"Bei Lucinda Williams sieht das mit der Musik so einfach aus: man beschreibt in einfachen Worten die Leute und die Orte, die man so im Kopf hat; dazu gibt man ein bißchen Mandoline, Dobro, vielleicht ein Akkordeon oder eine Slide-Gitarre; vor allem muß man so natürlich und ehrlich singen wie möglich. Klar, um diese Einfachheit zu erlangen hat sie sechs Jahre gebraucht; eigentlich erstaunlich, wenn man an all die Knöpfe denkt, an denen da gedreht wurde. Ihre wunderbare Stimme stöhnt und ächzt und gleitet und rutscht -- sie hat einen poliert-ungeschliffenen Vortrag. Beim hervorragenden "Concrete and Barbed Wire" finden wir sanfte Akustikgitarren, eine elektrische Slide-Gitarre, Akkordeon, Mandoline und Steve Earle. Williams sehr persönliche Geschichten werden mit bluesigem Grollen, geilen Grooves und klagendem Flüstern erzählt. Der ganze tiefe Süden wird auf eine verschlafene Kleinstadt voll von Ex-Lovern, Bars und endlosen Feldwegen reduziert."

(Marc Greilsamer/Amazon)

"Twenty years and two album seperated Williams' shoestring debut Ramblin' and her Grammy-winning, critically-acclaimed Car Wheels On A Gravel Road. The time she spent erfecting her craft shines through these wise, haunting, furiously romantic songs about loss, restlessness and regret. Almost cinematic in mood, it evokes an America of dirt tracks and highways, small towns and broken lives..."

„It´s a flat-out marvellous record: sexy, passionate, sad, reflective and, above all, grown up.“

(Mojo)

Toll ist sie geworden, die `99er Rückkehr von Lucinda. Eine Mega-Perfektionistin sei sie, nur deshalb soll es sechs Jahre gedauert haben, bis „Car Wheels“ endlich erschien. Tatsächlich wurde diese Platte insgesamt drei Mal aufgenommen, wieder verworfen, mit neuen Overdubs versehen, remixed, der Twangtrust und Roy Bittan hatten ihre Produzentenfinger im Spiel, Rick Rubin hat dran gedreht und Jim Scott war auch beteiligt. Zwischendurch schlitterte das Stammlabel American noch in die Pleite. Daß „Car Wheels“ trotzdem eine sehr homogene, sehr warme Scheibe geworden ist, die keine Sekunde glattgebügelt oder überproduziert klingt, ist schon ein kleines Wunder.
In Lucinda´s Songs findet man die Seele des Blues, allerdings ohne 12-Takt-Schema, gepaart mit zeitlosen Elementen aus Country, Folk, Rock und Pop. Ihre alten Weggefährten Donald Lindley (Drums) und John Ciambotti (Bass) sorgen für das entspannte Rhythmusfundament, über dem gleich mehrere Saitenasse für reihenweise Höhepunkte sorgen: Gurf Morlix, Buddy Miller, Greg Leisz, Johnny Lee Schell, Charlie Sexton, Bo Ramsey. Weitere Gäste: Emmylou Harris, Roy Bittan, Jim Lauderdale, Steve Earle und andere.
„Car Wheels“ ist trotz der sechs Jahre Zeitunterschied ein direkter Nachfahre von „Sweet Old World“ und von gleicher, nämlich erstklassiger, Qualität. Einzelne Songs hervorzuheben ist müßig, das Album wirkt als Ganzes.

(Glitterhouse)

While Son Volt's first two albums, Trace and Straightaways, received critical acclaim, they are both very restrained and sparse works underlain with languidness. These albums hinted, in their best moments, at Son Volt's potential to both write beautiful songs and rock out, but the band never seemed to completely let loose and turn it up to 11. Part of this may stem from their eclectic mix of musical influences. While the juxtaposition of styles ranging from country to bar-band rock & roll has been the key to Son Volt's sound, it has also been a point of contention for those who have criticized them for not knowing what sort of band they wanted to be. Wide Swing Tremolo represents an attempt to somewhat break the mold of the earlier releases, especially from the intensely sparse Straightaways. Wide Swing Tremolo is a wide-open, rocking album with precious little of the overt country influences found on previous Son Volt works. Instead, this album is driven by R.E.M.-like arpeggio guitar riffs and muscular, warm rhythms. It's a strong album.

(by Matthew Hilburn, All Music Guide)

Gold Dust: Live at the Royalty captures Sandy Denny's final concert. The show (performed on Sunday, November 27, 1977) was intended to be the first date of an 11-city tour, but it turned out to be her last show ever. It certainly wasn't the way anyone wanted Denny to leave the stage, but it remains an affecting, surprising farewell. There are familiar items, to be sure, but the concert also finds her breaking new ground and moving away from traditional folk-rock to an edgier sound. These are subtle distinctions that only hardcore fans will notice, but those fans will find Gold Dust a minor treasure.

(by Stephen Thomas Erlewine , All Music Guide)

"Bill Frisell is a soulful jazz minimalist with a sophisticated sense of harmony, a daring rhythmic approach, and an instantly recognizable, personal sound--part jazz, part rockabilly, part blues, part psychedelia--a remarkable melodist who can transmute single notes into sapphire tears. Yet while his fellow improvisors have pursued more and more complex forms, Frisell seems to be reaching back to the simplest folk forms to animate his post-modernist's view of Americana, and Gone, Just Like a Train is a cultural whistle-stop that conveys his land's epic rhythmic dynamism, regional diversity, and backwaters of mystery and quiet wonder. It's as if the Modern Jazz Quartet interpolated Cream, and together with his remarkable collaborators, bassist Viktor Krauss and drummer Jim Keltner, the Bill Frisell Trio successfully plumbs a variety of expressive forms within the raging seas of intellectual complexity that have traditionally defined the domain of modern jazzman." (Chip Stern)

"Since Van Dyke Parks has never released a greatest hits album (okay, he's never had any hits) in the U.S., this long-overdue concert album, which draws on material from his studio recordings dating back to 1968's Song Cycle, is a welcome sampler of his stunning, if small, body of work from "The All Golden" (Song Cycle) to "Orange Crate Art" (the title track from his duet album with Brian Wilson). The melodic invention and masterful mixing of styles confirm Parks's hidden status as one of the great American composers, a status that has gone unremarked only because of his reclusiveness and tendency to operate only on the margins of the Los Angeles pop scene. He is a miniaturist, to be sure, and nothing if not quirky. His heavily — and not always coherently — edited stage remarks call to mind Truman Capote, and his reedy, earnest singing is only adequate. But the music is both steeped in tradition and wholly original, and it's a delight to listen to." (William Ruhlmann, Allmusic)

„...Eine Platte, die die Zeit anhält und die Wahrnehmung verändert. Nicht von dieser Welt.“ (ME/Sounds)

„... Griffige Melodien sucht man in dieser von Stockhausenschem Geiste umwehten Minimal Music vergebens, und nur wer darauf verzichten kann, sollte dieses Pop-Experiment im Selbstversuch riskieren.“ (Stereoplay)

„Schon auf dem letzten Bandalbum "The Laughing Stock" 1991 war Mark Hollis musikalisch weit entfernt vom Talk Talk-Pop der frühen Jahre. Die subtilen Streicher- und Bläserarrangement erinnerten dabei an den genialen Gil Evans, der nicht zuletzt viele Miles Davis-Platten klanglich geadelt hatte. Als Solist hat sich Hollis nun noch weiter vom Konventionellen entfernt und kultiviert sein Konzept, Stille hörbar zu machen. In den sparsam, ausschließlich akustisch instrumentierten Stücken auf Basis von Piano und Gitarre setzen Mundharmonika, Trompete, Klarinette und Fagott die Farbtupfer im impressionistisch-anmutenden minimal jazz sound der langsamen Tempi und melancholischen Stimmungen des Grüblers Hollis. Skizzenhafter Schönklang als zeitgemäße Definition einer wohltemperierten Musik.“ (HIFI Test)

How often has a songwriter emerged from a bout of severe writer's block with such remarkable beauty? Former House of Love frontman Guy Chadwick has done just that in this low-key debut -- a gorgeous and seemingly effortless collection of breezy love songs. Many of the tracks would have fit well on any House of Love record; the only differences are the dashes of accordian, keyboards, and pedal steel tastefully added to Chadwick's songs, and the lack of rock guitar. Robin Guthrie's warm production serves these gentle songs wonderfully, and Guy's backing musicians complement him masterfully (Guthrie also played bass on eight songs). Lazy, Soft and Slow breaks no new ground, and nothing here tops such House of Love greats as "Shine On" or "Christine," but that couldn't have been Chadwick's intent. If you adore the Harvest-mode Neil Young or favor the "Pale Blue Eyes" side of the Velvet Underground, this album should warm your soul for many Sunday mornings to come.

(by Andy Kellman, All Music Guide)

Lacking some of the focus that made her debut album so stunning, Hell Among the Yearlings is nevertheless a thoroughly satisfying second album from Gillian Welch. Instead of backing away from the rustic folkiness of Revival, Welch deepens her bleak, clear-eyed worldview, which makes her spare, old-timey arrangements all the more powerful. On occasion, the performances and songs are a bit too studied to be truly effective, but those moments are fleeting -- Hell Among the Yearlings offers ample proof that Welch is a talented, individual songwriter and that her debut was no fluke. (by Thom Owens, AMG)

“Belle & Sebastian's third album reveals the Glasgow, Scotland band's recent growth without losing any of the magic of 1997's acclaimed If You're Feeling Sinister. Frontman Stuart Murdoch is helped by greater songwriting and vocal contributions from his seven bandmates. The album builds on the band's gentle blend of orchestral pop (keyboards, horns and strings) and acoustic folk while incorporating more dynamic elements, including whispered vocals and cacophonous horns and drums.” (CMJ)

"When I do something like this - outside the normal parameters of rock and roll - it's usually on my own terms, within my capabilities. I'm not frustrated with the limitations of rock and roll, or anything like that. It's just that there are different strengths to this music. It's not better than rock or soul or whatever; it just isn't those things. I'm not asking everybody to come along for the ride, but it would be nice if they listened with an open mind." (E.Costello)

"Painted From Memory is likely the most prominent project Burt Bacharach has done in recent years. Teaming with former punk rocker and angry young man Elvis Costello, Bacharach has proven to be revitalized by his new writing partner. And this is an unlikely pairing, if you think about it. Burt Bacharach has composed numerous movie scores, recorded his own instrumental albums, and served as musical director and pianist for a few different singers, Dionne Warwick and Jackie De Shannon being the most recognizable and most successful of his career. In those days, Bacharach's writing partner was Hal David.

As writing partners, Costello and Bacharach are an excellent pairing, unlikely as it seems. It's still evident that Burt contributed quite a bit to the melodies, and yet there's an updated modern 90's touch thanks to Elvis's input. These songs could be considered New Pop Classics, to coin a phrase. I can easily imagine earlier Bacharach collaborators like Warwick or De Shannon covering these same songs. Highlights here include the instant classic "Toledo," the after-midnight mood of "My Thief," the pensive "I Still Have That Other Girl," and the longing title track.

I don't guarantee that everyone will like this recording. If you're no fan of Bacharach, or can't stomach the idea of a rocker doing pop songs, you would not like this album. I like it because it's different. Elvis Costello, lyrical collaborator and vocalist of these New Pop Classics, complements and contrasts with Burt Bacharach in all the right ways. The lyrics have meat, as do the unobtrusive arrangements. I'll be playing this one for quite a while...and if others give it the same open-minded approach, they may enjoy it just as much. Recommended!" (52nd Street Jazz)

"Wenn eine Gruppe mit drei ep´s zum bekanntesten Geheimtip Englands wird, vermutet man natürlich eine hinterhältige Vermarktungsstrategie. Doch weit gefehlt: The Beta Band hat sich den Ruhm redlich verdient. Auf The Three EP´s rollen Gitarre, Bass und Schlagzeug in Kornkreis-Formationen durch groovigen Psycho-Gitarren-Pop. Für die abwechslungsreichen Arrangements greift das eigentlich akustische Quartett auch mal auf etwas Elektronik zurück, und auch sonst ist alles drin, was vier Spinnern halt so einfällt. Englische Exzentrik in höchster Qualität, wie sie sonst nur Julian Cope produziert.“ (Rolling Stone. Formidabel)

"Es fällt jedes Jahr aufs neue schwer, wenn sich im September die letzten Bademeister aus den Freibädern trollen und die ersten Christstollen im Supermarkt unleugbar vom Herbst künden. Wie vorteilhaft, wenn zur gleichen Zeit Alben auf den Plan treten, die mit diesem Umstand zu versöhnen wissen und einem die Muße länger werdender Abende schmackhaft machen können. Mit seiner besinnlichen Melodik, warmen akustischen Sounds zu hintergründigen Keyboards, leisem Country-Flair und verträumten Vocals macht sich der Zweitling des britischen Quintetts zu einem ausgesprochen angenehmen Begleiter bei Laubrascheln und Nebelschwaden. Ob in den volleren Klangfarben feiner Arrangements oder der spartanischen Instrumentierung von "Yer Feet", das in seiner Einfachheit auf allerkleinster Flamme köchelt und dabei nichts an Schönheit verliert: in der ruhigen, sehnsuchtsvollen Melancholie von "Out Of Tune" läßt sich höchst behaglich schwelgen." (Jennifer Koegst / Intro)

"Dieses Album "Out Of Tune" ("verstimmt") zu taufen, kann nur pure Koketterie sein. Der Nachfolger zum hochgelobten 95er Debüt des britischen Quintetts ist fast bis an die Schmerzgrenze voller Harmonie und Wohlklang. Songwriter und Sänger Neil Halstead plus Band kreierten ein durch und durch ruhiges, folkig-poppiges Album, das gerade durch seine Schlichtheit überzeugt. Die endlosen Weiten der Landschaft Cornwalls, wo die Musik entstand, trugen sicherlich das Ihrige zur relaxten Atmosphäre bei." (Audio)

"Step Inside This House, in a way, is a perfect follow-up to The Road to Ensenada, his straightest country album since his debut, taking Lyle Lovett back to the very beginning, as he covers his favorite songwriters. He consciously avoids such obvious influences as Randy Newman and Jesse Winchester, choosing to concentrate almost solely on Texan singer/songwriters, resulting in a minor revelation. Lovett's place in Texas' progressive country tradition has always been evident, and his good taste has never been in question, but this not only confirms his strength as a performer, but also illustrates the origins of his clear, wry narratives. He not only sheds light on songwriters known better for their reputation than their actual recordings (Townes Van Zandt, Guy Clark, Walter Hyatt, Michael Martin Murphey, Robert Earl Keen), yet he carries a torch for obscure names like Eric Taylor, Vince Bell and Craig Calvert, David Rodriquez, and Steve Fromholz, who has no less than four songs on the album. For all the different writers, what's striking about Step Inside This House is how all the songs seem to spring from the same worldview. Few covers albums are as unified and Lovett's achievement is particularly noteworthy since none of the songs are standards." (Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

"Newcomer im Country-Lager, die mit ihrem Beitrag zum "Horse Whisperer" Soundtrack zum ersten Mal auf sich aufmerksam machte. Sie geht zwar optisch in Richtung der gestylten Nashville-Gals Shania Twain, Trisha Yearwood und LeAnn Rimes, die ja alle mittlerweile Popstars geworden sind, kann sich aber noch ein gerüttelt Maß an Persönlichkeit bewahren. Ihre Stimme ist natürlicher als die der durchgestylten Pop-Püppchen, die Dead Reckonings und Buddy Miller haben mitgespielt und Allison ist fast für das gesamte Songmaterial zuständig. "Alabama Song" ist sicher beinahe Mainstream, aber irgendwie hat dieses Debüt Seele und das macht es wertvoll."

(Glitterhouse)

Allison Moorer's debut album delicately balances and divides '90s country aesthetics into two parts: one wants to stick pretty close to classic Nashville structure and songwriting, while the other is acutely aware of the rising pop saturation of the music. Fortunately, she sticks near the former throughout most of this glowing, but somewhat derivative, album -- at times, almost too near. Moorer is so intent on keeping herself and Alabama Song grounded that they occasionally have trouble lifting off. But her commitment and integrity eventually win (Moorer co-wrote ten of Alabama Song's 11 tracks), giving the album the trad-country boost it needed. Best is "A Soft Place to Fall" (which was originally featured on the soundtrack to The Horse Whisperer), a bittersweet tale of love's securities and insecurities that shows off both Moorer's husky, vibrant voice and her sharp way around a tune.

(by Michael Gallucci, All Music Guide)

"Peter Rowan hatte in meinem persönlichen Bluegrass-Pantheon schon immer einen Ehrenplatz und so kommt es auch nicht von ungefähr, daß ich diese Zusammenarbeit mit dem tschechischen Quintett Druhá Tráva (Second Grass) ganz vorzüglich finde. Zwar besteht das Fundament hier aus Bluegrass, aber doch geht diese Kollaboration bei vielen Songs weit über die Genre-Grenzen hinaus. Da wird mal ein Song in tschechisch gesungen (funktioniert), Rowan revitalisiert erfolgreich zwei seiner besten Songs („Moonlight Midnight“ und „Dust Bowl Children“), dazu mehr oder weniger wagemutig gewählte Coverversionen: „Dublin Blues“ von Guy Clark, „New Freedom Bell“ (Country Gentlemen), „Burning Ground“ (Van Morrison) und zwei Songs vom letzten Dylan-Album „Time Out Of Mind“. „Cold Iron Bound“ ist dabei fast 10 Minuten köchelnde Intensität mit E-Gitarren und Drums. Und von Bluegrass ist da nicht mehr viel zu hören.
Absolute Pluspunkte sind weiterhin die erstklassige, und hier sehr wandlungsfähige Stimme von Peter Rowan sowie die ungeheure Spielfreude von Druhá Tráva, allesamt Multi-instrumentalisten mit gründlicher musikalischer Ausbildung zwischen Jazz, traditionellen Spielarten und klassischer Musik. Vielleicht funktioniert das hier so gut, weil die Burschen einen anderen kulturellen Hintergrund haben, als die Herren Bush, Douglas, Atamaniuk und O´Brien (die sicher auch ihre Meriten haben)?"(Glitterhouse)

„Anniversary" wurde in einer 200 Jahre alten Scheune aufgenommen. Mit geliehenen, analogen Bandmaschinen, in ein paar Wochen. Man hört es ihr an - und doch wieder nicht. Man hört die harmonische Entspanntheit, den Langmut, das atmosphärische Gleichgewicht. Man hört allerdings keinerlei Qualitätsunterschiede zu teuren Produktionen.
Viele befreundete Musiker halfen, den Zweitling "Anniversary" einzuspielen. John Higgins spielte Dobro, Lap-Steel und Pedal-Steel, Karen Schulz Cello, Steve Rauner (ehemaliger Wagon-Teilzeitler und mittlerweile festes Mitglied bei den nicht minder formidablen Nadine) steuerte diverse alte Orgeln und sonstige Tasteninstrumente bei, John Horton spielte zusätzliche Gitarren ein und der am Jazz geschulte Chris Kase bläst hier ein stoisches Flügelhorn, das weit mehr als bloße Untermalung ist. Großartiges Ensemblespiel, das. Völlig unverkrampft, völlig natürlich und together.
Elf Titel nahm man auf (gemixt wurde von Ben und Sean Haney im G-Studio, Brooklyn, New York). Schöne, sanft perlende Songs. Weich fließend, im besten Sinne swingend, eingängig, melodiös. Und doch lugt stets ein Körnchen Hintersinn, eine Ahnung von dunklem Abgrund durch die prachtvollen Harmoniegesänge, stets steht da etwas Unausgesprochenes, latent Bedrohliches im Raum. Sehnsüchtiger, smoother Gesang, verzaubernd. Großartiges Songmaterial, auch.