led a "dream band" at the Chicago Jazz Festival that included Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Muhal Richard Abrams, and Larry Guy, all of whom he'd played with in the Association for the Advancement of Creative Musicians during the early '60s. That performance was released in 2015 by ECM as Made in Chicago. Earlier this year, Resonance Records issued Some Other Time: The Lost Session from the Black Forest, which featured DeJohnette in Bill Evans' trio with Eddie Gomez in 1968.

In Movement finds the bandleader in a new trio with saxophonist Ravi Coltrane and bassist/electronicist Matthew Garrison. As a young drummer he had the opportunity to sit in with both their fathers, John Coltrane and Jimmy Garrison. This debut also looks at history, but through the gaze of the present. The set begins with Coltrane, Sr.'s classic Civil Rights-era composition, "Alabama." While it is instantly recognizable, the trio find their own form of liberty within it via Garrison's electric bass harmonics and economic use of electronics. Coltrane's tenor states the melodic frame solemnly while DeJohnette dances around the pair with quick accents and feints, juxtaposing circular rhythm and improvisation. Also present is Miles Davis' modal classic "Blue in Green." This drummerless reading with DeJohnette at the piano is more abstract. Ravi's soprano is beautifully lyrical inside the modes, while Garrison adorns both players in sparse layers of honeyed echo. The inclusion of Earth, Wind & Fire's "Serpentine" is not as out of place as it initially seems: DeJohnette played with the group's founder Maurice White in Chicago. The slow, unwinding funk is a showcase for Coltrane's phrasing and Garrison's groove-laden bass playing as the drummer adds tough, slippery breaks. This group showcases its collective prowess in the long title track. Commencing with an urgent single-chord piano and synth pulse, tapping cymbals, and syncopated hi-hat, Garrison employs a low-end chordal bass toward Coltrane's long, labyrinthine soprano melody. The tune unfurls, building to a stunning crescendo at the conclusion. "Two Jimmys" (for Hendrix and Garrison) offers a Middle Eastern modal center via synth and a treated bassline. Coltrane's tenor moves from the inside to out while DeJohnette's drums deliver a martial cadence that eventually splits the jam wide open. "Rashied" (in tribute to Coltrane, Sr.'s great last drummer Rashied Ali) is a wailing improv duet between DeJohnette and Ravi, exploring their own version of "interstellar space." DeJohnette contributes "Lydia" (an homage to his wife) as a post-bop ballad with gorgeous bassline lyricism from Garrison, and the lovely piano trio closer "Soulful Ballad." Historical (re)examinations aside, In Movement is a compelling first statement from a band who, despite generational differences, is connected through deep listening and harmonic intelligence. This group's future is rife with possibility.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Hugo Race, ehemals The Wreckery und Gr�ndungsmitglied der Bad Seeds, der heute als international t�tiger Produzent, Autor und K�nstler mit Bands wie Sacri Cuori oder eigenen Projekten wie The True Spirit und Dirtmusic arbeitet, ist bekannt f�r seine Soundgem�lde, die Folk, Blues, Experimentalmusik, Electro und Rock miteinander verbinden.

�24 Hours to Nowhere ist das wahrscheinlich pers�nlichste Album, das ich je geschrieben habe. Die Songs stammen direkt aus meinem Herzen, konzipiert, um auch stripped down, nur mit einer Steelstring Gitarre und Vocals ihre Wirkung zu entfalten. Eine sehr traditionelle Herangehensweise, Folk-like, die die Erfahrung von hunderten Konzerten als Solok�nstler reflektiert. Wenn man alleine zu einem Publikum singt, baut man eine besondere, intime Beziehung zu seinen Zuh�rern auf. Ich nehme sie mit in meine geheime, eigene Welt und erz�hle ihnen von der Sch�nheit des Lebens, aber auch vom Terror. Die Songs auf 24 Hours to Nowhere sind genau so, sie handeln von Leben, Liebe, Tod und von geheimnisvollen Kr�ften, die uns und unsere Hoffnungen und �ngste bestimmen.�

Es dauerte �ber ein Jahr das Album zu schreiben, aber nur eine Woche es zusammen mit Sacri Cuori (aka Fatalists) aufzunehmen. Sie sind ebenso stark durch musikalische Traditionen beeinflusst und Experten im Produzieren von retro-nostalgischen Sounds. Uns verbindet die Liebe zu alten Songwritern und die Art wie ihre Alben produziert wurden. 24 Hours to Nowhere ist bereits das dritte Album, das wir zusammen aufgenommen haben. Im Vorfeld der Produktion h�rte ich viele Songwriter der 60er und 70er Jahre wie Tim Hardin und Fred Neil. Ich wollte eine �hnlich warme Stimmung wie sie auf dem Album kreieren, musikalisch vielschichtig. W�hrend des Schreibens h�rte ich Streicher auf allen Songs, wollte aber das Offensichtliche vermeiden. So verwendete ich zuerst diverse elektronische Sounds, um dann mit Vicki Brown (Violine) und Julitha Ryan (Cello) die endg�ltigen Versionen aufzunehmen. Die Story des Titeltracks verlangte nach einem Duett: Angie Hart, ihres Zeichens S�ngerin der australischen Band Frente, teilte meine Vision und brachte Sch�nheit und Licht in meine dunklen Songs. Davide Mahony und Giovanni Ferrario von Sepiatone, sowie Michelangelo Russo von The True Spirit sind au�erdem auf dem Album zu h�ren.

"Ich wollte zeitlose Songs aufnehmen, Songs, die sich wie ein Dolch ins Herz bohren und gleichzeitig Deine Seele umarmen. 24 Hours to Nowhere wird immer ein sehr pers�nliches Album f�r mich bleiben � es beschreibt das Leben, in dem Sch�nheit und Schmerz untrennbare Zwillinge sind, so wie es wirklich ist und nicht, wie wir es uns w�nschen.�

(Hugo Race, Melbourne, March 2016)

Hugo Race, formerly of The Wreckery and the Bad Seeds and now an internationally based producer, writer and performer with bands like The True Spirit and Dirtmusic, delivers intense sonic soundscapes that merge folk, experimentalism, electronica and rock. Hugo Race Fatalists� astonishing new album 24 Hours to Nowhere will be released by Glitterhouse Records on May 27th, 2016.

�24 Hours to Nowhere is perhaps the most personal album I�ve ever written. These songs come directly from the heart, created to be sung and played using only a steelstring guitar, a very traditional, almost folk-music-like approach I�ve developed through the hundreds of concerts I�ve played worldwide as a solo performer. Singing alone to an audience inspires a sense of intimacy, drawing them into my secret emotional world, seeking to touch their souls with tales of the grandeur of life, and the terror too. The 24 Hours to Nowhere songs are of this kind, speaking of life, love, death and the mystical beyond that commands our greatest hopes and fears.�

The album took over a year to write, but barely a week to record with Sacri Cuori (aka Fatalists), my sonic brothers from Italy; their own music is very aware of past musical traditions and they are expert producers of retro-nostalgic sounds from the mythic border between Tuscany and Texas. Together we share a love of great songwriters of the past and the way in which those songwriters were produced. 24 Hours to Nowhere is our third album together. I had been listening to the great 60s/70s songwriters, artists like Tim Hardin and Fred Neil, and wanted to create similar atmospheres with musically rich and emotionally focused orchestrations. I heard strings on all the new songs I was writing, but didn�t want to follow an obvious route, so I created orchestral atmospheres using electronics then collaborated with Vicki Brown (violins) and Julitha Ryan (cellos) to record the final arrangements. The narrative of the title track demanded a duet; Angie Hart, singer of the Australian pop band Frente, embraced the vision, bringing a beauty and lightness of touch to the darkness of these songs. Davide Mahony and Giovanni Ferrario from Sepiatone, and Michelangelo Russo from The True Spirit, also guested on the sessions, tuning into a feel that evokes the past and yet positions itself in the now.

�The songs are intended to be timeless, to stab at your heart while engaging your mind and to leave some kind of impact on your soul. 24 Hours to Nowhere will always remain deeply personal to me � it depicts life as it is, not how we want it to be, revealing the deep beauty that is sorrow�s perfect twin.�

(Hugo Race, Melbourne, March 2016)

(Glitterhouse)

British musician Terry Reid is a relatively unsung legend. With his incredible voice, spot-on songwriting, and underrated guitar skills, Reid invented new sounds and others followed suit. His 1973 LP, River, is an under-the-radar but deeply loved album.

Our special new release, The Other Side Of The River, features all previously unreleased material from the River sessions, including six never-before-heard Reid compositions and five very different alternate takes of tracks from River. Over the decades, as River went in and out of print, there were rumors of a mythological double album's worth of unreleased material. The rumors turned out to be true, as the entire album was recorded twice: once with British producer Eddy Offord and again with the legendary Tom Dowd.

The sessions captured Reid's free-associative mix of folk, blues, rock, jazz, bossa-nova, soul, and samba, recalling at times Tim Buckley and Van Morrison, while featuring some remarkable guests including Gilberto Gilon percussion, Ike & Tina Turner's Ikettes on vocals, and David Lindley, of psych band Kaleidoscope, on violin. The Other Side Of The River includes songs that even Terry had forgotten. It stands alone as a fresh and utterly groundbreaking Terry Reid gem.

Even though it has been reissued four times in the 21st century, Terry Reid's 1973 album River remains steeped in legend. His debut for Atlantic after Ahmet Ertegun freed him from the legal entanglements with former manager Mickie Most, it was begun in London with Eddy Offord, finished in Los Angeles with engineer Ed Barton, then overdubbed and mastered by Tom Dowd in Miami. No matter how divergent the narratives surrounding the record are, they all agree that enough material was recorded to fill several albums. The Other Side of the River was assembled and generously annotated by intrepid music historian Pat Thomas (who also produced a River reissue in 2006) and producer/writer Matt Block. Just over an hour long, it features alternate takes, unreleased tunes, and intimate jams. This set adds welcome dimension and perspective to River. The musical range on the released album -- from gritty R&B and jazzy singer/songwriter fare to Latin and bossa grooves, and divided into two distinct halves -- sets it apart not only from everything in Reid's catalog but from the era, too. The main band features Reid's voice and guitar, David Lindley on guitar and lap steel, and Ike & Tina Turner bassist Lee Miles. Drummers Alan White and Conrad Isidore appear separately.

The unreleased groover "Let's Go Down" offers a funky backbeat punched up by Miles' bassline and a greasy guitar shuffle, before Reid's vocal literally slips into the middle. Horns add a vintage R&B feel while Lindley's steel whines and bites, creating a massive choogler. "F# Boogie" is a grimier, earlier alternate of "Avenue" -- it's from the London sessions but Dowd later overdubbed the Ikettes on backing vocals. It's so soulful and meaty, it's a complete puzzle as to why it went unissued. "Country Brazilian Funk" is a righteous title for an unreleased gem that moves mercurially between L.A. country, bluesy soul, and funky samba -- with cooking assistance from Gilberto Gil's percussionists in the second half. There is a slower version of "River," with Willie Bobo using brushes to play 24-track tape boxes. A slippery, jazzy bossa acoustic guitar adds a languid, tropical feel -- but the right version was chosen for the album. A bassline and bossa guitar introduce the unreleased "Listen with Eyes," with Bobo's drum kit as the rhythmic floor. Reid's scatty bossa phrasing is breathtaking. "Anyway" appeared in a different mix on the 2006 reissue as a bonus track. This one doesn't illuminate much, but it is a gorgeous sketch. "Funny" also appeared in a different take on the reissue and offers gorgeous chord voicings by Lindley and Reid. It never appeared on the album either. The Other Side of the River contains two throwaways in "Celtic Melody" and the solo piano "Late Night Idea," but the producers make a case in the liner notes. This document is far more than a mere curiosity. For anyone who appreciates the original, this offers a deeper revelation of the process in and context of Reid's classic.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Ganze sieben Jahre liegen zwischen dem auf City Slang ver�ffentlichten f�nften Sophia-Song-Schatz There Are No Goodbyes und diesem nahezu im Alleingang eingespielten 2016er Album. Bis auf das Schlagwerk (Jeff Townsin) lag auch die instrumentale Ausgestaltung der zehn neuen Songs ganz in den H�nden Robin Proper-Sheppards, der die kunstvoll-melancholischen Weisen aus einem reichen Liedgut-Schatz sch�pfen konnte, den er in der langen Ver�ffentlichungspause schreibend anh�ufte. Und die lange Entwicklungszeit trug das ihre zum Reifungsprozess der zehn nahezu epischen Song-Kleinode bei, gelingt es dem ehemaligen Gott-Maschinisten doch, verschiedene Sound-Szenarien in ungeteilter Musik-.Majest�t ebenso kunstvoll wie organisch zu verbinden, akustisches Folk-Feinwerk und wurzelnahe Singer-Songwriter-Purit�ten mit vehement wogender, nahezu progressiv-phantastischer Constellation-Klangf�lle und ungehemmter Keyboard-Farbenvielfalt zu vereinen und mit seiner sanften Stimme sinnierend �ber einen weiten Ozean zu schweben, der bei jedem neuen H�ren an Tiefe gewinnt. Zwischen dem irdenen Country-Rock-Schleppen eines Neil Young und der Verletzlichkeit eines Bonnie Prince Billy, Klang-Rausch-Wellen von kanadischer Wucht, der angerauhten Gef�hlstiefe eines Ryan Adams, der Songwriter-Reife eines Lloyd Cole und der gelassenen Gr��e einen Robert Forster entfaltet sich ein ebenso gef�hl-, geist- wie ideenreich arrangiertes und dargereichtes Song-Kunstwerk von gehobener Eleganz, wie es nur wenige zu erschaffen wissen. Ein bleibender Diamant von rauschhaft-reifer Delikatesse.

(, Glitterhouse)

Nach vierjähriger Veröffentlichungspause k�ndigt die Berliner Band Brokof ihr drittes Studioalbum "Cool Fame" an. Auf ihrem neuen Album hören wir Brokof ganz unmittelbar, ungefiltert und authentisch. Die Idee entstand aus einer Küchentisch-Session in Brokofs Studio im Sommer 2013. Es wurde einfach drauf losgespielt, ein paar Songs mit dem Handy aufgenommen und jeder spürte, dass es alles direkt in eine Richtung ging. Oder wie die Band es selbst beschreibt: "Wir spielten und spielten, und ganz langsam fanden wir ein neues, ein geradezu mystisches Gef�hl von Freiheit und Unbefangenheit, dass wir nicht mehr verlieren wollten. Uns war dabei völlig egal, was die Au�enwelt von dem halten w�rde, was wir hier machten, wir hatten einfach Freude am gemeinsamen Spielen." "Cool Fame" ist das klangliche Ergebnis dieser Freude an der Musik.

Laura Gibson weiß, wie man weitermacht

»Empire Builder« ist definitiv das persönlichste Album in der bisherigen Karriere von Laura Gibson. Dass die neue Platte der US-amerikanischen Singer-Songwriterin 2016 an den Start geht, hat sowohl mit persönlichem Einsatz, der Unterstützung vieler wohlgesinnter Menschen und einer riesigen Portion Glück zu tun.

Der Grund: 2015 brannte das Haus, in dem Laura Gibson wohnte, nach einer Gasexplosion komplett nieder. Zwar bleib die Sängerin unversehrt, verlor jedoch sowohl einige ihrer Instrumente, als auch sämtliche Texte, die sie bereits für das neue Album geschrieben hatte.

Die darauffolgenden Monate verbrachte sie also damit, ihr Leben wieder aufzubauen � was ihr mit der Hilfe und Spenden von Freunden und Fans auch gelang � so wie die Aufnahmen zu »Empire Builder«. Der Name ist also ein Stück weit Programm. So handelt das Album von Unabhängigkeit, Einsamkeit, Verlust und Wiederherstellung. Alles verpackt Gibson in ihr gewohnt melodisches Gewand aus Pop, Country und Folk.

Unterstützung bekommt sie dabei von einigen namhaften Vertretern ihres Genres. Mit von der Partie auf »Empire Builder« sind der Gitarrist Dave Depper (Death Cab for Cutie, Menomena), Drummer Dan Hunt (Neko Case), Bassist Nate Query (Decemberists) sowie Sängerin Alela Diane. Für die Streicherarrangements sorgte niemand Geringeres als Peter Broderick. Bei der Produktion half zudem John Askew (Neko Case, The Dodos).

So entstanden insgesamt zehn neue Songs, die Gibson wie gewohnt selbst schrieb. Einen ersten Eindruck von der Platte gab sie vorab mit der Veröffentlichung des Titeltracks. »Empire Builder« zeigt, was den Hörer auf dem gleichnamigen Album erwartet: moderner Folkpop mit Hang zur Melancholie.

Im Leben ist nicht immer alles eitel Sonnenschein. Laura Gibson hat das am eigenen Leib erfahren. Sie weiß aber auch, wie man wieder aufsteht, weitermacht und wie man Songs darüber schreibt. »Empire Builder« ist ein Album voller Lichtblicke.

Aus vielen Einflüssen (...) zaubert die Flüsterfee sparsam instrumentierten Folk-Pop, so fragil, so sanft, so introvertiert, dass man mitunter meint, den Atem anhalten zu müssen.

(Audio, Mai 2016)

Ein weiteres gro�artiges Album.

(stereoplay, Mai 2016)

Entschlossener Folkpop ohne Kleinmädchenhaftigkeit: Die Songschreiberin trotzt dem Leben gro�e Momente ab.

(Rolling Stone, April 2016)

Ein sensibler Folkstar l�dt seine federleichten Songs mit m�chtigen, disruptiven B�ssen, Elektrobrummen und Stimmverzerrer auf. Justin Vernon aka Bon Iver verm�hlt Elektropop und zeitgen�ssischen R&B mit klassischem Songwriting. Wie sich James �Blake vom minimalelektronischen Post-Dubstep-Dancefloor zum Singersongwritertum bewegt hat, so bewegt sich Vernon aus dieser Richtung in die andere. Am Ende stehen aufw�hlend wehm�tig wummernde Tracks neben einer Restmenge an fluffig-folkigen. Gemeinsam haben sie Vernons Talent f�r eleganten Kitsch. Ein ebenso spektakul�res wie spekulatives Album. Bester Song: "Damn Sure"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

Wenn die Chemie stimmt

Die Chris Robinson Brotherhood meldet sich 2016 mit einem neuen Album zurück. Dabei handelt es sich um den mittlerweile vierten Longplayer der Bluesrocker.

Für die Albumsessions zog es die Band diesmal in den Norden Kaliforniens, wo sie an der Seite eines Berges mit Blick über den Pazifik aufnahmen. Statt aber wie sonst mit einer Handvoll fertiger Songs ins Studio zu gehen, begannen sie erst einmal mit ausgiebigem Jammen. Alles, was Bandleader Chris Robinson mitbrachte, waren Songfetzen, Refrains, Melodien, nichts weiter.

So ließ die Bruderschaft ihre ganze Erfahrung und Kreativität spielen, nahm alle Songs selbst auf und produzierte "Anyway You Love, We Know How You Feel" kurzerhand in Eigenregie. Die Platte wird zudem bei Chris Robinsons eigenem Label Silver Arrow Records veröffentlicht.

Das Resultat zeigt, dass die Chemie nach zwei Jahren auf Tour einfach stimmt. Und auch der neue Drummer Tony Leone, der auf "Anyway You Love, We Know How You Feel" erstmals mit von der Partie ist, fügt sich perfekt in den Signature-Sound der Band ein.

Der liegt wie schon bei ihren Vorgängern irgendwo zwischen Blues- und Psychedelic Rock. Zum wiederholten Mal nimmt die Chris Robinson Brotherhood ihre Hörer so mit zurück in die 1970er-Jahre. Einen ersten Vorgeschmack auf das neue Album gab die Band bereits im Mai 2016 mit dem Song "Narcissus Soaking Wet".

"Anyway You Love, We Know How You Feel" zeigt, was möglich ist, wenn die Chemie innerhalb der Band einfach stimmt: psychedelischer Bluesrock in Perfektion.

Von Sonne und Meer geprägtes viertes Vollwerk der Brüderschaft, zeitlose amerikanische Rock-Kunst, gelassen dargereicht in herz- und lustvoll ausgespielten Song-Epen zwischen sattem Southern Rock, vokalharmonischem Westcoast, sonnengereiftem Yacht-Rock und feinstem Funk. Improvisationsverliebt in den nordkalifornischen Bergen (mit Blick auf den Pazifischen Ozean) eingespielt, atmen die acht ausschweifenden Saft-Rock-Stücke eine durch jede Zeile gleißende Freiheit, man spürt den im gemeinschaftlichem Spiel entstandenen Weisen das befruchtende Wirken des kongenial agierenden Quartetts an , auch der neue Schlagwerker Tony Leone (Ollabelle, Levon Helm) fügt sich nahtlos ins Gruppen-Werk ein, das nach wie vor aber vom kreativen Doppelkopf Robinson/Casal bestimmt wird. Während der eine mit seiner markant schneidenden Stimme seine unverkennbaren Spuren hinterlässt, sorgt der andere mit seinem reif-rockigen Saitenspiel für ein Stil- und Zeiten-vereinendes, von immenser Handwerks-Kunst und beeindruckender Erfahrung getragenes Abbild der goldenen Jahre der amerikanischen Rockgeschichte. Bereichert um allerlei Tastenwerk (mit der Betonung auf 70�s Analog-Keyboard-Klänge zwischen Rhodes, Clavinet, Boogie-Piano und fetten Synth-Tupfern), markante Mundharmonika und vielstimmige Vokalharmoniesätze entstehen naturnah fließende, Groove- und Riff-reiche Reif-Rock-Songs, die ihre Vorbilder nicht verleugnen, aber dennoch in einer Klasse ganz für sich spielen. Und während die Hauptakteure sich rein äußerlich (vor allem bartwärts) immer mehr in Steve Earle-Richtung bewegen, kocht ihr musikalischer Eintopf, mal verhalten, mal heftig, zwischen Stevie Wonder und Allman Brothers Band, Jamiroquai und Rolling Stones, um schließlich mit einem The Band-werten Cosmic American Music-Kehraus seine wahren Wurzeln zu offenbaren. Saftig, reif und gut.

(cpa, Glitterhouse)

Der Spielmacher ist das Album zum gleichnamigen Fußball-Musical, das Regisseur Patrick Wengenroth und Maurice Summen (Die Türen/Staatsakt) gemeinsam konzipiert haben. Musical wie Album bietet Musik von und mit Die Türen, Christiane Rösinger, Jens Friebe, Chris Imler und Andreas Spechtl, die nicht zuletzt auch Rollen im Stück übernehmen und ihre Stücke live vortragen.

Der Plot, den die beteiligten Musiker in ihren Stücken weiterspinnen, geht wie folgt (bitte vergleichen Sie dazu auch das für sich selbst sprechende Tracklisting des Albums): In der Welt des Drittliga-Klubs Bussard Berlin dreht sich alles um das Runde, das irgendwie ins Eckige muss. Hier ist der wahre Star natürlich die Mannschaft und die Ware Wahrheit liegt irgendwo auf dem Platz � Fußball als Realitätsmodell.

»Korruption ist mein Verein«, lautet die Vereinsdivise. Patrick Wengenroth und der halbe Stall des Berliner Labels Staatsakt. rund um die Haus- und Hofband »Die Türen« bringen zusammen das Fussical Der Spielmacher auf die Bühne: einen leistungsorientierten Theater-Hybrid aus Fußball und Musical, in dem das Flutlicht vor allem vor und nach dem Spiel auf seine Protagonisten scheint.

Dem Freund und Kenner des Schaffens des weitverzweigten McGarrigle/Wainwright-Clans (incl. der Verwandt- & Freundschafts-Ausläufer bis hin zu Emmylou Harris, Richard Thompson, Peggy Seeger, Martin Carthy uswusf.) ist der Name des Mathematikers, Philosophen, Instrumentalisten und Sängers Tannenbaum zumindest aus unzähligen Linernotes derart geläufig , dass man angesichts dieses 2016er Solo-Debuts überrascht innehält. Unterstützt von Lang-Weggefährten wie Loudon Wainwright III und Davis Mansfield und einer wohlgewählten Schar neuer Bekannter nahm der verlässliche Vokal- & Instrumental-Zuarbeiter sein erstes eigenes Album nach 50 Jahren des Begleitens auf und schenkt uns eine bestens abgehangene 12-Song-Sammlung aus eigenem Material und ausgesuchtem Fremdwerk. Mit Verlaub: Das wurde aber auch Zeit.

(cpa, Glitterhouse)

Erste und einmalige, zudem schwerst limitierte Vinyl-Auflage der T6-Werk-Auswahl, zusammengestellt aus dem gesamten Bandschaffen von niemand geringerem als Chris Eckman. In zehn (bzw. 15) Songs wird die Geschichte des �ber die Jahre merklich gereiften Projektes von Terri Moeller (Walkabouts) und Paul Austin (Walkabouts/Willard Grant Conspiracy) erz�hlt, zun�chst als Spielwiese f�r die eigenen Ideen geplant, dann aber von Album zu Album zu wunderbarer Eigenst�ndigkeit gewachsen. W�hrend das Vinyl zehn auserw�hlte Songs versammelt, finden sich auf dem beigef�gten Download-Code 15 Tracks (LP-Inhalt plus 5 Bonusst�cke, darunter zwei exklusive Akustik-Live-Versionen). Zusammen ergibt sich ein gro�artig gelungener Querschnitt aus den zum Teil seit langem gestrichenen Bandwerken Transmissionary Six, Cosmonautical, Spooked, Get Down, Radar und der Glitterhouse-Mailorder-only-Ver�ffentlichung 5.21.05, bereichert um rares Non-Album-Material. Die LP kommt als 180 Gramm schweres rotes Vinyl im Edel-Heavy-Cover, erscheint in einer weltweit auf 250 Exemplare limitierten Erst- & Einzig-Auflage und ist hierzulande nur bei Glitterhouse erh�ltlich.

"How to describe the songs of the Transmissionary Six? Sultry noir-rock; sonic gems where the blissful times merge with the twisted times."

(Chris Estey, music writer, (MAGNET, Rolling Stone, featured in "The Best Music Writing of 2010" (Da Capo Press) as edited by Ann Powers.)

"Everyone loves vinyl, and there has never been any Transmissionary Six music on vinyl, even though people would ask for it - and still ask for it!" says Paul Austin, who - along with vocalist and co-writer Terri Moeller - helmed the band through seven records and six tours over a ten year span. After many requests, this is a gap that will be remedied on June 03; "Selected Songs 2002- 2012", a ten song compilation drawing from each album, will be released. "It sounds beautiful," says Austin, "because our friends Jeff and Maria at Peerless did a wonderful job optimizing the songs for vinyl. No surprise there, since Jeff�s a Grammy nominee for mastering!." And Speaking of Grammy awards, another participant in the record can say the same. Highly regarded producer Tucker Martine (Jayhawks, Neko Case, The Decemberists, My Morning Jacket, M.Ward, KD Lang and Laura Veirs) recorded and mixed six of the album�s ten songs.

The album itself is, as mentioned above, a ten-song collection, on 180 gram red vinyl. "The artwork was a respectful tip of the hat to the Folkways albums we love," says Austin, "and not only with the design; we asked for an extra heavy record jacket, and made sure the insert with lyrics and credits is on nice thick art paper." Although the album has ten songs, those who get the album will find that the download card enclosed not only delivers the album, but unlocks five bonus tracks as well, including a couple of duo performances that have never been shared anywhere.

How to choose ten songs from the band�s catalog? "We couldn�t agree" laughs Austin. "So we decided the song list would be chosen by someone who has been listening from the beginning - Chris Eckman. Although he�s produced and mixed many records, for some reason we never got around to having him produce a Transmissionary Six record; scheduling never allowed for it." The result is that Chris knows the music as a fan first. He chose the ten songs for the album, right down to the running order on each side!�

"The Transmissionary Six � Selected Songs 2002-2012" is a limited edition pressing; only 250 were made, "and that will be it" says Austin. "When those two hundred and fifty are gone, the albums are gone. There are only two places to get it � it was of course natural to have our friends at Glitterhouse handle all EU orders, and we worked with them to make sure it would be available to fans at a very fair price, even with the limited edition."

"One of the great things about having musicians as trusted friends is that you are at times allowed a privileged view of their artistic process. Sound files of works-in-progress get sent via email or you are at least one of the first to receive their newly pressed CD. I still remember playing the debut, self-titled album of Transmissionary Six and being floored. I had been in a band with Terri Moeller for ten years at that point, and while I knew her as a "sister" and as an exceptionally gifted drummer (and occasional harmony singer) I had no idea she was a vocalist with a rarefied style of her own. Paul I knew of course through Willard Grant Conspiracy and their fine albums and the touring The Walkabouts and Chris & Carla had done with them. For sure he was a cool guitarist and exceptional songwriter, but the slow jam sonics he created with Terri, as a duo, arrived largely unexpected. How it all came together was a wonderful mystery to me, and that element of surprise and exploration was thrillingly maintained, album-by-album for the next ten years. I recall sending emails to them, each time I heard their latest recording, stating more or less the same thing: �this is your best yet.� But when I think back, that wasn�t really true. This was a group that was singular, complete and magical from their first idiosyncratic soundscapes straight through to the wide-screen pop gems with which they ended. As a huge fan it is momentous for me that these songs are at last going to end up on vinyl. I can�t wait to pull the red disc out of the sleeve and send it spinning. The sound of trusted friends. The sound of a wondrous unsolved mystery."

(Chris Eckman)

The last word? "Terri and I are excited," says Austin, "and we hope others will be excited as well."

(Glitterhouse)

Ein wahres Schmuckstück für die Glitterhouse-Mailorder-Only-Serie, deren recht freie Erscheinungsweise eigentlich nur noch zum Reiz der Reihe beiträgt. Nicht, dass diese zunächst unaufdringlich schlicht im Klapp-Digifile daherkommende Pretiose eines zusätzlichen äußeren Reizverstärkers bedurft hätte -erhält doch selbst der Kenner der Acda-Alben mit diesem Live-Mitschnitt noch mehr, als er erwartet. Lässt einen das akustische Zartgeflecht ihres großartigen Glitterhouse-Debuts The Sparkle In Our Flaws glauben, dass ein Eins-zu-Eins-Umsetzen kaum ohne Verluste möglich wäre, so sah man sich bereits beim bezaubernden OBS-Auftritt positiv getäuscht. Dieser auch klanglich kostbare 6-Kunst-Stück-lange Mitschnitt eines 2016er Konzertes im Hot Jazz Club, Münster, aber weiß der Magie des Beverunger Gartens noch eine intim-intensive Ebene hinzuzufügen, erst in den hier wieder und wieder erlebbaren, zum Teil köstlich ausufernden, bis zu 13 Minuten langen epischen Ausformungen beginnen die zunächst so sanft und zurückhaltend beginnenden Kleinodien ihr wahres Wunderleben zu entfalten. Und so entstehen vielfarbig irisierende akustische Edelsteine zwischen zartest gesponnenen Akustik-Netzen und ausschweifenden Klang-Wolken von nahezu progressiver Phantasie, geprägt von vielinstrumental flirrender Meisterschaft ihrer ebenso kleinen wie feinen Begleitmannschaft, die die kostbaren Ton-Teppiche mithilfe von vielerlei Seiten-, Tasten- und Schlagwerk knüpft (als exotischer Gast schenkt ein Euphonium faszinierende Farbtupfer), final verzaubert von der herzrührend sanften, nahezu magisch unter die Haut schleichenden Stimme der feenartigen Protagonistin. Trotz mitunter leiser und leisester Noten umspülen den Hörer mitreissende Dynamik-Wechsel-Wogen, und trotz fester Wurzeln in der reinen Singer-Songwriter-Kunst entspinnt sich ein vor Phantasie sprühender Klang-Kosmos, der den unverzüglich verliebten Lauscher nahtlos und nachhaltig gefangen nimmt und hält. Ein zwischen verzaubernder Zurückhaltung und herzhaftem überborden schillerndes Live-Musik-Erlebnis, das mit nackten Worten kaum zu bändigen ist, fast zu schade für eine Mailorder-Only-Veröffentlichung (was aber dies Kleinod gleich noch eine Idee werter werden lässt ...).

(cpa, Glitterhouse)

Dinosaur Jr. sind eben viel beschäftigt

Ganze vier Jahre mussten Dinosaur-Jr-Fans auf ein Lebenszeichen der Band warten, zumindest was eine neue Veröffentlichung angeht. Mit »Give A Glimpse Of What Yer Not« stellen die Indierockikonen 2016 endlich ihr neues, mittlerweile elftes Studioalbum vor.

Was die letzten Jahre betrifft, so haben sich Gitarrist J Mascis, Bassist Lou Barlow und Schlagzeuger Murph aber keineswegs ausgeruht. Im Gegenteil: Zwischenzeitlich waren sie sehr beschäftigt. Lou Barlow veröffentlichte mit seiner Band Sebadoh das Album «Defend Yourself« (2013) und zwei Jahre später sein drittes Soloalbum »Brace The Wave« (2015). Mascis veröffentlichte unterdessen sein zweites Soloalbum »Tied To A Star« (2013) sowie »The Golden Age Of Glitter« (2014) mit seiner Band Sweet Apple.

Insgesamt elf Songs haben Dinosaur Jr. für »Give A Glimpse Of What Yer Not« aufgenommen, darunter auch »Tiny«, die erste Singleauskopplung. Der gut gelaunte Gitarrensong ist irgendwo zwischen Skatepunk und Indierock anzusiedeln und ein perfektes Aushängeschild für das neue Album

Nach vier Jahren hat das Warten ein Ende: Dinosaur Jr. melden sich mit ihrem neuen Album »Give A Glimpse Of What Yer Not« zurück.

Gitarre, Bass, Schlagzeug, Gesang: Das beste Indie-Rock-Trio der Welt macht nichts falsch.

(musikexpress, August 2016)

... wenn Mascis auf seiner Fender Jazzmaster zu einem seiner jubilierenden über-Solos ansetzt, dann fliegt auch auf dem neuen Werk unzweifelhaft die Kuh.

(Audio, September 2016)

Ein Album, das zu den besten der Band zählt.

(Visions)

Musikalisch ist ein besser funktionierendes Rock-Trio nicht vorstellbar.

(Musikexpress)

Dinosaur Jr. bleiben auch nach 30 Jahren bei ihrem Trademark-Sound und optimieren ihn ein weiteres Mal.

(Intro)

Man könnte schnell in den Euphoriestrom geraten und sagen, das sei das beste Dinosaur Jr. Album überhaupt. Wir beschränken das mal auf: Es ist das beste der zweiten Schaffenshälfte der Band.

(Tonspion. de)

Der Krach und die Euphorie, die kompromisslose Haltung, das Außenseitertum und der signifikante Sound, die Melancholie und die Eufonie: Kaum eine Band bringt all das so flanellhemdsärmelig zusammen wie Dinosaur Jr.

(Rolling Stone)

Dinosaur Jr., eine der wichtigsten Bands der Welt. (... ) Die Platte stürmt los mit »Going Down«: wie ein Soundtrack zu einem Film, in dem eine Kutsche, vor die man eine Horde lilafarbener Dinosaurier gespannt hat, durch einen immer dunkler werdenden Wald rast. übersteuerte Fender-Gitarren, die ungefiltert verzerrt durch Marshall-Boxen in dein Ohr eindringen. Immer wieder singt, fragt J Mascis: »R U with me?« (... ) J, I am with you!

(Spiegel Online / Oliver Polak)

Die d�stere F�rstin der dunkel-delikaten Chanson-Kunst ist zur�ck und wei� mit ihrer dritten Song-Kollektion noch mehr zu verwirren, noch tiefer zu ber�hren, noch finaler zu faszinieren. Ihre einzigartige, ebenso emotionsreiche wie artifizielle, herzr�hrend weiche wie schneidend rohe, seelen-warme wie bitter-k�hle Musik-Melange entzieht sich noch mehr der einfachen Klassifizierungsversuche als bislang, und dennoch verspr�hen die dunklen Klang-Kristalle einen unwiderstehlichen Zauber. Auch die mal artistisch abgehobenen, mal ungemein erdnah ausgestalteten Arrangements tragen das ihre dazu bei, gleichzeitig eing�ngig und sperrig zu wirkend, den Song umgehend in die Seele zu tragen und dennoch bei jedem neuen Zusammentreffen mit neuen Facetten zu locken. Und �ber dem kochend-k�hlen Frost-Feuer aus perlendem Piano und rauh-rohen Gitarren-Riffs, schwelgerischen Streichern und k�hnen Klangspielereien, sengender Steel, verzaubernden Violinen-Visionen und ungemein farbreich vielf�ltiger Perkussions-Phantasie thront die K�nigin dieses kathartischen Klang-Reichs. Mit ihrer tief unter die Haut und ins Herz schneidenden K�hle zwischen Marlene Dietrich und Nico beherrscht sie die nachtschwarze Welt der gro�en Gef�hle zwischen tragischer Tindersticks-Tristesse und weitreichender Walkabouts-Wehmut, einst�rzenden Neubauten und gr�ndelndem Tom Waits-Poltern, zwischen Brel und Brecht, verf�hrt den H�rer auf akustische Abwege, um ihn mit musikalischer Macht auf ewig gefangen zu nehmen. Rauh-romantische, roh-reife, gef�hlvolle wie experimentierfreudige Singer-Songwriterkunst von delikater, dunkler, bleibender Gr��e.

(cpa, Glitterhouse)

Wie Micha Acher es schafft, auf so vielen Hochzeiten gleichzeitig zu tanzen, wissen wir nicht. Wir wissen nur: Was immer das Mastermind von Notwist, der Tuba-Spieler von Millipede, der Trompeter der Landlergschwistern und der Hochzeitskapelle anf�ngt, das hat Hand und Fu�.

Das gilt nat�rlich auch f�r seine zweite Scheibe mit dem Alien Ensemble. 2010 gr�ndete er dieses Projekt, um seinen beiden gr��ten Leidenschaften � dem Trompetenspiel und dem Kreieren von komplexen Instrumental-Arrangements � Raum zu geben. 2014 erschien das erste Album auf Alien Transistor, dem Label, das Micha zusammen mit seinem Bruder Markus Acher betreibt.

Wie schon damals ist der Klangkosmos nahezu unbegrenzt, Jazz und Krautrock, Ambient und imagin�re Filmmusik kommen vor und etwas, das man vorsichtig gar als Pop bezeichnen k�nnte. Sehr reduziert, auf den Punkt und doch wundervoll abschweifend klingt das. Ein Album, um sich darin zu verlieren, und das doch immer einer klaren Perspektive folgt.

Das Album �2� schl�gt eine Br�cke zwischen Retro-Jazz-Stimmungen der Sechziger, zeitgen�ssischer Kammermusik, filmmusikalischer Atmosph�rik, strukturellem Minimalismus und einem Hauch von Rock-Appeal. Mit viel Bl�ser-Natursound umgesetzt, entstehen auf diese Weise dichte Klangerz�hlungen mit reichlich Assoziationsraum beim H�ren.

(stereoplay, Oktober 2016)

Devendra Banharts neuer Freak-Folk-Meilenstein

�Ape In Pink Marble� hei�t das neue, mittlerweile neunte Album von Devendra Banhart. Damit legt der amerikanisch-venezolanische S�nger und Gitarrist 2016 einen weiteren Meilenstein des Freak-Folk vor.

Insgesamt 13 neue Songs hat Banhart f�r �Ape In Pink Marble� komponiert, arrangiert, aufgenommen und produziert. An seiner Seite standen dabei wieder die Produzenten Noah Georgeson und Josiah Steinbrick, die bereits an seinem Vorg�ngeralbum �Mala� von 2013 mitgearbeitet hatten.

Das Resultat zeigt, dass der Musiker seinem unverwechselbaren Musikstil treu bleibt, der irgendwo zwischen Psychedelic, Indie, Folk und Singer-Songwriter liegt.

Mit �Middle Names� und �Saturday Night� ver�ffentlichte Devendra Banhart bereits im Juni und August zwei erste Kostproben der Platte.

Alles andere als gew�hnlich: Mit seinem neuen Album �Ape In Pink Marble� zeigt Devendra Banhart, dass er zu den spannendsten und talentiertesten K�nstlern der Gegenwart geh�rt.

Der Klang der G�ttin: �Gefion� mit dem Trio von Jakob Bro

Der d�nische Jazz-Gitarrist Jakob Bro hat schon einige Alben als Leader eingespielt. Mit �Gefion� stellt er nun sein neues Trio vor. An seiner Seite spielen der kreative Bassist Thomas Morgan und Schlagzeuglegende Jon Christensen. Ungew�hnlich und doch typisch f�r den Jazz unserer Tage ist die Tatsache, dass Christensen so alt ist wie Bro und Morgan zusammen.

�berhaupt ist �Gefion� ein Album, auf dem es einen Leader gibt, auf dem man das jedoch zu keinem Zeitpunkt h�rt. Die elektrische Gitarre von Bro ist zwar klanglich dominanter als das entdeckungsfreudige Schlagzeug von Christensen und die erfindungsreichen Basslinien von Morgan, aber im Grunde f�hren sie demokratisches Trio-Spiel par excellence vor.

Auf seinem neuen Album �Gefion� liefert Bro ein zartes Geflecht aus Melodien, wie Sph�renkl�nge. Morgan und Christensen f�llen es mit ihrer Vorstellungskraft aus. Gleichzeitig bleibt die Musik im ruhigen Fluss. Die gro�en musikalischen B�gen, die das Trio spannt, lassen gen�gend Luft f�r die Gedanken der H�rer. Diese Musik entzieht sich allen Kategorien, f�llt aus g�ngigen Schemata und l�sst sich doch auch von nicht ge�bten Jazz-H�rern gut erschlie�en.

Die G�ttin �Gefion�, nach der Jakob Bro, Thomas Morgan und Jon Christensen das Album benannt haben, soll von Odin den Auftrag erhalten haben, ein sch�nes Land f�r die Menschen zu erschaffen. Diese Aufgabe stellt sich offenbar auch das Trio: Wer m�chte, kann sich dieser Musik einfach hingeben, den sch�nen Kl�ngen lauschen und sich daran erfreuen. Andererseits ist �Gefion� auch dazu geeignet, sich die Kunst dieses Trios intellektuell zu erschlie�en.

�Gefion� von Jakob Bro im Trio mit Thomas Morgan und Jon Christensen ist bester Jazz auf hohem Niveau und au�erdem f�r H�rer geeignet, die ruhige Klangpoesie m�gen.

Jakob Bro ist ein Mann der leisen, sparsamen T�ne; ein Klang�sthet, der mit Effekten spielt, dem Ton Zeit gibt, ihn schweben und ausschwingen l�sst, Arpeggio- oder Picking-Techniken einbezieht.

(Fono Forum, M�rz 2015)

D�stere Zeiten

Am 9. September 2016 erscheint ein neues Werk von Nick Cave & The Bad Seeds. �Skeleton Tree� soll das 16. Album hei�en und acht neue Titel umfassen. Weitere Vorabinformationen gibt es nicht � keine Vorabsingle, keine H�rproben.

Alle Fans von Nick Cave brauchen sich nun aber nicht �rgern. Der gro�e Wunsch nach mehr Informationen wird mit einem extragro�en Paukenschlag erf�llt. Allerdings m�ssen sich daf�r alle Interessenten am 8. September im Kino einfinden. Nur an diesem Tag wird in weltweit 650 Kinos der Film �One More Time With Feeling� gezeigt. Auch in Deutschland sind von Hamburg bis Stuttgart zahlreiche Lichtspielh�user dabei. Zu sehen gibt es die Live-Performances der neuen Songs und Interviews sowie ein paar Schilderungen und Gr�beleien von Nick Cave.

Regie bei �One More Time With Feeling� f�hrte Andrew Dominik. F�r Dominiks Film �Die Ermordung des Jesse James durch den Feigling Robert Ford� (2007) schrieben Nick Cave und Warren Ellis, der Multiinstrumentalist der Bad Seeds, die Musik. Man kennt sich also schon l�nger. �One More Time With Feeling� wurde in schwarz-wei� und in Farbe gedreht sowie in 2D und 3D. Der Film war urspr�nglich als schlichte Performance-Aufzeichnung konzipiert. Zu etwas viel Bedeutsamerem wurde das Projekt jedoch, als der Regisseur tiefer in die tragische Entstehungsgeschichte und die Themen f�r das neue Album eintauchte. Das Ergebnis sei �karg, fragil und rau� sowie �das Verm�chtnis eines K�nstlers, der versucht, seinen Weg durch die Dunkelheit zu finden�, hei�t es auf der Homepage von Nick Cave & The Bad Seeds.

Die Arbeit am Album �Skeleton Tree� begann bereits Ende 2014 in den Reatreat Studios in Brighton, weitere Aufnahmen fanden 2015 in den La Frette Studios in Frankreich statt. Gemischt wurde schlie�lich Anfang dieses Jahres in den Londoner AIR Studios. In dieser Zeit hat sich f�r Nick Cave auch ein schrecklicher Verlust zugetragen. Im Juli 2015 verstarb sein 15-j�hriger Sohn Arthur, nachdem er in Brighton von einem Kliff st�rzte.

Tragische Ereignisse gibt es nicht wenige in Nick Caves Leben. Als junger Erwachsener verlor er seinen Vater bei einem Autounfall und er selbst musste eine Heroinsucht �berwinden. Schon immer durchziehen d�stere Themen und melancholische Stimmungen seine Musik. Ganz bestimmt werden die j�ngsten Ereignisse auch ihre Spuren auf dem neuen Album hinterlassen.

Ein �Skeleton Tree�, ein Baum ohne Bl�tter und ohne sichtbares Leben, ist f�r viele sicher ein Sinnbild der Traurigkeit. Ein starker Stamm mit nackten Zweigen und seinen immer feiner werdenden Ver�stelungen tr�gt aber gleichzeitig auch eine gro�e Sch�nheit in sich. Das ist der Kern von Nick Caves �uvre.

Nachtschattige Rhythmen, verzerrte Sounds, Songs wie aus einem Requiem (�Distant Sky�), aber auch Hoffnung atmende St�cke wie �Anthrocene� oder �Girl In Amber� mit engelsgleichem Stimmgew�lk, verbinden sich zu einem mutigen, introvertiertem Werk voller Tiefe und Hingabe.

(Audio, November 2016)

Auch der Sound ist anders. Grundlage sind zwar weiter, wie schon beim ruhigen 1997er Album The Boatman�s Call, die schleppenden Mollakkorde auf Piano und Orgel. Doch Bad-Seeds-Mitglied und Co-Produzent Warren Ellis sorgt mit Synthesizern und elektronisch verfremdeten Instrumenten f�r allerlei au�erweltlichgespenstisch klingende Drones und Loops. Inmitten einer tiefen Krise ist Cave eines seiner besten Alben gelungen.

(Good Times, Dezember 2016 / Januar 2017)

Kein Album �ber den Tod seinen Sohnes, wie suggeriert wurde, indem die Platte in der Nacht nach dem Tag erschien, an dem der Dokumentarfilm �One More Time With Feeling� im Kino gezeigt wurde. Der Film ist eine Selbstbespiegelung des K�nstlers als alternder Mann, �Skeleton Tree� ist eine Platte der suchenden Skizzen, die Nick Cave mit Warren Ellis geschrieben hat, der l�ngst nicht mehr nur Geige spielt, sondern Piano, Wurlitzer, Gitarre und Synthesizer � verwandt ihren Filmmusiken, atmosph�risch, mit Loops und Rezitationen, Alarmsirenen und Balladenpathos. Vielleicht �Caves erste experimentelle Platte. Bester Song: "Distant Sky"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

Mit �We're All Gonna Die� ver�ffentlicht die US-Rockband Dawes ihr f�nftes Album auf dem eigenen Label HUB Records. Das Album wurde von Blake Mills (Alabama Shakes) produziert, der bereits f�r mehrere Grammys nominiert wurde, und enth�lt Gastauftritte von Jim James (My Morning Jacket), Brittany Howard (Alabama Shakes), Mandy Moore, Will Oldham und Lucius u.a..

Nachdem die Band weltweite Headline Shows und Tourneen mit u.a. Bob Dylan, Mumford & Sons, Conor Oberst und Jackson Browne absolvierte, ist es nun endlich Zeit f�r das neue Album. S�nger und Gitarrist Taylor Goldsmith sagt �ber das Werk, dass so gut wie jeder Song auf diesem Album versucht schwierige Situationen im Leben eines Jeden zu erforschen und das Gute darin zu finden oder sich zumindest daran zu erinnern, dass es im Endeffekt auch schlimmer h�tte kommen k�nnen. Denn, so schlimm es auch ist, am Ende werden wir alle sterben!

Das f�nfte Album der Dawes ist nicht das erste mit fantastischen Songs, Taylor Goldsmith braucht sich l�ngst nicht mehr hinter seinem F�rderer Jackson �Browne zu verstecken. Aber nun haben die Kalifornier etwas Erstaunliches geschafft: ihren Folkrock mit einem vielseitigen, manchmal fast irritierend wuchtigen Sound aufzuladen, ohne ihn dabei seiner Sanftmut zu berauben. �Roll With The Punches�, empfiehlt Goldsmith mit der f�r ihn typischen Ruhe, die eher Gelassenheit als Resignation ausstrahlt. Ihm kann nichts Schlimmes passieren: Wenn der Tequila ausgeht, trinken wir eben Champagner. Bester Song: "Quitter"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

Die erste Postpunk-Welle Ende der Siebziger spülte The Monochrome Set ans Licht - und seitdem ist die Band nicht mehr verschwunden. Bis heute gilt sie als ein verlässlicher Vertreter der feinen Popmusik.

Zu ihren Bewunderern zählen Ikonen wie Morrissey, Edwyn Collins, Franz Ferdinand, The Divine Comedy und Graham Coxon. Sie alle weisen The Monochrome Set einen wichtigen Einfluss für ihre eigene Musik zu. Mit ihrem zeitlosen Schwarzweiß-Sound scheint die Band ein Paralleluniversum zu bewohnen: Sie liefert Vergnügen und Verzweiflung, Freude und Furcht, Wohlbehagen und Wehmut, verpackt in melodiöse Popsongs mit wunderlichen Texten.

»Cosmonaut« ist bereits das dreizehnte Album in der langen Karriere. Es lässt sich am ehesten als Trip begreifen, der mit einer halluzinierenden Kassiererin beginnt und dann durch verschiedene Träume schwebt, in denen es um Kannibalismus, unzufriedene Eichhörnchen, seltsame Götter, sterbende Liebste, sexuelle Abgründe, Alzheimer sowie eine rückwärtsgerichtete Evolution geht, um schließlich in einem Operationssaal in einem Meer aus heilenden Tentakeln zu enden. Kurz: als surrealer Campingurlaub.

Es ist ein Geschenk, dass eine so unverzichtbare Band wie The Monochrome Set, gegründet 1978, nach all den Jahren wieder neue Platten macht - die auch noch gut sind!

(Audio, Oktober 2016)

Natürlich liefert dieser Titel sogleich die Assoziation in Richtung Raumfahrt, und wer will, kann sich von dem herrlich hymnischen Pop mit in eine Umlaufbahn nehmen lassen. Kann sich treiben lassen in die geheimnisvollen, fantastischen Nischen seiner Musik, kann sich einlassen auf irre Trips, die mit einer halluzinierenden Kassiererin beginnen und dann durch verrückte Träume führen...

(Good Times, Oktober / November 2016)

Sorry Gilberto sind wieder da! Mit ihrem zauberhaften vierten Album »Twisted Animals« und Liedern, die im Dunkeln leuchten – Musik für die Dämmerung und den strahlenden Tag.

Anne Von Keller und Jakob Dobers bilden ein Duo, welches sich treu bleibt. Duette mit euphorischfröhlicher Melancholie machen »Twisted Animals« zu einem einprägsamen Album, welches sich mit Hall und Echo-Effekten perfekt für Sommertage, an denen es auch regnet, eignet und ein Lächeln auf die Gesichter zaubert. Seit 2007 knüpft diese musikalische Partnerschaft an Klänge wie die von Velvet Underground und Belle And Sebastian an.

»Twisted Animals« berichtet mit Songs von gelben Pullovern, dem Geruch von Kaffee, Besuchen beim Psychoanalytiker, Verlusten von Menschen und Orten. Die elf Songs sollen den Hörern helfen und ihnen neue Möglichkeiten und Wege aufzeigen. Jeder für sich öffnet eine eigene Welt und erzählt Geschichten meist vom Ende an. Aufgenommen haben Sorry Gilberto dieses Album im bekannten Berliner Candy Bomber Studio mit Produzent Ingo Krauss. Die sphärischen Sounds des Omnichords verstärken den analogen Hall und Tape Echo, welche einen Raum öffnenden Effekt schaffen sollen.

Auf »Twisted Animals« wird der von dem Duo bisher skizzenhafte Pop-Entwurf detailgenauer vertont. Überhaupt gibt es diesmal weniger Lagerfeuer und viel mehr After Hour. Der Plattenhall, das Delay und gedoppelte Chöre erzeugen eine gewisse verhangene Entrücktheit, die durch die sehr bildlichen Texte wieder konterkariert wird. So erinnert »Yellow Sweater« mit seinen trockenen Gitarren und den Distortion-Momenten an Neil Young in der »On The Beach«-Phase und in seiner melancholischen Psychedelik an Mazzy Star. Sorry Gilberto haben mit »Twisted Animals« die Details ihres Universums erforscht und haben daraus eine besondere Kraft für ihre Songs gewonnen.

Summen statt Posaunen: Minimalpop-Chansons mit viel Romantik.

Für ihr viertes Album stellen Anne von Keller und Jakob Dobers ihre Minimalpop-Chansons in etwas detailliertere Arrangements und buchstabieren Ideen aus, die auf früheren Platten skizzenhafter geblieben wären. Nun tritt die Romantik, die in diesem Werk immer genauso wichtig ist wie das Karge, ein wenig in den Vordergrund. Sie ist natürlich ohnehin das Herz in dieser Musik, die lieber summt als rausposaunt. Eine der besten Momente schafft "Into The Woods", das eine hypnotische Spieluhrmelodie hat, sich anfühlt wie französisches Autorenkino und viel zu früh vorbei ist. Aber es gibt hier noch viele weitere kleine Wonnen. Die Schlichtheit legt frei, wie schön diese Lieder sind.

(Jörn Schlüter, Rolling Stone September 2016)

Die Ausnahme von der Regel: nicht-manipulativer Indie-Folk.

Vor gut(en) zwei Jahren fand sich der Autor dieser Zeilen – wahrhaft kein großer Freund von larmoyantem Indie-Folk – in einem Kreuzberger Mitmachzirkus für Kinder wieder. Nachts, ohne Kinder. Dafür, im Rahmen einer heiteren Songwriter-Gala, mit den vom Autor befürworteten Künstlern Jens Friebe und Schneider TM, sowie dem ihm radikal unbekannten Indie-Folk-Duo Sorry Gilberto. Neben Sufffantasien rotierten die Songs von letzteren später auf dem Nachhauseweg in seinem Schädel.

Was war geschehen? Wie andere ihrer Zunft arbeiten auch Sängerin, Multiinstrumentalistin und Schauspielerin Anne von Keller und Sänger/Gitarrist Jakob Dobers sich an Alltäglichkeiten ab, interpretieren liebevoll vermeintliche Nebensachen („a yellow sweater on a plastic chair“). Aber sie tun das ohne die ewige Träne im Knopfloch, trachten nicht nach Mitleidsprovokation des Hörers.

Sorry Gilberto durchschneiden den Gefühlsknoten mit „simple melody, nice philosophy, happy song“, erfrischen mit neuen Blickwinkeln, wenn sie etwa den Autoritätsverzicht von schlechtem Wetter loben („dear grey sky, you never push it, I might go for a walk or maybe not“). Die beiden machen schlicht Spaß und wirken dadurch authentischer als die meisten ihrer Schluchzerkollegen. Auf einmal geht die sonst oft Scheinintimität erzwingende Formel mit der kargen Instrumentierung auf, erkennt man wieder, dass es kein falsches Genre gibt. Nur falsche Einstellungen und Absichten.

(Stephan Rehm, Musikexpress September 2016)

Teenage Fanclub sind immer noch »Here«

Lange Zeit war es still um Teenage Fanclub, ganze sechs Jahre sind seit ihrem letzten Release vergangen. 2016, als kaum noch jemand mit ihnen gerechnet hat, zeigen sie plötzlich, dass sie immer noch hier sind. »Here« lautet der passende Titel ihres neuen Albums.

Zwölf Songs haben Norman Blake (Gitarre, Gesang), Gerard Love (E-Bass, Gesang), Raymond McGinley (Gitarre, Gesang), Francis MacDonald (Schlagzeug) und Dave McGowan (Keyboard) dafür gemeinsam geschrieben und in McGinleys Heimstudio in Glasgow sowie im Vega-Studio im französischen Carpentras mit Soundengineer David Henderson aufgenommen. Gemixt wurde »Here« anschließend im Clouds Hill in Hamburg, gemastert am Ende in den legendären Londoner Abbey Road Studios.

Herausgekommen ist ein Album, das, wie sollte es anders sein, eine ausgewogene Mischung aus Alternative- und Indierock sowie Powerpop darstellt. Inhaltlich geht es dabei um die einzigen Dinge, die wirklich zählen: Leben und Liebe. Einen Vorgeschmack gaben Teenage Fanclub bereits mit den beiden Singleauskopplungen »I'm In Love« und »Thin Air«.

»Here« erscheint beim bandeigenen Label PeMa.

Immer noch hier: Mit ihrem neuen Album »Here« zeigen Teenage Fanclub 2016, dass Indierockfans auch nach fast 30 Jahren immer noch mit ihnen rechnen dürfen.

Dennoch - und völlig zu Recht - haben sie sich eine solide Fanbasis erspielt, die auch mit HERE wieder das bekommt, was sie erwartet: herrliche Popmelodien im Rockgewand, feinster Indie Rock mit Ohrwurmgarantie.

(Good Times, Oktober / November 2016)

Anspruchsvoller denn je

Progressive-Rock-Fans aufgepasst: Die legend�ren Van der Graaf Generator melden sich 2016 mit einem neuen Album zur�ck. �Do Not Disturb� hei�t ihr 13. Studiowerk.

Ganze vier Jahre lie�en sich Peter Hammill, Hugh Banton und Guy Evans daf�r Zeit. Ihr letztes Album �Alt� war bereits 2012 erschienen.

Ende 2015 ging es dann aber endlich wieder ins Studio, wo Van Der Graaf Generator bis Anfang dieses Jahres insgesamt neun neue Songs aufnahmen. Laut Hammill handelt es sich dabei um einige der technisch anspruchsvollsten St�cke, die die Band je geschrieben hat. Gemastert und gemixt wurde �Do Not Disturb� in den legend�ren Abbey Road Studios in London.

Seit fast 50 Jahren pr�gen sie die Rockmusik. 2016 setzen sie ihr bemerkenswertes �uvre fort. �Do Not Disturb� hei�t das neue Album von Van Der Graaf Generator.

Auf DO NOT DISTURB f�hrt das zu gro�artigen Nummern wie dem melancholischen, in der Mitte aber kr�ftig ausbrechenden �Aloft�, dem z�ndenden Rocker �(Oh No I Must Have Said) Yes� sowie dem anfangs Moll-get�nten und getragenen, sp�ter jedoch elektronisch flirrenden �Almost The Words�.

(Good Times, Oktober / November 2016)

Die Aufregung ist vorbei

Gerade einmal ein Jahr ist es her, dass Wilco ihr letztes Album »Star Wars« veröffentlicht haben - ein überraschendes Release, das quasi über Nacht auf der Website erschien und zunächst sogar gratis heruntergeladen werden konnte.

Mit »Schmilco« erscheint 2016 schon der Nachfolger, für den Wilco allerdings wieder den klassischen Weg der Veröffentlichung gehen.

Zwölf neue Songs haben die Indie-Alternative-Country-Rocker aus Chicago dafür aufgenommen. Und schon die ersten beiden Auskopplungen »Locator« und »If I Ever Was A Child« machen deutlich, dass es auf »Schmilco« längst nicht mehr so rau und aufgeregt, sondern deutlich ruhiger und akustischer zugeht als noch vor einem Jahr.

Inhaltlich sei das neue Album freudig-negativ, so Mastermind Jeff Tweedy, der alle Songs dafür selbst schrieb und gemeinsam mit Tom Schick produzierte.

»Schmilco« ist das dritte Album, das bei Wilcos eigenem Label dBpm erscheint. Für das Coverartwork zeichnete der spanische Cartoonist Joan Cornella verantwortlich. Der kreative Titel ist eine Anlehnung an Harry Nilssons Album »Nilsson Schmilsson«.

Neben der Standard-CD gibt es »Schmilco« als LP sowie als Special Edition auf 180 g schwerem weiß-pinkfarbenem Vinyl.

Neues Jahr, neues Wilco-Album. Und dennoch gelingt es dem Sextett mit jeder Platte ein bisschen anders, ja, sogar noch besser zu klingen. So auch mit »Schmilco«.

Großartige Stücke wie >If I Ever Was A Child< (im Frühjahr von Tweedy in einem Soloset live vorgestellt), >Cry All Day<, das vorab kostenlos erhältliche >Locator< oder die Ballade >Normal American Kids< zeigen sehr eindrucksvoll, dass Wilco auch im 22. Karrierejahr nichts von ihrer Klasse eingebüßt haben.

Stereo, Oktober 2016)

Mit »Schmilco« hat sich Wilco auf diese Weise nach mehr als zwei Jahrzehnten und vielen Experimenten endgültig zu einer Band gemausert, die nicht nur unberechenbar ist, sondern den eigenen Mythos immer wieder aus neuen Perspektiven einkreist.

(stereoplay, Oktober 2016)

Kein ganz rundes, aber ein schillerndes, mal mit sonnigen Melodien und verhuschten Sounds schmeichelndes, mal stolpernd-sperriges Album, das viele schöne und spannende Momente birgt.

(Audio, Oktober 2016)

Wilco's 11th album, 2015's Star Wars, was a playful and angular set of noisy pop and pop-friendly noise, and it seemed fitting that it literally appeared out of nowhere, with the band sending it out as a free download without any advance warning one July afternoon. Little more than a year later, Wilco has released a follow-up, Schmilco, and in many respects this album is the flip side to Star Wars. Schmilco feels every bit as spontaneous as Star Wars (and much of the material was recorded during the same sessions), but where the earlier album seemed full of the joy of making music, this one is somber and low-key, a set of navel-gazing music even as the tunes confirm that Jeff Tweedy's way with a melody hasn't failed him. Acoustic guitars dominate most of Schmilco's 12 songs, with Tweedy's vocals right up front, sounding introspective and emphatic at once. On first listen, Schmilco plays like the work of one man and his guitar alone with his thoughts and his sorrows late one night. It takes a couple of spins for the contributions of the rest of the band to really sink in, but once they do, it becomes apparent this truly is a Wilco album, as Nels Cline's guitars, Pat Sansone and Mikael Jorgensen's keyboards, and Glenn Kotche's drums bring a rich spectrum of dynamics and texture to the songs, while John Stirratt's bass anchors these songs both melodically and rhythmically. Just as 1999's Summerteeth sounded like a smart pop album when observed casually but was an emotional horror show beneath the surface, Schmilco feels simple and declarative on first glance, but the deeper one is willing to dig, the more there is to find, both in terms of the band's interplay (which gets better and more intuitive with each album) and Tweedy's songs (which boast as much compassion and concern as brooding). Star Wars was Wilco's cheerfully bent version of a summer album; Schmilco is clearly music for autumn, meant for cool nights, crunching through the leaves, and the occasional dark night of the soul. And it speaks volumes about Wilco that they could make two albums so different within such a short space of time, and both times giving us music that sounds like no one else.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Diese Band bewegt sich so virtuos und zugleich leichtfüßig im klassischen Songformat wie keine andere. Nach dem schneidenden E‑Gitarren-Sturm „Star Wars“ aus dem vergangenen Jahr widmen sich Wilco auf „Schmilco“ ihrer ruhigeren, aber ganz sicher nicht weniger spannenden Seite. Die überaus konzisen, ohne ein Gramm Eitelkeit arrangierten Songs atmen Folk und Country ein und unverkennbare Wilco-Americana-Avantgarde mit dunkler Jeff-Tweedy-Poesie aus. Der eher beiläufig-spaßige Titel und die kurze Spieldauer täuschen: Dieses ungemein dichte, detailverliebte Album ist ein Hauptwerk. Bester Song: "Quarters".

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

Fr�here Alben von Clarke und Walker sind stark in der Folktradition verwurzelt � nicht umsonst haben die beiden 2015 einen BBC Folk Award als �Bestes Duo� gewonnen. Doch �Overnight� bezieht sehr viel Inspiration aus dem Yacht Rock � la Fleetwood Mac, von Neil Young zu Zeiten von �After The Gold Rush� und �Harvest� sowie vom Folkrock einer Joni Mitchell oder Fairport Convention.

Das macht �Overnight� zum bislang anspruchsvollsten Werk des Londoner Duos: es verbindet Clarkes Texte mit ihrer au�ergew�hnlichen Stimme und Walkers Arrangements mit seinem ausdrucksstarken Gitarrenspiel auf kongeniale Weise. Abgerundet werden die zw�lf Songs durch Streicher, Bl�ser, Klavier, Kontrabass und Schlagzeug in Breitwand-Orchestrierungen. Neben Originaltiteln finden sich auf �Overnight� die wunderbare Coverversion des Gillian-Welch-St�cks �Dark Turn Of Mind� sowie St�cke- bzw. Text-Bearbeitungen von John Dowland, Jackson C. Frank und Ivor Gurney.

Die Titel wurden fast komplett live in den Rockfield Studios in Wales eingespielt; sie stellen so etwas wie Schnappsch�sse des endlosen Tageszeitenwechsels dar. Zu den H�hepunkten des Albums z�hlen die UK-Single-Auskoppelung und poppige Ballade �The Waning Crescent�, die Country-Soul-Ballade �Something Familiar� und die eher traditionellen Folk-Songs �Sweet The Sorrow� und �Weep You No More Sad Fountains�.

Yep � they ride again! Cliff Barnes and the Fear of Winning (CBATFOW) haben eine lange Geschichte. In den Achtziger und Neunziger Jahren waren sie Stars. Live in mehr als 350 Konzerten und auf sieben Alben stellte die Band in ihren Songs stets die Politik dieser Welt infrage � auf ihre ganz eigene Weise. CBATFOW tourten intensiv in Europa und den USA, implodierten in den sp�ten Neunziger Jahren und kamen 2003 mit einem famosen Album zur�ck, das �Godsatwork� hie�. Danach gr�ndeten Bob und Henry den Artland Country Club und entwickelten das einzigartige Pedal-Power-System. Hier erzeugen vier modifizierte Fahrr�der den Strom f�r ein PA-System und erm�glichen Konzerte auch an Orten, an denen keine Steckdose vorhanden ist.

Wieder zusammen mit Marcus, dem Gitarristen von CBATFOW, haben sie nun mit �World2Hot� ein Album mit einem geringst m�glichen CO2-Fu�abdruck produziert � dank Pedal-Power-System, Photovoltaik und einer Wasserturbine. �World2Hot� will damit auch ein Zeichen setzen in einer Welt, in der Politiker nur noch Finanzjongleure und von multinationalen Konzernen instrumentalisiert sind, die aus Profitsucht die Gier nach dem Immer Mehr sch�ren und die Umwelt dabei r�cksichtslos zerst�ren.

Die Band hat immer noch keinen Grund, die Wahrheit zu verschweigen. Denn die Zeit ist reif f�r Ver�nderungen, f�r mehr Toleranz und Umweltbewusstsein � und mehr Liebe.

Musikalisch ist die World2Hot ganz vorn dabei, auf keinen Fall billig oder auch nur minimalistisch. Von echten Bl�sern �ber spanische Gitarren, zum gewohnt soliden Songwriting und �berzeugend gut produzierten Vocals ist das Album kein bisschen ��ko� oder �alternativ�. Geniale Idee, geniale Platte, dringende Kaufempfehlung.

(Good Times, Dezember 2016 / Januar 2017)

Leonard Cohens letztes Album � ein weiterer Geniestreich

Nur zwei Jahre nach Leonard Cohens letztem Nummer-eins-Album �Popular Problems� folgte im Oktober 2016 mit �You Want It Darker� bereits ein neues Werk des kanadischen Singer-Songwriters. Es erreichte ebenfalls mehrfach die Spitze der Charts.

Nur wenige Tage sp�ter kam die ersch�tternde Nachricht: Der kanadische Singer-Songwriter verstarb am 7. November. Er wurde 82 Jahre alt. �You Want It Darker� ist das letzte Album der Legende.

Der Name ist Programm, denn Cohen setzt darauf die melancholische, d�stere Stimmung und die tiefen Kl�nge seiner Vorg�ngeralben fort. Mit dem minimalistischen und hypnotisierenden Titeltrack �You Want It Darker� hatte es bereits im September einen ersten Vorgeschmack gegeben. Dabei wird der sp�rliche Sprechgesang des S�ngers von Gospelges�ngen des Shaar Hashomayim Synagogue Choir aus Montreal erg�nzt.

Insgesamt nahm der S�nger neun neue Songs f�r �You Want It Darker� auf. F�r die Produktion zeichnete Cohens Sohn Adam verantwortlich.

Selbst im Alter von 82 Jahren hatte Leonard Cohen noch nicht genug vom Musizieren. �You Want It Darker� hei�t sein letztes Album, sein letzter kreativer Geniestreich.

Schon �Old Ideas� (2012) und �Popular Problems� (2014) waren Breviere der gel�uterten Weltbetrachtung. �You Want It Darker� setzt noch einen drauf, mindestens so dunkel wie die Vorg�nger, aber im Kern vers�hnlich den kleinen Verfehlungen des Menschlichen gegen�ber.

(stereoplay, November 2016)

Cohen ist auf seiner dritten Platte in sechs Jahren in absoluter H�chstform.

(Audio, November 2016)

Poetisch sinniert Cohen wieder �ber Verg�nglichkeit, rau und eindringlich, dabei doch unglaublich gelassen intoniert der inzwischen 82-j�hrige Kanadier � und sorgt so einmal mehr f�r G�nsehautmomente.

(Good Times, Dezember 2016 / Januar 2017)

�You Want It Darker� kn�pft in seiner poetischen Kraft nahtlos an die ersten vier legend�ren Cohen-Alben �Songs Of Leonard Cohen�, �Songs From A Room�, �Songs Of Love And Hate� und �Live Songs� an, die den ungebrochenen Ruhm dieses gro�en Poeten begr�ndeten.

(Stereo, Januar 2017)

Seit seiner ersten Platte hat Leonard Cohen letzte Worte gesprochen, letzte Songs gesungen, das Ende bedacht, die Liebe und die Einsamkeit, die Lust und den Verfall, die Sehnsucht und die Verzweiflung. Auf seinem letzten Album raunt er: �Ich stehe vom Tisch auf. Du willst es dunkler? Wir l�schen das Licht. Ich w�nschte, es g�be einen Vertrag zwischen deiner Liebe und meiner.� Sein Sohn Adam hat die Chor�le am �Ende der Reise produziert, gravit�tische Lieder von der s��en Resignation: �I�m ready, Lord.� In einer Pressekonferenz sagte Cohen: �Ich will ewig leben.� Er l�chelte m�de. Bester Song: "You Want It Darker"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

David Crosby ist kreativer denn je

Singer-Songwriter-Legende David Crosby meldet sich 2016 mit einem neuen Soloalbum zur�ck. �Lighthouse� hei�t sein f�nftes Studiowerk in Eigenregie.

Naja, nicht ganz: Beim Songwriting und der Produktion bekam der S�nger und Gitarrist Hilfe von Michael League von dem US-amerikanischen Jazzkollektiv Snarky Puppy. Crosby hatte die Band bereits Anfang des Jahres auf ihrem neuen Album �Family Dinner Volume Two� unterst�tzt.

Im Februar gingen sie erneut zusammen ins Studio, wo sie �Lighthouse� innerhalb von nur zwei Wochen komplett aufnahmen.

Insgesamt neun Songs sind dabei herausgekommen, darunter auch die erste Auskopplung �Things We Do For Love� � ein Lovesong, den Crosby f�r seine Frau Jan Dance geschrieben hatte.

Die Musik auf �Lighthouse� beschreibt der Musiker selbst als roh und auf das Wesentliche reduziert. So h�rt man auf dem Album vor allem Crosbys Gesang und seine Gitarre, jedoch keine Drums oder Percussions, abgesehen von seinem Ehering, mit dem er gelegentlich an die Seite seiner Gitarre klopft.

David Crosby scheint 2016 kreativer denn je. Mit �Lighthouse� pr�sentiert der legend�re Singer-Songwriter schon das zweite Album in zwei Jahren. So darf es gerne weitergehen.

Im Team mit Michael League vom Jazzkollektiv Snarky Puppy bringt der CSNY-S�nger neun schillernde Akustikperlen, wie einst gern mit politischen Texten.

(Audio, November 2016)

Mit Produzent Michael League (Snarky Puppy) sowie den Koautoren Marc Cohn und Becca Stevens verwirklichte der Folk-Veteran ein tadelloses Alterswerk.

(Stereo, November 2016)

... hier ist nichts von au�en sch�n geb�gelt, sondern die Musik ist insgesamt sch�n, weil die Songs im einzelnen gelungen sind. (...) Seine Satzges�nge sitzen messerscharf und erinnern zuweilen an Crosby, Stills & Nash.

(stereoplay, Dezember 2016)

Hundert Jahre Dada und ein halbes Jahrhundert Embryo � zwei gute Gr�nde um zu feiern und ein triftiger Grund f�r eine neue Platte: �Do It�, einer der Slogans der Beatniks und Hippies in den 60er-Jahren, ist ein Statement, das auch f�r Embryo eine enorme Bedeutung hatte und immer noch hat, eine Anfeuerung an die n�chste Generation.

Embryo machen daraus ein �It Do� � inspiriert von Dada. Embryo verband als eine der ersten Bands in Europa Rock mit Jazz. Sp�ter h�uteten sie sich zu Pionieren der Weltmusik. Aus all ihren musikalischen Erfahrungen speist sich bis heute ihre frei flie�ende, bunt schillernde Musik, die immer wieder neue Einfl�sse und junge Musiker mit einbezieht und scheinbar nie endet.

Seit fast 50 Jahren ist diese Band aus M�nchen kreativ in Bewegung, angetrieben von der schier unerm�dlichen Energie ihres Kopfes Christian Burchard. Und nun dupliziert sich der Vibe in die n�chste Generation: Burchards Tochter Marja, die mit elf Jahren das erste Mal mitspielte, ist als Multi-Instrumentalistin die neue treibende Kraft der Band.

Kompromisslos wie ehedem mixt die Formation um den Perkussionisten Christian Burchard, die in diesem Jahr ihr 47-j�hriges Bestehen feiert, Jazz, World (sehr viel) und Rock (diesmal eher wenig) miteinander. Insgesamt 24 Musiker haben an den St�cken mitgewirkt; Freunde aus dem weltweiten Netzwerk, das die ewig reisende Band in den Jahrzehnten on the road gekn�pft hat.

(Good Times, Dezember 2016 / Januar 2017)

F�r ein Album braucht es nicht viel

Im Winter 2015/16 zog es Conor Oberst, der eigentlich in New York lebt, f�r einige Zeit in seine Heimatstadt Omaha im Bundesstaat Nebraska. Die Winter dort k�nnen ziemlich lang und trostlos sein. Klar, dass man da das eine oder andere Mal ins Gr�beln kommt. Vor allem aber kam der S�nger und Musiker unerwartet zum Komponieren. �Ruminations� hei�t das neue, mittlerweile vierte Soloalbum des Bright-Eyes-Masterminds.

Mehr als genug Lieder f�r ein Album kamen laut Oberst in diesem Winter zusammen. Zehn schafften es schlie�lich auf das Album. Daf�r ging es nach dem Songwriting erst einmal in die nah gelegenen ARC-Studios seines Bandkollegen und Kumpels Mike Mogis. Innerhalb von gerade einmal 48 Stunden nahm er dort zusammen mit Toningenieur Bon Brodin alle Lieder auf.

Das Ergebnis ist ein minimalistisches, schn�rkelloses Album, das sich dennoch H�ren lassen kann. �Ruminations� kommt ohne Band, G�ste oder Backgroundges�nge aus. Lediglich Gitarre, Klavier, hier und da Harmonika und nat�rlich Conors zerbrechlicher Gesang sind auf der Platte zu h�ren � mehr braucht es auch nicht. Auf eine Singleauskopplung wird ebenfalls verzichtet.

Mit seinem neuen Album �Ruminations� beweist Conor Oberst, dass es f�r ein gro�artiges Album nicht viel braucht. Ein langer Winter, Einsamkeit, ein paar Instrumente und ein musikalisches Genie reichen v�llig aus.

Alle Albumsongs als Bandversionen und weitere Bonustracks gibt es 2017 mit Conor Obersts neuem Begleitalbum �Salutations�.

Aus der Einsamkeit von Nebraska kriecht Conor Oberst v�llig unerwartet mit einem Americana-Meisterwerk hervor.

(Rolling Stone, 6.10.2016)

Der Winter wollte Conor Oberst kleinkriegen, aber er ging als Sieger hervor � er hat wieder einmal �berlebt, die Einsamkeit und die Albtr�ume zu Songs verarbeitet. Auf �Ruminations� gibt es keine Soundspielereien wie oft bei den Bright Eyes, daf�r viel Mundharmonika, Piano und nat�rlich Obersts unfassbare Texte. Er berichtet von Herzrhythmusst�rungen, z�hlt Schafe, besucht die Patronin der psychisch Kranken � und entkommt, weil er will, weil er muss: �There�s a glass psyche at stake/ Throw me a brick, see if it breaks/ �Cause the mind and the brain/ Aren�t quite the same/ But they both want out of this place.� Bester Song: "A Little Uncanny"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

�The Starless Room� ist zwar das erste Soloalbum von James Johnston, doch es f�hlt sich nicht nach einem Deb�t an, schlie�lich ist Johnston ein umtriebiger K�nstler und nicht zuletzt als S�nger und Gitarrist der Londoner Post-Punk-Blues-Noise-Band Gallon Drunk bekannt.

Bereits Mitte der 90er-Jahre war er Tour-Gitarrist bei den Bad Seeds, ein Engagement, das ihm zwischen 2003 und 2008 einen festen Job in Nick Caves Band einbrachte. Dar�ber hinaus spielte Johnston regelm��ig mit Ikonen der Subkultur wie Lydia Lunch, Faust und PJ Harvey, auf deren Album �The Hope Six Demolition Project� er als S�nger und Multiinstrumentalist zu h�ren ist.

�The Starless Room� bietet ein unglaublich weites Panorama, das zugleich intuitiv, intensiv und instinktiv klingt. �Dabei habe ich nichts anderes getan, als allen Motiven zu folgen, die in mir starke Emotionen erzeugen�, sagt Johnston. Und weiter: �Die Platten mit meiner Band klangen erdig, aber auf eine bestimmte Art ist dieses Album rauer, fokussierter und direkter � sowohl musikalisch, als auch emotional. Das Album reflektiert sehr stark meine Pers�nlichkeit. Es reflektiert aber auch die Musik, f�r die ich mich als H�rer begeistere.�

Unterst�tzt wurde Johnston von Johann Scheerer, Produzent und Besitzer des deutschen Indie-Labels Cloud Hills, der auch schon die letzten zwei Alben von Gallon Drunk produzierte.

Weil ein Album nicht reicht

Manchmal kann es eine halbe Ewigkeit dauern, bis nach einem Albumrelease neue Musik einer Band erscheint. Die Chris Robinson Brotherhood zeigt 2016, dass es auch ganz anders geht.

Mit �If You Lived Here, You Would Be Home By Now� ver�ffentlicht die Blues-Rock-Combo nur vier Monate nach ihrem Album �Anyway You Love, We Know How You Feel� eine Companion-EP mit f�nf neuen Songs.

Die Tracks der �If You Lived Here, You Would Be Home By Now�-EP entstanden ebenfalls w�hrend der Stinson-Beach-Sessions, schafften es aber nicht auf das neue Album. Dennoch sind sie es alle Mal wert, geh�rt zu werden, wie schon die Vorabsingle �New Cannonball Tag� beweist.

Fans der Chris Robinson Brotherhood haben in diesem Jahr schon mindestens das zweite Mal Grund zur Freude. �If You Lived Here, You Would Be Home By Now� hei�t die neue EP, die das erst k�rzlich erschienene Album vervollst�ndigt.

Die Performance ist immer fesselnd und zeitweise �bersinnlich.

(THE BLUES MAG)

Die Musik ist gelehrt und charakteristisch, voller lebendiger Details und einfallsreicher musikalischer Schn�rkel, die von einer tiefen Kenntnis der Rock-Musik zeugen und wenig Ehrfurcht vor den Grenzen zwischen den Genres demonstrieren.

(UNCUT)

Meisterhafte Musiker auf einer Gralssuche nach dem kosmischen Kern Kaliforniens ... Americana, psychedelisch getr�nkt..

(MOJO)

Recorded at the same sessions that produced the summer of 2016's Anyway You Love, We Know How You Feel, the EP If You Lived Here, You'd Be Home by Now is its own distinct beast. Where Anyway could float away in a smoky haze, If You Lived Here largely stays earthbound, emphasizing CRB's songwriting and affinity for Americana learned through the Band and the Grateful Dead. The same easy interplay from the LP is felt here but, in a way, it's even more striking in the context of this easy-rolling, funky country-rock and hippie soul. By largely concentrating on songs -- "From the North Garden" does act as a droning palate cleanser -- it becomes evident that the band has its own mellow chemistry and, in turn, that Robinson is writing lazy rockers ("New Cannonball Rag") and ragged ballads ("Sweet Sweet Lullaby") that are as good as anything he's ever done.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Die renommierte britische Folk-Musikerin Kathryn Williams hat zusammen mit dem namhaften Jazzmusiker und Vibraphonisten Anthony Kerr ein Album mit Jazz-Standards aufgenommen. Das Album hei�t �Resonator� und ist alles andere als eine lieblose Ansammlung von Jazz-Coversongs. Im Gegenteil, Songs wie �Autumn Leaves�, ber�hmt durch Doris Day, Edith Piaf, Frank Sinatra oder Eva Cassidy, wurden komplett runderneuert und strahlen eine ganz neue au�ergew�hnliche Kraft aus.

Zu den weiteren Highlights des Albums geh�ren gro�e Love-Songs wie �My Funny Valentine� oder �Stormy Weather�, die hier ihren etwas angestaubten Bombast verloren haben und daf�r eine sehns�chtige, hypnotische Luminosit�t von Williams tr�umerischer Stimme und tollen Arrangements von Kerr bekommen haben.

Maria Taylor singt und schreibt, seit sie denken kann. Als sie 15 war, gr�ndete sie mit ihrer besten Freundin Orenda Fink das Duo Punchanella. Daraus wurde sp�ter die Band Little Red Rocket, und noch sp�ter die Formation Azure Ray.

Nach zahlreichen gemeinsamen Ver�ffentlichungen startete Taylor irgendwann auch ihre Solo-Karriere. Denn was sie ganz besonders sch�tzt, ist die Freiheit, verschiedene Genres auf einem einzigen Album zu kombinieren. Und weiterhin die M�glichkeit zu reflektieren, wohin ihr Leben sie bislang hingef�hrt hat. Dass dabei auch mal ein Album mit dem Titel �In The Next Life� herausspringt, liegt irgendwie auf der Hand.

Es entstand unter der Fragestellung: �Wenn ich morgen sterben w�rde, was sollte mein letztes Album aussagen?� Also hat sich Taylor mit ihrem Lieblingssongwriter Nik Freitas zusammengeschlossen, um gemeinsam mit diesem Songs zu produzieren. Befreundete Kollegen gingen den beiden zur Hand.

Auf �If Only� singt Conor Oberst mit, Joshua Radin auf �It Will Find Me� und �Pretty Scars�. Nik Freitas, Macey Taylor, Jake Bellows, Lous Schenao und die wunderbare Morgan Nagler sind ebenfalls zu h�ren. ��In The Next Life� fasst meine Vergangenheit, meine Gegenwart und meine Zukunft zusammen�, so Taylor. �Ich bin so gl�cklich, dass ich dieses Leben habe, �ber das ich schreiben kann, und die Freunde, mit denen ich zusammen schreiben kann.�

Eine einzige, 10-Song-lange Ode an die Gabe gottgegebener Harmonie, wie sie nur je zwei gemischte Stimmen erreichen k�nnen, zudem eine Verneigung vor der ungetr�bten Sch�nheit der Sangeskunst auf der Br�cke vom wehmutsvollen Country-Crooning zum fr�hen Rock�n�Roll, dargereicht vom kongenialen Duo aus Richard-Sohn und Kelly Jones (nicht DER von Stereophonics, sondern DIE amerikanische Singer-Songwriterin zwischen Americana, Country und Power-Pop), �berraschenderweise in zehn Originalen manifestiert. Denn die scheinbaren Standards, die schwer nach vergessenen Originalen von Buddy Holly & den Everly Brothers klingen, sind s�mtlich der gemeinsamen Feder der perfekt harmonierenden Protagonisten entflossen, gemeinsam mit pr�chtiger Crew (incl. Pete Thomas am Schlagwerk und Steve Elliott als gro�artiger Chet Atkins-Epigone) in herrlich nostalgische Form zwischen bewegendem Tr�nenzieher und bewegt-bewegender Tanzeinladung, himmlischem Honky Tonk, herrlicher Rock�n�Roll-Ballade und rein-akustischer Folk-Ehrlichkeit gegossen, mit einem L�ffel New Seekers-Zucker und einem Hauch Santo & Johnny�s Sleepwalk versehen und von zartem Zwiegesang von unendlichem Zauber gekr�nt. Parton & Porter in Paar-Perfektion, nie klang Teddy mehr rufus denn hier, und Kelly ist eine g�ttliche Gesangs-Gef�hrtin.

(cpa, Glitterhouse)

Future-Folk von The Low Anthem

Vor ziemlich genau 10 Jahren riefen Ben Knox Miller und Jeff Prystowsky die Band The Low Anthem ins Leben � ein musikalisches Projekt, das traditionelle Singer-Songwriter- und Folkmusik mit modernen, oft ausgefallenen Sounds vereint. Mit Erfolg: Heute, 2016, sind sie zu fünft und präsentieren mit »Eyeland« ihr mittlerweile fünftes Studioalbum.

Ihren Stil, den eben jene Kombination aus alten und neuen Klängen ausmacht, haben The Low Anthem auf ihrer neuen Platte auf ein neues Level gehoben.

Im Gegensatz zum folkig-rockigen Vorgänger »Smart Flesh« von 2011 geben sie sich auf »Eyeland« nun noch experimenteller. So mischt die Band Folk und Rock zunehmend mit elektronischen Klängen und geht damit zum Beispiel in Richtung Ambient. The Low Anthem selbst sprechen in Bezug auf ihren selbst kreierten Soundmix auch von multidimensionalem Future-Folk.

Zudem handelt es sich bei »Eyeland« um ein Konzeptalbum. Ohne zu viel vorwegnehmen zu wollen, kündigte die Band bereits an, dass das Album in der Traumwelt von ein paar Kindern spiele, die jedoch durch ein traumatisches Erlebnis in die Realität befördert werden.

Für die Aufnahmen zu »Eyeland« suchten sich The Low Anthem wieder einmal einen besonderen Ort aus. Ein altes, bereits seit vielen Jahren geschlossenes Theater in ihrer Heimatstadt Providence wurde kurzerhand zum Tonstudio umfunktioniert. Sie selbst gaben dem Ort den Namen »Eyeland Studio«, von dem auch der Titel ihres neuen Albums herrührt.

Folkmusik aus der Zukunft? Auf ihrem neuen Album zeigen The Low Anthem, wie es klingt, wenn man Tradition und Moderne in der Musik vereint.

Neuer Alternative-Pop-Rock von Warpaint

Soloalben, Supergroups, Gastaufritte � nachdem sich die vier Damen von Warpaint im letzten Jahr alle in irgendwelchen Soloprojekten ausgetobt haben, d�rfen sich ihre Fans 2016 �ber ein neues Album der US-amerikanischen Indierockcombo freuen. �Heads Up� hei�t ihr mittlerweile drittes Studiowerk.

Daf�r haben sich Emily Kokal (Gesang, Gitarre), Theresa Wayman (Gesang, Gitarre), Jenny Lee Lindberg (Bass, Gesang) und Stella Mozgawa (Schlagzeug, Keyboard) von Januar bis Mai 2016 zusammen mit Produzent Jacob Bercovici in den Studios �House on the Hill� sowie �Papap�s Palace� eingemietet.

Dabei entstanden insgesamt elf neue Songs, darunter auch die erste Single mit dem kreativen Namen �New Song�. Aber, der Titel passt gut, denn neu ist auf �Heads Up� tats�chlich einiges. Es scheint, als h�tten sich Warpaint f�r eine poppigere, tanzbare Zukunft entschieden.

So klingt das kalifornische Frauenquartett 2016 wieder einmal experimenteller, weniger gitarrenorientiert, daf�r aber elektronischer als auf ihren vergangenen Werken � zumindest zu einem gewissen Teil.

Bands entwickeln sich im Laufe der Jahre weiter, so auch Warpaint. Nicht alle entwickeln sich dabei in die richtige Richtung, Warpaint schon. Ihr neuer Alternative-Pop-Sound steht ihnen gut, wie �Heads Up� eindrucksvoll beweist.

Passend zum volumin�sen Sound der Band sind die Rillen auf den zwei 180-Gramm-LPs gro�z�gig verteilt und geben einen satten, pr�zisen Klang wieder.

(MINT, No. 7, Oktober 2016)

Bon Ivers logische Entwicklung

Die Nachricht kam überraschend: Bon Iver geht 2016 mit einem neuen Album an den Start. »22, A Million« heißt Longplayer Nummer drei. Fünf Jahre sind seit ihrer letzten Platte vergangen – fünf Jahre, in denen Mastermind Justin Vernon aber alles andere als untätig war.

Stattdessen veröffentlichte der Songwriter, Sänger und Multiinstrumentalist neue Alben mit seinen Bands Volcano Choir und Shouting Matches und war als Gast bei Kanye West und James Blake zu hören.

Jetzt präsentiert er endlich wieder zehn Bon-Iver-Originale, die jedoch seine jüngste musikalische Vergangenheit nicht unbeachtet lassen.

Mit »22 (OVER S∞∞N)« und »10 d E A T h b R E a s T« gab es bereits zwei Kostproben von »22, A Million«. Und die machen deutlich, dass Vernon mit dem neuen Album wieder einmal neue musikalische Wege geht, wenn er auch eher an den elektronischen Sound von »Bon Iver« (2011) statt an die weitestgehend akustisch gehaltene Folkplatte »For Emma, Forever Ago« (2008) anknüpft.

Premiere feierte das Album bereits beim Eaux Claires Music Festival in Wisconsin, das Justin Vernon selbst zusammen mit dem The-National-Gitarristen Aaron Dessner ins Leben gerufen hat.

Ob die ungewöhnliche Tracklist von »22, A Million« Kunst ist oder ein versteckter Geheimcode kann bislang nur vermutet werden.

Eine Entwicklung, die mit Blick auf die Vergangenheit zu erwarten war: Justin Vernon aka Bon Iver zeigt sich mit seinem neuen Album »22, A Million« experimentierfreudiger denn je. Sein unglaubliches Talent gibt ihm dabei recht.

Ein sensibler Folkstar lädt seine federleichten Songs mit mächtigen, disruptiven Bässen, Elektrobrummen und Stimmverzerrer auf. Justin Vernon aka Bon Iver vermählt Elektropop und zeitgenössischen R&B mit klassischem Songwriting. Wie sich James ­Blake vom minimalelektronischen Post-Dubstep-Dancefloor zum Singersongwritertum bewegt hat, so bewegt sich Vernon aus dieser Richtung in die andere. Am Ende stehen aufwühlend wehmütig wummernde Tracks neben einer Restmenge an fluffig-folkigen. Gemeinsam haben sie Vernons Talent für eleganten Kitsch. Ein ebenso spektakuläres wie spekulatives Album. Bester Song: "10 Deathbreast"

(www.rollingstone.de, 31.12.2016)

Die Stimme als Instrument

�For Love Often Turns Us Still�, kurz: �Flotus�, hei�t das neue Album von Lambchop. Dabei handelt es sich um den Nachfolger zu �Mr. M�, das vor gut vier Jahren erschienen ist. Es ist au�erdem bereits das zw�lfte Studioalbum der US-amerikanischen Alternative-Country-Band aus Nashville, Tennessee.

Von langweiliger Routine ist jedoch keine Spur. Im Gegenteil: Lambchop �ffnen mit �Flotus� gewisserma�en ein neues musikalisches Kapitel, allen voran Mastermind Kurt Wagner. Denn statt wie sonst die Instrumente in den Vordergrund zu stellen, experimentiert Wagner jetzt mit seiner Stimme und nutzt diese als Instrument, indem er sie sampelt, mixt, verstellt, ver�ndert. Der Rest der Band erzeugt den gewohnt minimalistischen klanglichen Rahmen.

Insgesamt elf neue Songs sind so entstanden. Einen Vorgeschmack gab es bereits mit der ersten Singleauskopplung �The Hustle�, die nicht weniger als 18 Minuten dauert.

Wer Kurt Wagner etwas besser kennt, wei� vielleicht, dass der Musiker seit Jahren mit der politischen Aktivistin Mary Mancini verheiratet ist. Sie ist derzeitig die Vorsitzende der �Tennessee Democratic Party�. Vor diesem Hintergrund und, da das neue Album nur wenige Tage vor den US-Wahlen im November erscheint, entstand bereits das Ger�cht, der Titel k�nne auch die Abk�rzung f�r �First Lady Of The United States� sein. Best�tigt wurde dies jedoch nicht.

Stimmlich und stimmig: �Flotus�, das neue Album von Lambchop, zeigt, dass die Band auch 2016 immer noch in der Lage ist, ihre H�rer zu �berraschen.

Wagner (...) behandelt alle Studioger�te wie Musikinstrumente und erzielt damit einen extrem ausged�nnten, aber herrlich organischen Folktronica-Sound. Umwerfend: der zw�lfmin�tige Opener.

(Stereo, Dezember 2016)

Since their recording debut in 1994, Lambchop have evolved from a small combo to a veritable orchestra, complete with horns and strings. But since the mid-2000s, Lambchop leader, songwriter, and lead singer Kurt Wagner has been easing back on the scale of his ensemble, and 2016's FLOTUS is one of the most purposefully spare albums of his career. Lambchop once cheerfully described themselves as "Nashville's most f--ked-up country band," but FLOTUS betrays not the slightest country influence. On FLOTUS -- which Wagner insists stands not for "First Lady of the United States," but "For Love Often Turns Us Still" -- the languid, spectral melodies are most often carried by pianos, synthesizers, bass, and drum machines, easing along with the unobtrusive grace of an ambient performance. And Wagner treats his own voice as another instrument in the ensemble, processing his singing through Auto-Tune that transforms his distinctive mutter into something quite different. FLOTUS plays like Wagner's Bizarro World take on smooth R&B and electronic pop, though most of this is too laid-back to function as dance music (even though the liner notes contain convenient BPM counts for each tune). But as different as the approach may be, the melodies and the homey but abstract lyrics still sound like the work of Kurt Wagner. Bookended by two extended numbers (the finale, "The Hustle," comes in at over 18 minutes), this music is full of emotional warmth despite the cool surfaces, and though Wagner experimented with electronics with his side project HeCTA, on FLOTUS he's found a way to effectively fuse beats and keyboards with the slightly bent but heartfelt persona he's carefully fashioned over time. And while it bears little resemblance to anything in Wagner's catalog, "The Hustle" feels like some sort of masterwork, a rueful but passionate meditation on love and relationships that glides along on an endless pulse that's as elemental and sustaining as the human heart. Two decades on, Lambchop are not only still able to surprise listeners, they're doing some of their best work at the same time, and FLOTUS is an unexpected triumph.

(by Mark Deming, All Music Guide)