Garland Jeffreys: "Ghostwriter" (A&M, Jan. 1977) |
Denkt man an Singer/Songwriter aus New York, so fällt einem sicherlich
schnell Lou Reed ein. Nicht ganz so bekannt, aber genauso mit
der Stadt verwurzelt ist Garland Jeffreys. "Ghostwriter" gilt
als sein bestes Album und enthält mit "Wild In The Streets"
seinen ersten Hit und mit "Cool Down Boy" ein klasse Duett
mit James Taylor. Begleitet wird er von den besten Musikern der
Stadt, u.a.: Dr. John (p), Steve Gadd (dr), Don Grolnick
(keyb), David Spinozza (g), Anthony Jackson (bg), Mike
Brecker (sax), Randy Brecker (tp) und Hugh McCracken (g).
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Rock, reggae, and jazz mix on this album of striking urban songs that are both confessional and confrontational. Includes "Wild in the Streets."
(by William Ruhlmann, All Music Guide)
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Emmylou Harris: "Luxury Liner" (Warner, Jan. 1977) |
Auch auf ihrem vierten Album gibt es wieder Lieder von Gram
Parsons (der Titelsong und "She", letzteres eines meiner
Lieblingslieder von GP). Mit Emmylous
Version von "Pancho & Lefty" wird endlich auch
Townes van Zandt einem größeren Publkum bekannt.
Ob das der Grund war, dass er im folgenden Jahr endlich wieder nach
mehrjähriger Pause ein Album aufnehmen konnte, weiss ich allerdings
nicht. Mit starkem Albert Lee in der Hot Band.
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"My, my, she sure can sing. Emmylou Harris has arrived and is one
class act. Her third album, Luxury Liner (Warner Bros.), entered the country
charts at number ten, and it was clear sailing from there on in. The record
has a reliable crew (old friends Hank DeVito, Glen D. Hardin, Dolly Parton,
Fayssoux Starling, Emory Gordy and producer Brian Ahern) and great charts
by the Louvin Brothers (who gave Emmylou her first hit, If I Could Only
Win Your Love). Harris has a voice that can take the simplest lyrics and
make them mysterious. Her new version of Gram Parsons' She will break
your heart. And when she has a truly challenging set of words, the effect
is something else again. The poetry on the album is supplied by Chuck
Berry (the cherry-red C'est La Vie) and Townes Van Zandt (the cryptic
epic Pancho and Lefty). The latter may be about the famous Mexican bandit
Villa and his right-hand man, Lefty. The relationship is not stated and,
for that matter, we're not sure what happens. Pancho gets laid low in
the desert, and his friend, ex-lover or assassin, Lefty ("He just
did what he had to do"), moves to a cheap hotel in Cleveland. Now
"All the federales say / Could of had him any day / Only let him
slip away / Hang around / Out of kindness I suppose." Vulnerable.
Vindictive. Eerie. You may not know what happened, but something did,
and it was important. We wish there were more songs like Pancho and Lefty
on this album, in the world, wherever."
(Playboy, vol. 24, no. 5 - May, 1977)
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Luxury Liner ranks as Harris' best-selling solo record to date, and it's
one of her most engaging efforts as well; her Hot Band is in peak form,
and the songs are even more far afield than usual, including Chuck Berry's
"(You Never Can Tell) C'est La Vie" and Townes Van Zandt's painterly
tale of aging outlaws, "Pancho & Lefty."
(by Jason Ankeny, AMG)
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Fleetwood Mac: "Rumours" (Warner, Feb. 1977) |
"Rumours" ist eines der meistverkauften Rockalben aller Zeiten.
Das ist normalerweise kein Grund für mich, es zu einem meiner Favoriten
zu erklären (eher das Gegenteil!). Ich muss aber klar sagen: eine
wirklich tolle Platte mit tollen Songs. Eine der seltenen Momente, bei
dem ich nicht mit dem Massengeschmack auf dem Kriegspfad bin (mir fällt
da höchstens noch "Crime Of
The Century" ein!)
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"The sixth-best-selling album of all time owed its success to Fleetwood
Mac's willingness to turn private turmoil into gleaming, melodic public
art. The band's two romantic couples -- bassist John and singer-keyboard
player Christine McVie, who were married; guitarist Lindsey Buckingham
and vocalist Stevie Nicks, who were not -- broke up during the protracted
sessions for Rumours. This lent a highly charged, confessional aura to
such songs as Buckingham's "Go Your Own Way," Nicks' "Dreams,"
Christine's "Don't Stop" and the group-composed anthem to betrayal,
"The Chain." The Mac's catchy exposes, produced with California-sunshine
polish, touched a nerve; Rumours, a landmark Seventies pop album, ruled
Billboard's album chart for thirty-one weeks." (Rolling Stone)
Total album sales: 19 million - Peak chart position: 1
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Roy Harper: "Bullinamingvase " (EMI/Harvest, Feb. 1977) |
Angeblich nicht sein bestes Album, aber das, was ich als erstes von ihm kennengelernt habe -
und mir auch weiterhin am besten gefällt. Was? Ihr kennt den Mann nicht? Ein so genannter
"Musician's Musician". Led Zeppelin haben ihm das Lied "Hats Off To Harper"
gewidmet (auf "Led Zeppelin III"),
auf Pink Floyds Album "Wish You Were Here" sang er
höchstpersönlich "Have A Cigar". Meine amerikanische Pressung hat übrigenz den Titel
"One Of Those Days In England", benannt nach dem über 20minütigen Lied von Seite 2.
Tolle Gitarrenarbeit von Henry McCullough (Grease
Band, Wings) und Andy Roberts (Plainsong,
Ian Matthews). Weitere illustre
Gäste: Paulchen McCartney samt Linda, Ronnie Lane
(Faces) und Alvin Lee (Ten Years After). Aber keine Angst: die
Musik klingt vollkommen nach Roy Harper und nicht wie eine Schnittmenge
der beteiligten Prominenz.
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...das mit der One Of Those Days In England-Suite
und so todtraurigen Folksongs wie Cherishing The Lonesome, die nicht weniger
eindrucksvoll sind als die besten des großen Townes Van Zandt. Im
neuen Hochbit-Transfer klingt das genauso gut wie seinerzeit die vorzügliche
Pressung! (Rolling Stone. 4 ½ Sterne) |
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Jo Jo Zep & The Falcons: "Don't Waste It" (Oz, Feb. 1977) |
Das Debüt der australischen Band um den maltesischen Sänger/Saxofonisten
Joey Camilleri. Der Musikstil ist auf diesem Album noch stark vom
Blues geprägt. In den 80ern wendeten sie sich erfolgreich der "normaleren"
Rockmusik zu und versuchten sich am Ende sogar an Disco und New Wave,
wobei Letzteres m. E. ziemlich daneben ging. Bei uns war die Band nie
so erfolgreich wie in der Heimat, weshalb die Platten schnell in den Grabbelkisten
landeten - wo ich sie auch her habe!. Camilleri war dann in den 90ern
doch noch mal mit der Band Black
Sorrows sehr erfolgreich. |
Muddy Waters: "Hard Again" (Blue Sky, Feb. 1977) |
Muddys Comeback, von Johnny Winter produziert und mit James Cotton
an der Mundharmonika. Muddy schaut sehr stolz und zufrieden vom Cover:
er konnte es auch sein. Heiß! |
Gene Clark: "Two Sides To Every Story" (RSO, März 1977) |
Soviel Platten wie Fleetwood Mac hat Gene Clark leider
nie verkaufen können. Sein kleiner Eckplatz in der Rock'n'Roll-Ruhmeshalle
begründet sich auf seinem Mitwirken in der Frühphase der Byrds.
Seine Soloalben haben sich dagegen alle nur sehr mäßig verkauft.
Nach dem Meisterwerk (zumindest in meinen Ohren) "No
Other" von 1974 flog er bei Elektra/Asylum schnell wieder raus.
Bei "Two Sides To Every Story" wurde dann zum letzten Mal
von einer großen Plattenfirma in ihn investiert und es entstand
diese eigentlich recht gelungene Countryrockplatte, was aber kommerziell
mal wieder nichts gebracht hat. Danach gab's alle paar Jahre noch mal
ein Independent-Alben, die aber an den schlechten Produktionsbedingungen
leiden (z.B. "Fire Byrd" von 1984). |
Van Morrison: "A Period Of Transition" (Warner, März 1977) |
Drei
Jahre nach "Veedon Fleece"
ging Van Morrison mit Dr. John und einigen R&B-Musikern ins
Studio und es entstand "Period Of Transition". Nach meinem
Wissensstand ist das das einzige Mal, dass er sich eine solch lange
Pause gegönnt hat! Man muss sich das mal vorstellen: seit 1968
("Astral Weeks") kommt
fast jedes Jahr von ihm eine neue Platte heraus, von denen keine einzige
schlecht ist (das ist für Künstler aus dieser Generation durchaus
nicht normal!). Viele Kritiker mögen dieses Album nicht, vielleicht
weil es weniger stark nach klassischem "Van Morrison", sondern
eher nach New Orleans klingt (das liegt natürlich am Produzenten
Dr. John) - mir gefällt's auf jeden Fall. |
Weather Report: "Heavy Weather" (Columbia, März 1977) |
Das Meisterwerk von Josef Zawinul (keyb) und Wayne Shorter
(sax) und ihrem neuen Mann am Bass, Jaco Pastorius: alleine schon
wegen "Birdland", einem der besten Jazzstücke aller Zeiten!
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Weather Report's biggest-selling album is that ideal thing, a popular
and artistic success -- and for the same reasons. For one thing, Joe Zawinul
revealed an unexpectedly potent commercial streak for the first time since
his Cannonball Adderley days, contributing what has become a perennial
hit, "Birdland." Indeed, "Birdland" is a remarkable
bit of record-making, a unified, ever-developing piece of music that evokes,
without in any way imitating, a joyous evening on 52nd St. with a big
band. The other factor is the full emergence of Jaco Pastorius as a co-leader;
his dancing, staccato bass lifting itself out of the bass range as a third
melodic voice, completely dominating his own ingenious "Teen Town"
(where he also plays drums!). By now, Zawinul has become WR's de facto
commander in the studio; his colorful synthesizers dictate the textures,
his conceptions are carefully planned, with little of the freewheeling
improvisation of only five years before. Wayne Shorter's saxophones are
now reticent, if always eloquent, beams of light in Zawinul's general
scheme while Alex Acuna shifts ably over to the drums and Manolo Badrena
handles the percussion. Released just as the jazz-rock movement began
to run out of steam, this landmark album proved that there was plenty
of creative life left in the idiom.
(by Richard S. Ginell, All
Music Guide)
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Jesse Colin Young: "Love On The Wing" (Warner, März 1977) |
Seine letzte Platte für Warner war auch seine letzte richtig gute.
Ich habe "Love On The Wing" aus der langen Liste guter Warner-Alben
wegen des wunderschönen Covers ausgewählt. Produziert von
Felix Papalardi, mit dem er auch schon mal bei den Youngbloods
zusammengearbeitet hatte.
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Despite earning respectable sales, Jesse Colin Young's solo albums had
failed to generate the kind of hits that could have consolidated his career.
Love on the Wing, his first studio album in two years, was co-produced
by Felix Pappalardi, with whom Young had worked on some of the Youngbloods
albums. Warner released the title track, a lovely ballad written by Blue
Hazelhurst, and "Higher Higher," the leadoff track, another
of Young's I-want-to-stay-home-with-my-family- and-not-go-on-the-road
songs, as singles, but only the latter saw any radio or sales response,
and even that wasn't enough to make the Top 100. Used to be, singles wouldn't
have mattered to an artist like Young, but with record companies cooling
to singer/songwriters, radio tightening up, and musical trends tending
toward punk and disco, it was harder for a thoughtful artist like him
to gain exposure for his new music. Love on the Wing was a low-key effort
with an undercurrent of sadness -- the singer seemed disappointed with
the domestic life that had given him satisfaction before, and he certainly
hadn't warmed to the music business. Unfortunately, short of a career
breakthrough, "Workin"' on the road was the only way he had
of getting his music out. At the same time, working with the same group
of musicians he had been using for years, he seemed to have reached the
end of their musical development, even with the added horn and string
arrangements on some tracks. Love on the Wing delivered more of the same
at a time when Young needed to try something different, and that was reflected
in a slight fall-off in sales, after which he parted ways with Warner
Brothers.
(by William Ruhlmann, All
Music Guide)
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A fine record from one of the "Youngbloods" and among a group
of original tunes there's a great version of Hank's Hey, Good Lookin'
as well. With a tune dedicated to the Monterey Peninsula there's California
written all over this piece of vinyl. Assisted by one of the Rascals and
some voice from Ms. Larson, Jesse has put together a nice blend of country
tinged folk with a 1/2 cup of rock thrown in for good measure. Although
not a stand out record this will feel right at home on the shelf with
your Byrds, Burrito Bothers and may even strike up some small talk with
the New Riders. Very nice B & W photography on the covers too.
(Tralfaz-Archive)
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Bonnie Raitt: "Sweet Forgiveness" (Warner, April 1977) |
Eines der eher unbekannten, aber doch sehr schönen Alben von Mrs.
Raitt aus den 70ern - und so weit ich weiß ihr erster (relativer) kommerzieller
Erfolg aufgrund der Hitsingle "Runaway", einem alten 60er-Hit
von Del Shannon. Insgesamt deckt die Platte ein breiteres Spektrum
ab als bisher, von Folk mit Paul Siebels
Klassiker "Louise" mit wunderschönen Tönen von David
Grisman auf dem Mandocello (für Unbedarfte: eine zu groß geratene
Mandoline), über gefühlvoller Balladen (z.B. "Two Lives"
von Van Morrison-Keyboarder Mark Jordan, mit einem tollen Chor
von Rosemary Butler und Michael McDonald, dem Meister
der Backing-Vocals) und sogar Rock mit verzerrten Gitarren ("Gambling
Man" von Eric Kaz) bis hin zu Soul und Funk (der Opener
"About To Make Me Leave" mit der Hauptdarstellerin als Sängerin
und Slide-Gitarristin in Höchstform). Schön ist auch die Interpretation
der eher unbekannten Jackson Browne-Komposition "My Opening
Farewell" von dessen Debütalbum.
Der trotzdem sehr geschlossene Eindruck der Platte rührt aber nicht
zuletzt daher, dass hier Bonnie Raitt mit ihrer festen und offensichtlich
gut eingespielten eigenen Band im Studio war (Gitarrist Will McFarlane,
Keyboarder Jeff Labes, Drummer Dennis Whitted und Bassist
Freebo). Wenige Gäste setzen geschmackvolle Akzente: neben
dem bereits erwähnten David Grisman sei nur
Norton Buffalo mit seinem Wahnsinns-Mundharmonikasolo bei "Runaway"
erwähnt. Dank dafür gebührt wohl nicht zuletzt Produzent
Paul Rothchild, dem alten Elektra-Tonmeister, dem wir ja auch
"L.A. Woman" von den
Doors zu verdanken haben.
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Mit ihrem zehnten Album "Nick Of Time" gewann die amerikanische Musikerin Bonnie Raitt eine Menge neuer Fans, denen ihr früheres Werk nicht bekannt ist. Der Großteil dieser LPs - sämtlich bei Warner Brothers erschienen
- ist inzwischen auf CD neu herausgekommen. Das Debüt "Bonnie Raitt" (1971) war ihren Vorlieben entsprechend noch ganz in einem erdigen Rhythm & Blues- und Blues-Rahmen gehalten, belegte aber bereits eindrucksvoll die Qualitäten der Kalifornierin als Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin ("Thank You"). Mit "Give It Up" (1972) und "Takin My Time" (1973) wurde auch ihr Gespür für hervorragende Songschreiber (Jackson Browne, Eric Kaz, Randy Newman) deutlich. Für das Repertoire von "Streetlights" (1974) und "Home Plate" (1975) übernahm Bonnie Raitt in zunehmendem Maße Rock- und Pop-Elemente -und die auf dem grandiosen "Sweet Forgiveness" enthaltene rockige Neufassung von Del Shannons 60er-Jahre-Hit "Runaway" bescherte ihr schließlich 1977 einen Verkaufserfolg. "The Glow" (1979) konnte diesen Coup trotz gleichbleibend hohem musikalischem Niveau allerdings nicht wiederholen. Zwei weitere Warner-Brothers-Alben, "Green Light" (1982) und "Nine Lives" (1986), wurden bisher noch nicht als CD aufgelegt."
(Stereoplay)
Bonnie has demonstrated through the years that she can sing many different styles of music, all of them brilliantly – mainly blues and rock but also including pop, folk and even (on the Urban cowboy soundtrack) some country. This album does not show everything that Bonnie can do but it shows most of her major influences. The most famous song here is surely Runaway, a cover of Del Shannon's early sixties classic. Yet the song is almost unrecognisable compared to the original, which was a typical slice of rock'n'roll. Bonnie re-interprets the song, slowing it down to convert it to a blues-more…rock ballad. It works brilliantly and was an American hit for Bonnie.Bonnie has sometimes been compared to Linda Ronstadt. I regard them as very different singers but there are a few songs that both of them have recorded. On this album, you can hear one of these songs, Louise. However, Linda recorded the song on one of her early albums so her own music had changed quite a lot by the time Bonnie recorded the song.Elsewhere, Bonnie delivers fine versions of Three time loser (Don Covay), Taking my time (Little Feat), Home (Karla Bonoff), Gambling man (Eric Kaz) and My opening farewell (Jackson Brown).This is a fascinating album that all Bonnie Raitt fans should own.
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Nick Lowe: "Bowi" (Stiff, Mai 1977) |
Dies
hier ist zwar nur eine 7"-EP mit vier Songs, aber eben Nick Lowe's
erster Erfolg unter eigenem Namen. Der Titel ist natürlich ein
Insider-Witz! Nicht verstanden? Versucht's mal mit Mausschubsen über
dem Cover! |
Hawkwind: "Quark, Strangeness & Charm" (Charisma, Juni 1977) |
Das
erste Hawkwind-Album ,das ich mir damals nicht mehr sofort gekauft habe,
weil es mir zu poppig war. Auch das erste Album ohne Nik Turner.
Und ein wirklich hässliches Cover, was damals wohl "modern"
sein sollte. OK - für "Astounding
Sounds..." bin ich auch nicht mehr sofort bei Veröffentlichung
in den Plattenladen gestürmt, sondern hab mir das Album erst nach
dem damaligen Livekonzert in der Essener PH zugelegt. Bei "Quark,
..." war aber erst mal für lange Jahre Schluss. Nun hab ich
mir eine - zugegebenermaßen billige - CD aus der Grabbelkiste besorgt
und finde die Platte eigentlich gar nicht so schlecht!!! Bob Calvert
singt eigentlich ganz gut, fast poppig (bzw. "wavig") |
Mink DeVille: "Cabretta" (Capitol, Juni 1977) |
Wenn
man 1977 debütiert und im New Yorker Club CBGB's auftritt, wird
man schnell in die Punkrock/New-Wave-Ecke gestellt. Das passierte außer
Blondie auch Willy DeVille und seiner Truppe - und hat beiden
nicht geschadet. Natürlich spielten Mink DeVille keinen Punk, sondern
eigentlich recht konventionellen, fast schon altmodischen Rock'n'Roll,
allerdings mit einem kräftigen Hispano-Touch. Und sehr wild und
frisch - genauso wie Punkrock eben ganz was anderes als der damalige
Bombast- und Mainstream-Mist. Produziert wurde das Ganze übrigenz
vom legendären Jack Nitzsche. |
Laura Nyro in Concert: "Season Of Lights" (Columbia, Juni 1977) |
Wiedergefunden in der Grabbelkiste.
(25.03.2012)
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From the opening moments of Season of Lights, as the band slides smoothly into "Money" from Laura Nyro's then-current album, Smile, you know that this record was cut at the perfect moment in Nyro's career -- her performance combines the understated sense of release of someone who is back from a long sabbatical (in this case, five years away from recording or performing), and the cool, smooth professionalism of a natural performer who has found a perfect accompaniment, in this case mixing elements of pop and light jazz. She gave listeners fresh reconsiderations of ten-year-old works like "And When I Die," which she does in a slow, lyrical, yet slightly funky manner, as though neither she nor any of her audience had ever heard of Blood, Sweat & Tears -- talk about reclaiming a song for herself, once one hears this rendition it's difficult to take David Clayton-Thomas' performance of it seriously ever again -- and "The Confession." "Upstairs by a Chinese Lamp" becomes the vehicle for Nyro's introduction of the band, before she begins stretching her upper range, accompanied by Jeanie Fineberg's flute, John Tropea's guitar, and Michael Mainieri's vibraphone. "When I Was a Freeport (And You Were the Main Drag)" is the kind of song that, ideally, should only ever have been presented live, showing off Nyro at her most gently beguiling and accessible, teasing the audience with the play of her words and her voice, an approach that she emulates on "Captain St. Lucifer." The original ten songs from the original LP were a decent representation of where Nyro was at the time, though one can bet that if Clive Davis had still been president of Columbia Records, Season of Lights would have been the double LP that was intended. [In 1995, Sony Music of Japan issued an expanded edition, and complete versions of the concert appeared in the 2000s.]
(by Bruce Eder, All Music Guide)
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Neil Young: "American Stars 'n Bars" (Reprise, Juni 1977) |
Eine
umstrittene, für mich in der Rückschau aber unterbewertete
Neil Young-Veröffentlichung. Die Minuspunkte sind offensichtlich:
(mal wieder) ein ziemlich hässliches Cover und dazu eine heterogene
Songauswahl (aufgenommen zwischen 1974 und 1977). Deshalb gilt das Album
für viele als "Resteverwertung". Aber es enthält
zumindest einen Klassiker, das Crazy-Horse-Stück schlechthin:
"Like A Hurricane", das sich aber auch zusammen mit einem
weiteren Lied (das countryfizierte "Star Of Bethlehem" mit
Ben Keith am Dobro, Emmylou Harris als zweite Stimme und
den Nashville-Rhythmus-Assen Tim Drummond und Karl Himmel)
auf dem Ende des gleichen Jahres erscheinenden 3fach-Sampler "Decade"
befinden wird. Da ich mir damals schon "Decade"
zugelegt hatte, gab es somit in den Jahren danach keinen Grund, auch
"Stars&Bars" zu besitzen. Das habe ich auch jetzt erst
mit der reichlich späten CD-Wiederveröffentlichung nachgeholt.
Festzustellen ist dabei: eine schöne Mischung aus deftigem "Crazy
Horse"-Sound (Billy Talbot, Ralph Molina und
Frank Sampedro sind auf den meisten Liedern dabei), auf der einen
Seite - den ich sehr mag, und der Country-Seite von Mr. Young (also
eher der "Harvest"-Stil),
den ich mindestens genauso mag. Das passt für mich alles sehr gut
zusammen!
(19.08.2003) |
Elvis Costello: "My Aim Is True" (Stiff, Juli 1977) |
"With
just four 3-hour sessions spread over 2 days the young but mature
Elvis recorded one of the finest debut albums ever. Jake Riviera,
his manager, described him as "Baggy-suited and bespectacled,
a Buddy Holly on acid!"
Das Debüt, noch ohne die Attractions, aber schon mit den tollsten
Songs: "Allison", "Miracle Man" und "Mystery
Dance". Produziert hat Nick Lowe, die Begleitband wird
von der damals in London ansässigen amerikanischen "Pubrock"-Band
Clover gestellt. Clover
gelang selber nie der Durchbruch, hatte aber ein paar danach zum Teil
berühmt gewordene Mitglieder: John McFee (ging zu den
Doobie Brothers), Alex Call (wurde ein gefragter Songschreiber),
John Ciambotti (war später für lange Jahre der Bassist
von Lucinda Williams) und natürlich
Huey Lewis und sein treuer Keyboarder Sean Hopper.
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"The Count Bishops" (Chiswick, Juli 1977) |
Mitten im Punkrock und der absterbenden Pubrockszene sorgte diese R&B-Truppe
in England für einen kurzen Moment für Furore: zu alt(modisch)
für Punker, zu hart für die normalen Rockfreunde. Vielleicht
die bösen Verwandten von Dr. Feelgood?
übrigenz spielte kein "richtiger" Engländer in der
Truppe: Sänger David Tice wurde zwar in England geboren,
wuchs aber in Australien auf und kehrte dahin nach "Karriere-Ende"
auch wieder zurück. Trommler Balbi war ebenfalls Australier,
Johnny Guitar war Amerikaner, Bassist Steve Lewins kam
aus Irland und Rhythmusgitarrist Zenon de Fleur hatte polnische
Wurzeln.
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Kicking off with a great cover of the Kinks' "I Need You," this solid, unpretentious debut album belongs in the home of every fan of English R&B from the Yardbirds to the Pretty Things to Dr. Feelgood. Guitarists Johnny Guitar and Zenon de Fleur keep it tight and simple, never wasting a note, and vocalist Dave Tice is so macho, it's enough to make you laugh. The originals are OK if somewhat predictable blues-based rave-ups, but the energy and good cheer more than make up for the album's derivative nature. Not a deep album by any stretch of the imagination, just good dirty fun.
(by John Dougan, All Music Guide)
The thing that seems to distinguish Chiswick from the other record companies of the same type is that they're prepared to totally play to their hunches. Unlike, for example, Stiff, it seems that anybody who signs with Chiswick is regarded as an album artist, and to prove it, artefacts are upcoming from Johnny Moped, the Radiators From Space, Skrewdriver, and best of all, from the compulsively athletic Radio Stars, which will go alongside this first album on the label, and its companion Motorhead. That's faith, and such a commodity is sadly lacking among other record companies at the moment.
So why don't I particularly rate the Count Bishops? Well, it's probably to do with the fact that I, along with Malcom Mclaren (or so I've read), used to go and see the Stones up to four times a week around this time fifteen years ago (Sunday afternoon at Ken Coyler's, Sunday evening at the Crawdaddy, for which I still have my membership card, Monday night at the Marquee, and Wednesday at the Eel Pie Island, if they were on).
In those days the stones were about a million times more exciting and accessible than they are now, and they've never recaptured even one per cent of that excitement since about 1964, the year I saw the Paul Butterfield Blues Band at the Golders Green Refectory (to which the same applies).
What's wrong with the Count Bishops for me is that they seem to be very like a 1969 Stones, or the Pretty Things at almost any point in their career, except they don't have the distinctiveness of either.
A lot of that's to do with their songs, which are generally indifferent. That's the originals of course, because lots of bonus points are scored by anyone who reurrects the Standells, even if they got the title wrong, although covering Savoy Brown almost erases this advantage. There are five originals out of twelve, and only one, 'Stay Free' by guitarist Zenon de Fleur (a likely story), is better than wallpaper, with guitar not unlike Quiver's 'Reason For Staying'. Happening to meet Zenon at the Nashville, I expressed my opinion that his group's writing doesn't cut it yet, and he seemed a bit disgruntled. Hardly strange, I suppose...
If it's of any interest (and it probably isn't), I suggest more careful choice of songs next time. EG, if you're determined to do a Chuck Berry, how about 'Our Little Rendevous' or 'Don't Lie To Me' instead of boring stuff like 'Down Te Road Apiece'? And why do Elmore James when the Fleetwood Mac reissues are flooding the market? The Kinks isn't such a great idea either, but I'll be waiting for you to do 'Dirty Water' on the next album. So don't let me down, Zenon...
(Album review by John Tobler - First published in Zig Zag #76, Sept 1977)
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Crosby, Stills & Nash: "CSN" (Atlantic, Juli 1977) |
Es
war eigentlich nicht zu erwarten, das CS&N ohne Y noch mal ein respektables
Album hinkriegen würden. "CSN" enthält mit "See
The Changes" eine Akustikballade im Stil des Debüts und mit
"Dark Star" einen gelungenen Rocker. Auch Crosby schafft mit
"Shadow Captain" eine gute Nummer, Nash mit "Cathedral"
und "Just A Song Before I Go" sogar zwei. |
Grateful Dead: "Terrapin Station" (Arista, Juli 1977) |
Nachdem ihr eigenes Label finanzielle Probleme bekam, unterschrieben
die Dead zum zweiten Mal bei einer Major-Company. Clive Davis,
der in den 60ern die Band gerne für seinen damaligen Arbeitgeber
CBS verpflichtet hätte, war inzwischen Chef im eigenen Laden Arista.
Erstmals seit "Anthem Of The Sun" (1968) gab es mit
Keith Olsen, der gerade mit Fleetwood Macs "Rumours"
einen gigantischen Erfolg feierte, auch einen externen Produzenten.
Der Aufschrei war dann groß: MAINSTREAM! SCHRECKLICH! Kurioserweise
wurde "Terrapin Station" dann aber eher das "Progrock-Album"
der Band, was vielleicht am Titelsong liegt, der die ganze B-Seite einnimmt
und mit Orchester- und Choreinsätzen daherkommt. Dabei übersieht
man die guten Songs der A-Seite: Bob Weirs "Estimated Prophet"
ist ein genialer Reggae im 7/4-Takt, "Passenger" der erste
Phil Lesh-Song seit "Mars-Hotel"-Zeiten,
"Sunrise" das einzige Dead-Stück, das von Donna Godchaux
gesungen und komponiert wurde: hat natürlich nix mit echtem
"Dead-Sound" zu tun, ist aber eine schöne, vielleicht
einen "Tacken" zu kitschig-bombastische Ballade. |
The Rumour: "Max" (Vertigo, Juli 1977) |
Würdet
Ihr Euch für eine Platte der East-Street-Band ohne Bruce
Springsteen interessieren? Wahrscheinlich nicht. Aber bei der Begleitband
von Graham Parker klappt das erstaunlich gut. Schließlich
haben die Gitarristen Brinsley Schwarz und Martin Belmont
sowie Keyboarder Bob Andrews auch schon vorher in interessanten
Bands gespielt (Brinsley Schwarz
bzw. Ducks Deluxe).
(09.04.2010)
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On their debut, the Rumour play laidback pub-rock in a style (predictably) not too dissimilar to their work with Graham Parker, though it is looser and more in the style of later Brinsley Schwarz. Max is probably most noteworthy for the clear high point, the band's cover of Nick Lowe's "Mess With Love" (a song he wouldn't get around to recording himself until 1982's Abominable Showman), although the album is packed with some terrific music.
(by Chris Woodstra, All Music Guide)
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Joan Armatrading: "Show Some Emotion" (A&M, Sept. 1977) |
Dies
ist für mich das überzeugendste Album von ihr: gerade der
Titelsong mit der Gitarrenarbeit von Joan (akustisch) und Jerry
Donahue (elektrisch), aber auch "Warm Love", "Opportunity"
und die Ballade "Willow" überzeugen. Produziert hat Glyn
Johns, am E-Piano ist mehrmals Georgie Fame dabei. |
"Karla Bonoff" (Columbia, Sept. 1977) |
Karla
Bonoffs Debüt enthält einige Songs, die erfolgreich von anderen
Sängerinnen interpretiert wurden: mit "If He's Ever Near",
"Someone To Lay Down Beside Me" und "Lose Again"
gibt's gleich 3 davon auf Linda Ronstadt's Album "Hasten
Down The Wind", "Isn't It Always Love" wurde von
Nicolette Larson aufgenommen und Bonnie Raitt sang "Home".
Karlas eigene Versionen brauchen sich aber überhaupt nicht dahinter
verstecken! |
Randy Newman: "Little Criminals" (Warner, Sept. 1977) |
Ausnahmsweise
fand sich Randy Newman mit dem Lied "Short People" sogar in
den Charts wieder. Viel besser gefallen mir aber andere Lieder von der
Platte, z.B. "Baltimore" oder "Rider In The Rain". |
Pete Townsend/Ronnie Lane: "Rough Mix" (Polydor, Sept. 1977) |
Obskures
Duo-Projekt von zwei alten Helden der englischen Rockmusik, in Szene
gesetzt vom Star-Produzenten Glyn Johns unter Zuhilfenahme solch
prominenter Gäste wie Eric Clapton, Gallagher & Lyle,
Charly Watts u. a. - und trotzdem ein Flop. Deshalb (mal wieder)
eine Wühltischentdeckung von mir. Pete Towsend, den Mastermind
der Who, kennt sicherlich jeder. An's Herzen legen möchte
ich Euch aber Ronnie Lane, Ex-Bassisten der Small Faces
(mit Steve Marriot) und der Faces
(mit Ronnie Wood und Rolf Stuttgart), der vielleicht nicht der beste
Sänger ist, aber schon immer schöne Songs schrieb. |
Steely Dan: "Aja" (ABC, Sept. 1977) |
"Aja"
ist meine klare Lieblingsplatte des Duos Becker/Fagan. Es sind wie immer
exzellente Musiker dabei, die die Ideen der beiden umsetzen (z.B. Wayne
Shorter), aber der Star sind für mich die Songs: "Black
Cow", "Aja", "Deacon Blue", "Home At Last"
und "Peg". über die Entstehung der Platte gibt's übrigens
ein tolles Video aus der Reihe "Classic Rock Albums". |
Motors: "1" (Virgin, Sept. 1977) |
Das
Debüt der Ex-Ducks-Deluxe-Musiker
Nick Garvey und Andy McMasters, endlich mit dem Erfolg,
der vorher leider nicht gelang: "Dancing The Night Away" stürmte
die Charts. Die gestandenen Rocker wurden damals sogar irrsinnigerweise
als Punkrocker verkauft. |
Dennis Wilson: "Pacific Ocean Blue" (Columbia/Caribou, Sept. 1977) |
Einziges Soloalbum des Beach Boys-Drummers. Vielleicht kein so
begnadeter Sänger wie seine beiden Brüder Brian und Carl und
auch sicherlich kein so genialer Komponist wie Brian, aber immerhin
der Autor eines meiner liebsten Beach Boys-Songs: "Forever"
vom 1970er Album "Sunflower".
Insgesamt ein wunderschönes, sehr orchestrales Album. Und deutlich
besser als das, was die Beach Boys selber zur gleichen Zeit zustande
brachten, die mehr und mehr zu eine Oldieband degenerierten.
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The great 70's Beach Boys album that never was - Dennis might have been
the least vocally talented band member, but he was far from the least
musically talented, and he was the only one to score a legitimate commercial
success as a solo artist. And this, his only solo album, is full of his
trademark half-whispered vocals, gentle piano parts, and creepy orchestrations,
making it a must for anyone who enjoyed his earlier compositions. It's
a million times more sincere and up-to-date than anything the band was
doing at this point, with ballsy horn parts, indulgent lead guitar lines,
unpredictable arrangements, and plenty of grit and emotion. Plus there
are all the smooth Beach Boys-style vocal harmonies you might expect (the
silly eco-friendly title track, co-authored by Mike), supplied by numerous
backing singers including Bruce Johnston, a Baptist choir, and Dennis'
then-wife Karen Lamm. Everything works, including gospeley Holland-style
pop songs ("River Song"), mellow 70's-style love songs ("You
And I"), dramatic confessionals ("Friday Night"), and uplifting
harmony ("End Of The Show") - even the lyrics are effective
("Dreamer"). Co-produced and mostly co-written by Dennis' long-time
friend Gregg Jakobson; there's a ton of sidemen including Beach Boys regulars
like Hal Blaine, Ricky Fataar, and Ed Carter, as well a horn section and
James Jamerson's son Jamie. (JA)
|
|
Though the roots of this 1977 album go back to the early '70s, Dennis Wilson's one issued solo project, Pacific Ocean Blue, is certainly a product of its time, both musically and texturally. The set's 12 songs reveal a songwriter who was looking to stretch out on his own and engage a vision of music that stood far outside what the Beach Boys were capable of handling or executing. Wilson himself panned the album, claiming it had no substance, and looked forward to the release of Bamboo, a record that remained unfinished and unreleased at the time of his death. (Brother Brian, however, loved the album and celebrated it with his usual childlike intensity.) Pacific Ocean Blue is a moody view of the SoCal landscape, and of Wilson's own interior life — or his struggle to have one. From the environmental lament, "River Song," that opens the disc, we can hear a new kind of West Coast music emerging. It's not steeped in the weighty philosophical and political concerns that other Angelenos such as Jackson Browne were penning. Instead, it's a wispy rock tune revolving around a beautiful piano figure, shuffling guitars, and lyrics that take a personal concern for the state of the nature crumbling around it. "Dreamer" is a classic piece of '70s rock as it wound itself around the emerging R&B of the time, with interlaced horn lines, synths, and funky basslines cutting through the bridge and into the final verses; all steeped in a gorgeous, lush groove that even at this relaxed tempo won't quit. Mostly, however, Pacific Ocean Blue is a diary. Given that it was recorded over nearly seven years, the songs reflect the snapshot quality of Wilson's life in the studio: what he was capable of, what he learned, and how he stretched himself. Take, for example, the tender stoner balladry of "Thoughts of You" and "Time;" with their languid, echoing piano hovering in the mix with a shadow presence as Wilson sings with a longing that is true, yet muted by his seeming resignation to things being a total loss. The latter track also features a moody trumpet solo reminiscent of Chet Baker and transforms itself into a horn-driven anthem by its nadir. This album is a classic, blissed-out, coked-up slice of '70s rock and pop that is as essential as Fleetwood Mac's Rumours. [There is a bootleg version of Pacific Ocean Blue that contains — besides a master that is every bit as good as the released version — five bonus tracks (mostly backing vocal tracks) that may not be everybody's cup of tea, but fanatics will absolutely have to have them. ]
(by Thom Jurek, All
Music Guide)
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David Bowie: "Heroes" (RCA, Okt. 1977) |
Zusammen
mit den Produzenten Tony Visconti, Brian Eno und Gitarrist
Robert Fripp entstand in Berlin dieser Höhepunkt in Bowies
langer Karriere. |
Graham Parker & The Rumour: "Stick To Me" (Vertigo, Okt. 1977) |
"Stick To Me" ist bereits das dritte vorzügliche Album von
Graham Parker und seiner Band innerhalb kürzester Zeit!
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Graham Parker and the Rumour's third new studio album to be released
in 18 months finds the bandleader running short of top-flight material;
"Thunder And Rain" and "Watch The Moon Come Down"
are up to his usual standards, but songs like "The Heat In Harlem"
find him dangerously out of his depth. As a result, although fiercely
played, this star-crossed release (it had to be re-recorded when the first
version suffered technical problems) is a cut below Parker's first two
albums.
(by William Ruhlmann, All
Music Guide)
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Tyla Gang: "Yachtless" (Beserkley, Okt. 1977) |
Sean
Tyla war mit seiner Band Duck Deluxe
einer der Pioniere des Pubrock. Bands wie die Ducks, Ace
und Brinsley Schwarz brachten
den Rock'n'Roll zurück aus den Stadien in die Kneipen, wo sie begeistert
gefeiert wurden, wo allerdings wenig Geld zu verdienen war. RCA
hatte die Ducks dann nach 2 kommerziell erfolglosen Alben auch schnell
wieder rausgeworfen und beim US-Indie Berserkley konnte er mit
der Nachfolgeband Tyla Gang den großen Erfolg als geniale Liveband
im Studio ebenfalls nicht gleicherwertig umsetzen. Trotzdem ist zumindest
dieses Debüt der Band für meinen Geschmack absolut gelungen!
Im Studio geholfen hatten übrigenz die ehemaligen Ducks-Kollegen
Nick Garvey und Andy McMasters, inzwischen unter dem Namen
"Motors" so erfolgreich, wie Sean Tyla
es mindestens genauso verdient hätte, sowie mein alter Held Deke
Leonard von dem damals gerade frisch aufgelösten Man.
Mit Leonard startete Tyla dann wenige Jahre später das völlig untergegangene
Bandprojekt "The Force",
bevor Leonard danach Man reaktivierte
und Tyla gänzlich in der Versenkung verschwand. |
Man: "All's Well That Ends Well" (MCA, Nov. 1977) |
Schönes
Dokument vom Abschiedskonzert einer meiner Lieblingsbands vom Dezember
1976 aus dem Londoner Roundhouse in der Besetzung Deke
Leonard und Mickey Jones (Gitarren), Terry Williams
(Schlagzeug), Phil Ryan (Tasten) und John McKenzie (Bass).
Als die Platte damals erschien, war die Band schon Geschichte, weshalb
sie sich auch wohl kaum verkauft hat und auch unter Man-Fans nicht so
richtig beliebt ist. Ich dagegen mag sie sehr: enthält sie doch
die einzige Man-Aufnahme des Bluesklassikers "Let The Good Times
Roll", eng angelehnt an die Version von Ray Charles, die
richtig gut rüberkommt und wohl nichts für harte Man-Fans
ist! |
John Martyn: "One World" (Island, Nov. 1977) |
Der
ehemalige Folksänger war inzwischen ganz im "Rock" angekommen
und spielte fast nur noch E-Gitarre mit Space-Echo, seinem neuen Markenzeichen.
Trotzdem überzeugt die Platte vor allem durch das gute Songmaterial
und das gute Zusammenspiel der Musiker. Es spielen u. a. Danny Thompson
(Kontrabass) und Steve Winwood (Synthesizer) und der jamaikanische
Posaunist Rico.
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Als John Martyn 1978 "One World" einspielte, war er längst nicht mehr der Zupfhansel von einst, sondern ein zerrissener Düstermann, der mit perkussiver E-Gitarre, Effektgeräten und heiser hechelndem Gesang Psychedelia, Soul, Folk und Funk zur Kernschmelze brachte. Jetzt liegt der große Wurf remastert vor. Ergänzt wird das Album um eine komplette CD mit Live-Aufnahmen und Demos - Grundprinzip der grandiosen "Deluxe Edition"-Serie von Universal, die Klassiker der Pop- und Rock-Geschichte erst aufarbeitet, dann wunderbar verpackt und per Bonus-Album in einen historischen Schaffenskontext stellt. Der dritte Schub umfasst zudem Doppel-CDs der Beatles mit Tony Sheridan ("First"), Lloyd Cole & The Commotions (den Geniestreich "Rattlesnakes"), The Wailers ("Burnin'"), Cream (das zeitlose "Disraeli Gears"), INXS ("Kick"), Nine Inch Nails, ABC und The Cure. Das darf so weitergehen, gern mit offenem Ende.
(Kulturnews)
After Sunday's Child, John Martyn took an extended break from studio recording. By late 1975, feeling he was close to going "completely round the bend," he had also stopped touring. To put some distance between himself and the pressures of the business and to recoup his creative energies, he went to Jamaica. There, after meeting dub producer Lee "Scratch" Perry, Martyn sat in on sessions by other artists and contributed to Burning Spear's Man in the Hills. Martyn returned to the U.K. reinvigorated and began recording One World in summer 1977. Produced by Island boss Chris Blackwell and featuring Dave Pegg, Morris Pert, John Stevens, Danny Thompson, and Steve Winwood, among others, One World combines the experimental tendencies of 1973's Inside Out and the more conventional song structures of Sunday's Child. While tracks like "Couldn't Love You More," "Smiling Stranger," and "Certain Surprise" display some continuity with the rootsy, jazzy folk-rock of Martyn's previous albums, this record has a stronger commercial feel than his earlier work, crossing over into pop territory. Especially memorable in that regard is the electrified swagger of "Big Muff," a number co-written by Perry that would become one of Martyn's live staples. But One World's understated explorations of mood are even more compelling; the experimental nature of dub -- of which Perry was a legendary exponent -- clearly resonated with Martyn. Since the early '70s, he had displayed a keen ear for sonic manipulation, using effects like Echoplex and a phase shifter to craft drifting, hypnotic textures. Here, the lazy title track and the synth-pulsing "Small Hours" exemplify Martyn's knack for mesmerizing, smoky grooves. Those looser, atmospheric numbers notwithstanding, most of One World signals the more slick pop direction John Martyn would take in the '80s starting with Grace & Danger (and with increasingly mixed results).
[In 2005, Island released a Deluxe Edition of One World that included five live tracks and 10 alternate versions of songs from the initial release.]
(by Wilson Neate, All Music Guide)
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Neil Young: "Decade" (Reprise, Nov. 1977) |
Ein wirklich guter Sampler. Auf drei LPs (bzw. 2 CDs) alle wichtigen
Songs von 1966-76. Das ganze hatte bloß einen Haken: Der Besitz von
"Decade" hat mich jahrelang davon abgehalten, mir die Originalalben
zu besorgen!
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"Given the quirkiness of Neil Young's recording career, with its
frequent cancellations of releases and last-minute rearrangements of material,
it is a relief to report that this two-disc compilation is so conventional
and so satisfying. A 35-track selection of the best of Young's work between
1966 and 1976, it includes songs performed by Buffalo Springfield, Crosby,
Stills, Nash & Young, and the Stills/Young Band, as well as solo work.
In addition to five unreleased songs, Decade offers such key tracks as
the Springfield's "Mr. Soul," "Broken Arrow," and
"I Am a Child"; "Sugar Mountain," a song that had
appeared only as a single before; "Cinnamon Girl," "Down
by the River," and "Cowgirl in the Sand" from Everybody
Knows This Is Nowhere; "Southern Man" and the title track from
After the Gold Rush; and "Old Man" and the chart-topping "Heart
of Gold" from Harvest. This is the material that built Young's reputation
between 1966 and 1972, although he is more idiosyncratic with the later
material, including the blockbusters "Like a Hurricane" and
"Cortez the Killer" but mixing in more unreleased recordings
as the set draws to a close. He seems intent on making the album a listenable
one that will appeal to a broad base of fans, and he succeeds despite
the exclusion of much of the harrowing work of 1973-1975. Nevertheless,
the album is an ideal sampler for new listeners, and since there is no
one-disc Young compilation covering any significant portion of his career,
this lengthy chronicle is the place to start." (William Ruhlmann)
|
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Jackson Browne: "Running On Empty" (Asylum, Dez. 1977) |
Ein
sehr kurioses Livealbum, vielleicht sogar eines der besten Livealben
der Rockmusik überhaupt. Eigentlich ist es eher ein Tourneetagebuch,
denn die Aufnahmen entstanden nicht einfach nur auf der Bühne,
sondern teilweise im Tourbus während der Fahrt (man hört den
Bus !) oder im Hotelzimmer. Außerdem gibt's hier keinen "Best Of"-Mix,
sondern neue Lieder, z.B. "Love Needs A Heart", das Browne
mit Valerie Carter und Lowell George schrieb, oder Coverversionen, wie
z.B. "The Road" von Danny O'Keefe. Erwähnenswert ist
auch die erstklassige Band: David Lindley (lap steel, vio), Danny
Kortchmar (g), Lee Sklar (bg), Russ Kunkel (dr), Craig
Doerge (keyb) und die Sänger/innen Rosemarie Butler
und Doug Haywood. |
Jan Akkerman & Kaz Lux: "Eli" (Atlantic, 1977) |
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Das Konzept-Album „Eli" war das Ergebnis einer Kollaboration zwischen zwei der Output-stärksten Musiker in der holländischen Musik-Geschichte. Nachdem er die Prog Helden Focus Mitte der Siebziger Jahre verließ, tat sich Gitarrist Jan Akkermann mit Kaz Lux, dem Sänger der gleichberechtigt legendären Band Brainbox zusammen. „Eli" feiert den Folk, den progressiven Blues und Funk, zusammengehalten vom virtuosen Gitarrenspiel Akkermanns. Vor fast 50 Jahren wurde er vom Melody Maker zum besten Gitarristen der Welt gewählt.
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Gary Burton Quartet & Eberhard Weber: "Passengers" (ECM, 1977) |
Zu
Burtons Band gehörten damals der Bassgitarrist Steve Swallow,
der noch sehr junge Pat Metheny an der Gitarre und Dan Gottlieb
an den Trommeln. Unterstützt wurden sie vom Bassisten Eberhard
Weber. |
Valerie Carter: "Just A Stone's Throw Away" (Columbia, 1977) |
Valerie verdient ihr Geld als Chorsängerin bei James Taylor,
gelegentlich veröffentlicht sie aber auch Alben unter eigenem Namen.
Auf ihrem 1977er-Debüt hören wir u. a. das für sie von
Lowell George und John B. Sebastian geschriebene "Face
Of Appalachia", das wir mit Waiting For Louise immer wieder
gerne spielen.
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"Valerie Carter's first full-length solo album continued her musical
involvement with Lowell George and the members of Little Feat, which had
begun three years earlier when she was a member of the band Howdy Moon.
"Just a Stone's Throw Away" also featured a stellar cast of
other musicians, including Jackson Browne, Linda Ronstadt, and John Hall.
The album is at once funky and folksy, blending a variety of styles, from
the haunting acoustic sounds of "Face of Appalachia" to the
jazzy blues of "Back to Blue Some More." "Ooh Child"
was featured very effectively at the end of the 1979 teen rebellion movie
Over the Edge, while the title song is another great representation of
the writing talents of Barbara Keith, an overlooked 1970s singer/songwriter
whose self-titled 1972 album is worth seeking out." (Rob Caldwell)
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Don Cherry: "Black Rice" (I: EMI, 1975 * US: A&M/Horizon, 1977) |
[Charlie Haden]
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Der 1995 verstorbene Kult-Jazzer Don Cherry hat der Welt viel Gutes gebracht. Und damit sind nicht nur seine Kinder Eagle-Eye Cherry und Neneh Cherry gemeint, sondern auch seine grandiosen, zwischen Jazz und Worldmusic pendelnden Alben.
Selbst wenn »Brown Rice« der einzige Beitrag des Trompeters zum Jazz gewesen wäre, sein Platz im Pantheon wäre ihm bis heute sicher. Das Album von 1975 ist ein fettes Stück psychedelischen Jazz-Rocks, das Blues- und Funkelemente, sowie afrikanische, indische und nahöstliche Einflüsse enthält.
Neu remastert, Liner Notes des angesehenen Jazz-Autors Stanley Crouch.
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The David Grisman Quintet (US: Kaleidoscope 1977; D: Pastels 1979) |
Ganz klar eines meiner Lieblingsalben! Quasi Ende der 70er meine erste
Begegnung mit Bluegrassmusik, ohne das ich eigentlich so genau wusste,
was das ist. Zu verdanken habe ich die Begegnung mit dieser wunderbare
Platte - wie mit vielen anderen - Alan Bangs und seiner leider
schon lange eingestellten Radiosendung "Niteflight" auf BFBS.
Mit dem Wundergitarristen Tony Rice (damals ein junger Hippie
und noch nicht der Grandseigneur der Bluegrassgitarre) und dem fantastischen
Geiger Darol Anger. Natürlich ist David Grisman mit
seinem unerreichten Mandolinenspiel der klare Mittelpunkt der Platte.
Musikalischer Höhepunkt und auch die Nummer, die nach meiner Erinnerung
damals bei Alan Bangs lief, ist das fast 10minütige "Dawg's
Rag" mit großartigem Wechselspiel der Solisten.
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A stunning, breakthrough album, one which would change the complexion and range of bluegrass music forever. Even after hearing the instrumental numbers on The Rounder Album, few people could have predicted the radical innovations on this album, a full-blown transistion into a new acoustic jazz. The debts to old jazz greats such as gypsy swing guitarist Django Rinehardt and instrumental pioneers like Joe Venuti and Eddie Lang, yet the album also oozes with a rich hillbilly traditionalism. The musical themes are exquisitely developed, with a combination of delicacy and drive; solo after solo soars past, bouyed up by intricate, puzzlelike arrangements. Those of a critical bent could pick this apart for its sugary character, or too-perfect aspirations, but really this record is an exhiliarating revelation. Highly recommended!!
For those unfamiliar with "Dawg" music it's a little from column A and a little from column B. A basis in bluegrass with an affinity for jazz and then a whole lot of heart and soul thrown in for good measure. The instruments themselves, with their history and patina of age, could stand alone as the stars here were it not for the clever hands playing them. Each player giving his all and carefully avoiding the feet of his fellow dancers. Grisman may write the letter, but it takes all five members to deliver it successfully. The cover photos, simple as they may be, capture all you need to see. The quintet don't hold back much, what you see is pretty much what you get. (Tralfaz-Archive)
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Gwendal: "A Vos Desirs (Rainy Day)" (Odeon, 1977) |
Französischer Folkrock vom Feinsten, ähnlich Alan Stivell
oder Malicorne.
(06.02.2016)
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Gwendal's third album begins fairly innocently with the traditional pieces "Rainy Day," "Cam Ye O'er Frae France," and quot;The Walls of Liscarroll," which feature fiddle, acoustic guitar, and whistle along with electric bass (which gives these selections a slight modern touch). The fourth number, "Butterfly," errupts into a jazzy, swing fiddle piece with more emphasis on drums and bass. The final track, a 17-minute Gwendal original, presents a drastic shift for this short five-track album. It incorporates jazz, funk, progressive rock, and folk in a free-form manner, never settling on a strict identity but foreshadowing the eclectic sounds that lie in the wait for this French group.
(by Dave Sleger, AMG)
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"Levon Helm & The RCO-Allstars" (ABC, 1977) |
Das Solo-Debüt des Ex-The Band-Drummers erschien kurz nach
dem seines Kollegen Rick Danko. Mal wieder ein
Album, dass ich damals aus der Grabbelkiste gezogen habe. Es war mir
wegen des Covers mit dem ausgestanzten Loch in der Mitte aufgefallen.
So was Schönes gibt's heute im CD-Zeitalter leider nicht mehr.
Die RCO-Allstars spielten einen guten Rhythm'n'Blues und waren im Prinzip
die Keimzelle der Blues Brothers: Steve Cropper, Duck
Dunn, Alan Rubin, Lou Marini und Tom Malone.
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"The All-Stars were a dream aggregation of Levon
Helm's favourite musicians, including names like Mac Rebennack (aka Dr.
John), Paul Butterfield, Booker T. Jones, Donald "Duck" Dunn,
Steve Cropper, Tom Malone, Alan Rubin and the two old-timers Henry Glover
and Fred Carter from the Hawks-period. Only one track, "Blues So
Bad", was written by Levon himself. The songs, recorded partly at
Shangri-La and partly at Levon's own RCO studio in Woodstock, were mostly
good-time, bar-band rhythm and blues, disappointing Band fans that still
were hoping for material more like the early Band albums. Levon Helm and
the RCO All Stars stopped at #142 on the album chart, despite several
innovative attempts to promote the album, including a mega release party
and some very memorable live dates with the All-Stars."
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The Bernie Leadon - Michael Georgiades Band: "Natural Progression" (Asylum, 1977) |
Aus der Grabbelkiste!
(08.04.2012) |
Mangelsdorff/Pastorius/Mouzon: "Trilogue - Live" (MPS, 1977) |
Live am 6.11.1976 auf den Berliner Jazztagen: für mich die beste
Jaco Pastorius-Platte! Albert Mangelsdorff, Deutschlands
(wenn nicht sogar welt-) bester Jazzposaunist im Trio mit Jaco
und dem Jazzfusiontrommler Alphonse Mouzon. Posaune/Fretless-Bassgitarre/Schlagzeug
- das scheint ja erstmal eine ungewöhnliche Kombination zu sein,
aber es funktioniert wunderbar! Für Mangelsdorff nichts ungewöhnliches,
der viel im Trio, also ohne Pianisten oder Gitarristen, spielt. Und
Jaco hat hier soviel Platz für sein geniales Basspiel wie sonst
nirgendwo.
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For those of you looking for some funky, chunky, Jaco Pastorius jams, this isn't the place. For those looking for extremely free playing where Mangelsdorff's trombone runs wild and chaotic, this isn't it either. For the fusion freaks entranced by Alphonse Mouzon's skittering drum work that stops and starts on a sliver of light, best look elsewhere. For the rest, who are seeking great jazz in any configuration, this just might be your ticket. Recorded at the Berlin Jazz Days in 1976 and originally issued on LP while Pastorius was at the height of his tenure with Weather Report and playing an all-Mangelsdorff selection, this trio delivers an inspired performance that relies on timing, virtuosity, and a little humor for its bread and butter. The title track is the opener, and its slight abstraction is quickly replaced by Pastorius suggesting the frame of the melody to his counterparts, who pick it up and glide. On "Zores Mores," knotty little post-bop lines are woven into an easy framework of Mouzon's dancing hands and a solid yet very flexible interplay between the trombonist and Pastorius' ever-inquisitive basslines. The shimmering tension between the trio's members is all heat on "Accidental Meeting," the closest piece to pure abstraction here, but Mangelsdorff insists on, at the very least, the articulation of jazz formalism. "Foreign Fun" starts out like surreal circus music, but quickly walks the razor's edge between Weather Report's more adventurous material and noirish jazz. The set closes with the groaning humor of "Ant Steps on Elephant's Toe," a bumping, bubbling, dub-style cut that features Mangelsdorff blowing fully out of the blues and Pastorius playing the very best Aston Barrett he can. The dub effect gives way to funk about halfway through, and Mouzon becomes animated, doubling and tripling his cohorts in a joyful dance of curiosity and discovery. This cut is street-tough, plenty nasty, and leaves the audience and listeners too, no doubt begging for more.
(by Thom Jurek, All Music Guide)
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Jean-Pierre Mas & Cesarius Alvim: "Rue De Lourmel" (Owl, 1977) |
[Ralph Towner: "Solstice" |
Kenny Wheeler: "Deer Wan"]
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Roger McGuinn: "Thunderbyrd" (Columbia, 1977) |
Ein Schelm, wer bei dem LP-Titel nicht an McGuinns alte Band denkt! Mit
seinen neuen Begleitern Rick Vito (g), Charlie Harrison
(bg) und Greg Thomas (dr) war er damals auch in einer der Rockpalastnächte
und lieferte dort ein sehr gutes Konzert ab. Interessanterweise covert
McGuinn hier "American Girl" von Tom Petty. Petty ist
Byrds-Fan und die ganze Nummer klingt so, als wäre sie für
McGuinn gemacht worden. |
Stephan Micus: "Implosions" (ECM/Japo, 1977) |
Keine Ahnung, wie ich damals auf diese Platte gekommen bin. Höchstwahrscheinlich
nicht wegen der japanischen Mundorgel auf dem Cover, die eine gewisse
ähnlichkeit mit gewissen Rauchgeräten hat.
Stephan Micus ist ein deutscher Weltenbummler, der seit seinem 16ten
Lebensjahr unterwegs ist und überall exotische Instrumente sammelt
und zu spielen lernt, um damit seine eigene, eigenwillige Musik zu machen.
Auf dieser ersten Platte für das Unterlabel Japo des berühmten
Münchener Jazzlebels ECM ist das neben einer
normalen Gitarre, seiner Stimme, dem abgebildeten Sho, Shakuhachi (japanische
Flöte), Rabab (afghanische Laute), Sitar (Indien) und einer namenlosen
Flöte aus Thailand noch etwas ganz Exotisches: eine bayrische Zither.
Auf allen diesen Instrumenten spielt der Künstler eine schöne,
entspannte und so garnicht kitschige Musik, weit weg von nervigem Ethno-Gedudel
oder New Age. |
Danny O'Keefe: "American Roulette" (Warner, 1977) |
Eines der Kultalben von Danny O'Keefe. Auf Vinyl sehr rar, auf CD leider
bisher gar nicht erschienen. Mein Exemplar stammt natürlich wieder
aus der Grabbelkiste!
Es gibt endlich eine Wiederveröffentlichung
CD! Hat lange gedauert! In letzter Zeit höre ich die Platte
wieder sehr oft, besonders das wunderschöne "You Look Just
Like A Girl Again" mit dem tollen Saxofon von Tom Scott,
von dem es immerhin Coverversionen von Mark-Almond (einem Sänger/Gitarrist
- Saxophonist-Duo, das die Nummer eigentlich nur nachspielt) und -
jetzt bitte nicht lachen - Ute Lemper gibt, deren Version habe
ich aber noch nie gehört habe.
Zurück zur Platte, auf der wirklich jedes Lied toll ist und eine
enorme Stilvielfalt geboten wird, ohne dabei beliebig oder zerfahren
zu wirken: Folk, Country, Funk, harter Blues-Rock, tolle Streicherarrangements.
Eben "Singer/Songwriter-Musik" in Perfektion. Keine Ahnung,
warum dieses Platte damals so ein Ladenhüter war und auch heute
noch immer niemanden zu interessieren scheint!
(12.05.2006)
|
Michael Rother: "Flammende Herzen" (Sky, 1977) |
[Can |
Neu]
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Michael Rother was the guitar and keyboard playing half of the groundbreaking Krautrock group Neu, and earlier, a founding member of Kraftwerk. Flammende Herzen (Flaming Heart) is his first solo album, recorded by and produced by Conny Plank in 1976 and issued at the dawn of punk in 1977. Flammende Herzen is, in a sense, the complete and utter flowering of a vision Rother held from Kraftwerk through his work with Klaus Dinger in Neu and through his short-term collaboration with Moebius and Roedelius in Harmonia. Rother's signature guitar sound is twinned with an analog delay, the simple mechanical or "motorik" percussion all wound around simple, yet transcendent, melodies that are nearly anthemic in their strident execution. With percussion assistance from Jaki Leibzeit of Can, Rother crafts a driving, soaring ride into the sonic abyss that is rich with melody and rock & roll rhythm. For Rother, music is a thing filled with light, and tracks such as the title, "Zyklodrom," and "Karussell" feature a cylindrical weave of electronic and organic percussion, opaque but insistent synthesizers playing chord progressions, and, of course, acoustic and electric guitars either chiming in single- and double-string Brucknerian motifs or churning on two or three chords hypnotically into the ether. While some of the themes presented here later became the foundation for a ponderous kind of new age disc music, there is plenty of spaced-out psychedelia and churning rock & roll ellipsis here ("Feuerland") for fans of early Krautrock. This remains one of Rother's strongest and most visionary records. The CD reissue features two remixes of the title track from 1993.
(by Thom Jurek, All Music Guide)
|
Bob Young & Mick Moody: "Young & Moody" (United Artists/Magnet, 1977) |
Zwei
Kumpels aus der zweiten Reihe nehmen zusammen eine Platte auf - anscheinend
ohne kommerziellen Druck - und fröhnen ihrer Liebe zu country-,
folk- und blueslastigem Rock á la The Band. Als ich die
Platte damals für einen Fünfer aus der Grabbelkiste gezogen
habe, kannte ich noch keinen der Beteiligten. Bob Young ist zwar
kein Rocker, hat aber für Country und Folk eine durchaus angenehme
Stimme und glänzt vor allem als Mundharmonikaspieler. Er verdient
ansonsten sein Geld als Songschreiber, Roadmanager und Gelegenheitsharpspieler
bei Status Quo. Mick Moody hat die Gitarre schon in zahlreichen
Bands gespielt: mir fallen aber gerade nur Snafu (kennt kaum
noch jemand) und Whitesnake (ja, genau die!) ein. Hier glänzt
er besonders auf dem Dobro, das er bei David Coverdale sicherlich
selten oder gar nicht einsetzen darf. Bass und Schlagzeug werden vorzüglich
von Terry Stannard bzw. Graham Prescett bedient. Letzterer
überzeugt zusätzlich bei den Folkstücken mit Geige und
Mandoline.
Sicherlich kein wichtiges Album - aber ein schönes, das ich mir
auch 30 Jahre nach der Anschaffung noch (bzw. wieder) gut anhören
kann. Und wahrscheinlich nix für Whitesnake- und Quo-Fans!
(09.04.2010) |
Townes van Zandt: "Live At The Old Quarter, Houston Texas" (Tomato, 1977) |
Bereits
Juli 1973 wurde dieses Live-Doppelalbum in dem legendären Club
mitgeschnitten. Für viele Fans das beste Album von ihm: TVZ ganz
pur. Ob man sich dem anschließt oder nicht: es ist auf jeden Fall
sein bestes Solo-Live-Album, von denen es inzwischen ja weit mehr als
10 gibt. Ich besitze allein 9 Stück. Aber das ist so wie mit den
Grateful Dead-Livealben: jedes
ist anders, einige sind toll, viele gut, manche aber leider auch überflüssig. |
(2022-03-27)