Most old-school punk purists will never forgive Penelope Houston for giving up guitar-driven rock & roll for acoustic music (even if she did so several years before the "unplugged" phenomenon made such things fashionable). But anyone who has actually listened to The Whole World will notice that Houston's acoustic music is just as smart, feisty, and uncompromising as her work with the Avengers (it's not hard to imagine her old band cranking up "Glad I'm a Girl" or "On Borrowed Time"). And if her lyrics are less stridently political, they're also more intelligent and mature without sacrificing her opinions in the process (even her love songs reflect a refreshing warts-and-all realism). And while Penelope the Punk Goddess had a habit of wandering off-pitch with annoying frequency, Penelope the Singer/Songwriter is able to convey much of the same intensity with a lot more nuance and accuracy, and her band (anchored by Houston's husband and collaborator, Mel Peppas) makes up in resonance what they lack in volume. The Whole World is a strong and compelling album from a remarkably underrated artist; it's well worth a listen should it cross your path.

(by Mark Deming , AMG)

"Cash never lets her writing outdistance her signing....The first single uses sparse acoustic musical backing to capture a feeling of urban isolation: bustling and lonely, 'Seventh Avenue' is a long way from Nashville....She intuitively maintains this tricky balance and even makes the tension work in her favor....Trying to construct a more adventurous second career is tough, but Cash is building on solid ground."-US

"This crystal-clear, intensely sung record rings startlingly true as it details the end of a marriage-and the renewal that can follow." (Best Albums of the Year, #7)-Entertainment Weekly

"Coming full circle, Nanci brings back producer Jim Rooney from the Philo days and covers a range of classic folk songs. Some are well-known, others are somewhat obscure, but all are songs that Nanci felt needed to be heard. The resulting production is arguably her best yet -- it won the Grammy for Best Contemporary Folk Album. She and the all-star supporting cast are in top form. Nanci's voice has rarely sounded better. The recording quality is clear and intimate, capturing the music perfectly. Together, the production, performances, and arrangements add up to serve each number very well. For example, it's hard to imagine how Kate Wolf's "Across the Great Divide" could be improved upon, and "Morning Song for Sally" is among the most sublime recordings Nanci's ever done. These and the many other superb cuts make this an essential album"

Für ihr Album "Other Voices, Other Rooms", das aus Coversongs und musikalischen Kollaborationen bestand, wurde sie 1994 mit einem Grammy ausgezeichnet. Ihr Musikstil, den Griffith selbst als "Folkabilly" bezeichnete, galt als einzigartig und vermischte Musikgenres."Other Voices, Other Rooms" war das zehnte Studioalbum von Nanci Griffith. Der Name des Albums geht auf den gleichnamigen Roman von Truman Capote zurück. "Other Voices, Other Rooms" wurde 2005 von der RIAA mit Gold ausgezeichnet, was bedeutet, dass 500.000 Einheiten in den Vereinigten Staaten verkauft wurden. Im Jahr 1998 veröffentlichte Griffith ein Folgealbum mit dem Titel Other Voices, Too (A Trip Back to Bountiful).

Wer Nanci Griffith bei ihrer Kindheitserinnerung begleitet, wird auf makellose Songs von wichtigen Kompositionen wie Townes Van Zandt, Bob Dylan, Jerry Jeff Walker und natürlich Woody Guthrie stoßen, die sie behutsam, aber mit sicherer Hand erneuert hat.​

(P.​ Bickel in HiFiVision 6/93)

1991 gründeten Schneider a. k.a. Dirk Dresselhaus (Schneider TM, Hip Young Things) und Krite a. k.a. Christopher Uhe (Speed Niggs, Sharon Stoned, Floor) Locust Fudge. Nach diversen gemeinsamen Konzerten ihrer verschiedenen Bands taten sie sich zusammen, um die Bielefelder Bevölkerung in der Fussgängerzone mit ihren Hits in akustischer Version zu beglücken. Davon hörte Reinhard Holstein, seineszeichens Chef von Glitterhouse Records, dem Label, das zu der Zeit noch für die europäischen Releases des Sub Pop Labels verantworlich war.

Holstein wollte ein Album für sein Label und er bekam es: »Flush« wurde 1993 veröffentlicht. Das Album enthält je vier Songs, die Schneider vorher mit den Hip Young Things sowie Krite mit den Speed Niggs aufgenommen haben. Daneben gibt es noch Coverversionen von The Notwist, Lou Reed und Neil Young. Nach diversen Konzerten als Duo entschieden sich die beiden ihren Sound zu verändern. Weg vom fast klassischen Singer-Songwriter-Stil hin zu etwas, das sie »Lofi-Glam-Folk« nannten. Das Ergebnis nannte sich »Royal Flush« und erschien 1995 ebenfalls auf Glitterhouse Records.

Nachdem 1996 noch die EP »Business Express« erschien, nahmen sich die beiden eine Auszeit von dem Projekt, ohne sich je aufzulösen. Ein letztes musikalisches Lebenszeichen gab es 2004 mit einem Beitrag zu dem The Fall Tribute Sampler »Perverted by Mark E.«. Im Dezember 2014 erscheinen »Flush« und »Royal Flush« nun endlich als gemeinsame Doppel-LP auf dem Bielefelder Label Kapitän Platte.

Wiederveröffentlichung der ersten beiden Alben dieses von uns höchst geschätzten Duos auf dem Bielefelder Label Kapitän Platte. Erstmalig auf Vinyl, auf 500 Stck. limitiert, als Doppel-LP im Klappcover, mit haufenweise Linernotes plus Downloadcode. 1991 gründeten Schneider a.k.a. Dirk Dresselhaus (Schneider TM, Hip Young Things) und Krite a.k.a. Christopher Uhe (Speed Niggs, Sharon Stoned, Floor) Locust Fudge. Ihr Debüt “Flush“ erschien 1993 auf Glitterhouse. Vier Songs aus Schneiders Feder, vier aus Krites. Dazu Covers von The Notwist, Neil Young und Lou Reed. Alles im reduzierten klassischen Singer-/Songwriter- Stil - Schönklang mit Brüchen, mit Tiefe und Herzensbildung, changierend zwischen Unschuld und weltgebeutelter Expertise. So unfertig, unschuldig und bewusst unperfekt das Album klingen mag, „Flush“ ist ein Juwel, nicht weniger als das, ein Klassiker im Glitterhouse-Label-Katalog. 1995 kam „Royal Flush“ der inhaltlich nicht zwangsläufige Nachfolger. Schneider und Krite selbst meinten, ein lebensbejahendes Easy-Listening-Album aufzunehmen. Weit gefehlt. Das Album ist eher „eine wunderschöne Sammlung verpatzter Radio-Hits mit Tiefenschärfe“ wie es der damalige Infotext ausdrückte, „Lofi-Glam-Folk“ nannten sie das selbst. Keyboards und rumpelnde Beats halten Einzug, es wird verstohlen an Knöpfchen gedreht, das ist nie ungebrochen, da lauert immer irgendwo ein Kloß im Hals. Locust Fudge flirten mit dem Desaster, gehen lächelnd Risiken ein, nehmen vorweg, was Jahre später mal an Indie-Rock gut sein sollte, haben Songs, für die andere morden würden und Soundvorstellungen, für die es Phantasie und Weitblick braucht. „Cake“ z.B. oder „Racing Horse“ sind verflucht einnehmende Großtaten, die in einer besseren Welt seit 20 Jahren die Charts dominieren würden. Eine schändlich übersehene bzw. fast vergessene Band, die nicht wieder in Vergessenheit geraten sollte. Bitte bevorraten Sie sich.

(rs, Glitterhouse)

Though it was the group's major-label debut, Stereolab's Transient Random-Noise Bursts With Announcements showed no signs of selling out. If anything, it's one of the most eclectic and experimental releases in Stereolab's early career, emphasizing the group's elongated Krautrock jams, instrumentals, and harsh, noisy moments. The album begins and ends with smooth, sensual washes of sound like "Tone Burst" and "Lock-Groove Lullaby" and smoothly bouncy pop songs like "I'm Going Out of My Way." These softer, more accessible moments surround complex and varied compositions such as "Analogue Rock," "Our Trinitone Blast," and "Golden Ball," which, with its distorted vocals and shifting tempos, serves as an appetizer for "Jenny Ondioline." A hypnotic, 18-minute epic encompassing dreamy yet driving pop, a Krautrock groove, forceful, churning guitars, and a furious climax, it's the most ambitious -- and definitive -- moment of Stereolab's early years. But Transient Random-Noise Bursts With Announcements also features quietly experimental pieces such as "Pause," a slightly spooky song that uses distorted whispers as a rhythm track and places fluttery keyboards and Laetitia Sadier and Mary Hansen's sweet, slightly alien harmonies atop it. Likewise, the very sexy, very French "Pack Yr Romantic Mind" reveals the growing influence of '50s and '60s easy listening on the group's musical direction. If Switched On and Peng! defined the band's essential sound, Transient Random-Noise Bursts With Announcements expanded it, reaffirming Stereolab's place as one of the most innovative and evolving groups of the '90s.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Morphine war eine amerikanische Alt-Rock Band, gegründet von Mark Sandman, Dana Colley, und Jerome Deupree in Cambridge, Massachusetts im Jahr 1989. Die Band kombinierte Blues- und Jazz-Elemente mit traditionellen Rockarrangements. Das sorgte für einen ekletischen und ungewöhnlichen Sound.

Von Kritikern wurde die Band sehr gelobt. In den USA wurde die Band in der Indie-Rock-Community bekannt, wurde auf Uniradiosendern und schließlich auch auf anderen Radiosendern gespielt, schaffte es schließlich ins Sendeformat auf MTV's 120 Minutes.

International bekannt wurde die Band vor allem in Belgien, Portugal, Frankreich und Australien. Cure for Pain ist das zweite Album von Morphine, ursprünglich erschienen 1993. Die Songs »Sheila« und »In Spite of Me« waren Soundtracktitel für den Independentfilm Spanking the Monkey. Das Video zu »Thursday« ist in einer Episode von Beavis und Butthead zu sehen und den Song »Buena« hörte man in der ersten Staffel von The Sopranos.

“Keine Bange: Das Bostoner Trio Morphine propagiert weder den Rauschgiftkonsum, noch spielen die drei wie im Delirium. Name und naheliegende Assoziation decken sich nur mit den emotionalen Gegenpolen ihrer Musik: aufpeitschende Adrenalinschübe, Explosionen der Energie und lakonisch- minimalistische Melodiebögen von trancehafter Wirkung. Kaum zu glauben, daß drei Leute diesen Sound kreieren. Den Schlüssel liefert die für eine Rockband seltsame Besetzung: Drums, Baritone- oder Tenorsax plus Baß. Dieses Instrument von Songschreiber und Sänger Mark Sandman ist ein Unikum: ein sogenannter Two-String-Slidebaß, bei dem beide Saiten gleich gestimmt sind. Zur Begleitung von druckvollem Schlagzeug und Saxophon singt Mark Sandman mit cool dosierter Mystik - in der göttlichen Mandolinen-Ballade In Spite Of Me wie Leonard Cohen, im Doors-ähnlichen, merkwürdig schwerelosen Stück Let's Take A Trip Together wie Tom Waits. Drehen Morphine voll auf, paart das Trio aus Boston Nirvanas Grunge- Energie mit berauschender Musikalität: Buena oder All Wrong haben das Zeug zum Charts-Erfolg. Morphine offerieren wohlig prickelnde Schauer und elektrisierende Ekstase - ein sensationeller Trip ohne Reue.“

(Audio)

With their cult following growing, Morphine expanded their audience even further with their exceptional 1994 sophomore effort, Cure for Pain. Whereas their debut, Good, was intriguing yet not entirely consistent, Cure for Pain more than delivered. The songwriting was stronger and more succinct this time around, while new drummer Billy Conway made his recording debut with the trio (replacing Jerome Deupree). Like the debut, most of the material shifts between depressed and upbeat, with a few cacophonic rockers thrown in between. Such selections as "Buena," "I'm Free Now," "All Wrong," "Candy," "Thursday," "In Spite of Me" (one of the few tracks to contain six-string guitar), "Let's Take a Trip Together," "Sheila," and the title track are all certifiable Morphine classics. And again, Mark Sandman's two-string slide bass and Dana Colley's sax work help create impressive atmospherics throughout the album. Cure for Pain was unquestionably one of the best and most cutting-edge rock releases of the '90s.

(by Greg Prato, All Music Guide)

The album on which Cincinnati's finest came into their own, melding their unique blend of white grunge angst and dark, horny soul. Singer/songwriter Greg Dulli had always shown a fascination for Sixties Stax music. The Whigs' previous EP, Uptown Avondale, featured covers of old soul songs like "Come See About Me" rendered in Dulli's typically torn-up guitar style. On Gentlemen, he writhes in the dilemma between his lust and his low self-esteem for being such a slave to his basest urges: "Ladies and gentlemen . . .I have a dick for a brain", he sings on "Be Sweet", while on the title track he declares, "This time I go to hell/For what I did to you". It's an unusual twist on rock's usual self-pity and macho posturing, conveyed in a subtly wrought, white-hot guitar-driven style with a steamy, Southern-fried undertow. An album which burns brilliantly with lust, shame and defiance.

(David Stubbs)

Die Reunion-Konzerte von '93 gibt's in zwei Varianten: als Einzel-CD im lila Cover mit zehn Songs, als Doppel-CD mit 34 Stücken im blauen Cover. Die zweite ist klar erste Wahl, weil nur sie die ungebrochene Faszination der originalen Underground-Helden Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison und Moe Tucker in allen schillernden Facetten vermittelt.

(© Audio)

Die Sensation ist perfekt: Velvet Undergrond; die Urzelle aller neuzeitlichen Untergrund-Bands, geht nach 20jähriger Pause in der originalen Quartett-Besetzung wieder auf Tournee. Ihrer Rolle als Säulenheilige des unverbogenen Minimal-Rock sind sich Lou Reed, John Clae, Sterling Morrison und Maureen "Moe" Tucker wohl bewußt - dafür sprechen schon die lateinischen Lettern in der Jahresangabe des jetzt auf CD festgehaltenen "Live"-Events. "MCMXCIII", 1993, im Juni, gastierten die vier Velvets für drei Nächte im ehrwürdigen Pariser "Olympia". Dort spielten sie ihr klassisches Schauerrepertoire, von "Venus in Furs" und "Femme Fatale" bis "White Light / White Heat", angereichert um weniger berühmte Underground-Perlen und den brandneuen Song "Coyote". Diese ergrauten Wüteriche sind, daran läßt der vorliegende Mitschnitt keinen Zweifel, "still crazy after all these years". An spontanen Beifallswellen des Publikums kann der CD-Hörer ablesen, daß einer der vier jung gebliebenen Exzentriker immer mal wieder auf einen effektgewissen Egotrip geht. Musikalisch lieben es die Velvets immer noch sehr laut, aber disziplinierter. Das macht, daß diese Livekonserve - kratzt man einmal das Goldlamé der Heldenverehrung ab und läßt man die unbestreitbare Qualität der Kompositionen außer acht - nicht viel mehr Aura hat als die mancher gestandenen "normalen" Rockband. Lou Reed & Co. legen hier eine spielerische Routine an den Tag, die das Dämonische, Unberechenbare, Bösartige, Kakophonische ihrer Kunst allenfalls erahnen läßt. Ausnahmen, wie John Claes Interpretation von "All Tomorrows Parties" und Teile des Finales, bestätigen die Regel. Das Paris-Konzert ist auch in einer komprimierten Fassung als Einzel-CD (WEA 9362-45465-2) erhältlich.

(© Stereoplay)

Yo La Tengo has released several fine albums before, but only Painful encapsulates their folky guitar experimentalism perfectly. Alternating between dreamy Velvet Underground-style ballads and raving, Sonic Youth guitar squalls, Painful also finds the group improving their songwriting skills immeasurably. Before, they relied on soundscapes; now, the sound fleshes out their songs, from the trance-like "Nowhere Near" to the dense "From A Motel 6" and the two versions of "Big Day Coming," which cover both ends of the spectrum. A subtly addicting album.

(by Stephen Thomas Erlewine, AMG)

The front cover of Heidi Berry's third album is generically 4AD, with its florid typography and super-saturated close-up photo, artistically blurred, of a closed venus flytrap. So it would have been easy to assume it was just another slab of post-Cocteau Twins dream pop, all reverb, synth washes, and swirly vocals singing impenetrable lyrics. If that's what the listener is looking for, Heidi Berry won't entirely disappoint, but it isn't just a way to pass the time until the next This Mortal Coil album. Heidi Berry is rooted in a musical style that could not have been more unfashionable in 1993, a type of highly orchestrated folk-rock pitched somewhere between Nick Drake and Sandy Denny's solo records on the one hand and southern California singer/songwriter soft rock on the other. Berry even covers "Heart Like a Wheel," the Kate McGarrigle tune that gave Linda Ronstadt's breakthrough album its name. Hugh Jones' traditional 4AD production techniques are conspicuously absent: Heidi Berry has a notably live and largely acoustic sound, free of the label's usual phalanx of effects pedals and keyboards, although the carefully layered arrangements, featuring strings, acoustic guitars, piano, occasional steel guitar accents, and various forms of hand percussion, remain as lush and textured as ever. Atypically for a Jones production, Berry's vocals are forthrightly front and center, mixed well above the low-key instrumentation; her startling vocal resemblance to Sandy Denny has never been more pronounced than on tracks like the graceful opener "Mercury." A handful of semi-famous names from the era appear in the credits alongside Berry and her longtime mentor Pete Astor (formerly of early Creation signings the Loft and the Weather Prophets), including Kitchens of Distinction guitarist Julian Swales and members of the House of Love and the Charlatans, but Berry's heart is in the art-folk scene of the late '60s and early '70s, closer in spirit to Judy Collins' Wildflowers and Nick Drake's Bryter Layter than, say, Lush or My Bloody Valentine. As a result, Heidi Berry has a timelessness many other albums from this time and place lack.

(by Stewart Mason, All Music Guide)