Nach etwa fünf Jahren Veröffentlichungspause bringt Brent Cash via Marina sein drittes Album heraus. Man ist geneigt, das mit einem "endlich" zu quittieren - so überwältigend schön gerieten die beiden Vorgänger von "The New High". Schon das opulente Debüt "How Will I Know If I’m Awake" (2008) des Multiinstrumentalisten, Sängers und Songschreibers aus Athens, Georgia, tönte mit Anklängen an Brian Wilson, Burt Bacharach, den Carpenters und die Mamas und Papas wie ein verlorenes Meisterwerk aus vergangenen Epochen. Und auch auf dem aufwändig inszenierten Album "How Strange It Seems" (2011) war praktisch jeder Song in einen goldenen Sonnenschein getaucht, der so nur in Kalifornien existiert. Mit feinsinnigen Orchesterarrangements, tollen Rhythmen, vielschichtigen Technicolor-Harmonien und heilloser Romantik verwöhnt uns Cash auch auf dem brillanten "The New High", das von der ersten bis zur letzten Note zum Träumen einlädt. Das ist kitschig und ziemlich "Retro", macht aber verdammt glücklich. Übrigens: Ganz im Stil eines Todd Rundgren hat Cash hier - mit Ausnahme der Streicher - sämtliche Instrumente selbst eingespielt. Grandios!

Als Hippie macht man sich keine Sorgen wegen der Miete. So lässt sich vielleicht erklären, warum Josh Tillman seinen lukrativen Job als Schlagzeuger der Fleet Foxes im letzten Jahr gekündigt hat. Nach einer künstlerischen Sinnkrise hat er sich sogar gleich komplett neu erfunden: Statt wie bisher seine Soloalben als J. Tillman zu veröffentlichen, nennt er sich jetzt Father John Misty. Gesanglich orientiert sich Tillman plötzlich an Roy Orbison, und weil er nicht mehr in bester Songwritermanier die eigenen Wehwehchen thematisieren will, sucht er in komplett bekifften Weltbetrachtungen nach Wahrheiten. "Jesus Christ, girl, what are people gonna think, when I show up to one of several funerals I've attended for Grandpa this week", heißt es etwa in "Hollywood forever Cemetery sings", einem der besten und mutigsten Songs, der sich mit Hall und verrauschter Gitarre vom oft leider doch nur durchschnittlichen 70er-Countryfolk absetzt. Hätte er musikalisch häufiger so viel gewagt wie mit seinen Texten, wäre die Rundumerneuerung auch wirklich rundum gelungen.

(cs, kulturnews.de)

... schon das 6. Album des (schon lange, u.a. mit Damian Jurado aktiven) ex-Fleet Foxes. An die erinnern nur wenige Stücke (er klingt hier „schwerer“, weniger unbeschwert), wohl aber die vielen Harmony-Stimmen und süßen kleinen Chöre, generell die Harmonienseligkeit. Sehr schön die wehmütige Stimme (oft resultierend in ebensolchen Songs), zum Wegträumen, Versinken! Reiner Pop wie Folk-Pop, hier und da einige Country-Einflüsse (1x vereint mit Proto-Rock´n´Roll-Anleihen), Westcoast, sporadisch ein Hauch Psychedelia, diverse Rückgriffe auf die 60er oder gar 50er werden zeitlos bis zeitgenössisch aufbereitet, wirken aber auch 1,2 mal wunderbar old-fashioned! Von äußerst atmosphärisch bis leicht groovend. Selbst Doug Sahm oder die Beatles werden beliehen, außerdem wurde er mit Nilsson verglichen. Schönes Album.

(dvd, Glitterhouse)

Der führende Felice-Bruder und auch bei The Duke & The King prägend Aktive hat anscheinend in seinen Band-Projekten nicht genügend kreativen Auslauf, den er jetzt in seinem selbstbetitelten Solo-Album ausleben kann. Allein zur Akustik-Gitarre, zum verträumten Piano oder zur schummrigen Orgel, aber auch – unterstützt von der Felice-Familie und den geistesverwandten Mumford-Söhnen – in voller Band-Stärke gelingt ihm eine tief berührende Melange aus rudimentärem Folk, rauhem Americana, akustischem Soul und vokalharmonie-seligem Gospel, erinnert an Lanegan’sche Seelen-Tiefen, Neil Young’s großartigen Country-Folk-Tage und Paul Weller’s Soul-Seitensprünge, und bewegt mit einer Stimme, die sandpapier-angerauht, dezent brüchig und verletzlich wirkend unter die Haut schmeichelt und schneidet. Bemerkenswertes Singer-Songwriter-Solo-Debut (mit beeindruckender Band-Geschichte dahinter), zwischen himmelhoch jauchzender Mumford-Rumpelei, nackt-rauhem Folk und tiefgehender Country-Gospel-Herrlichkeit.

(cpa, Glitterhouse)

Herrlich sonniger, ausgeruhter Laidback-Softrock, irgendwo zwischen JJ Cale und 70s-Westcoast – ausgerechnet vom Drummer von Fettes Brot und Fanta 4? Ein Mysterium, aber ein schönes. Über den Tellerrand hinaus schaut bekanntlich auch DJ Koze von Fünf Sterne Deluxe, der Zwanie 2007 für sein eigenes Label signte und dort sein erstes, leider übersehenes Soloalbum veröffentlichte. Jetzt versucht er es wieder: ausgeruht und übersichtlich strukturiert, schleichen sich schlichte Melodien in straffen, schlanken Arrangements ins Ohr, auf Gitarrenbasis mit Drums und dezent pluckernden Keyboards. Und mit englischen Texten, irgendwie völlig zeitlos und fernab von allen Trends und vom HipHop erst recht. Als Sänger ist Zwanie zwar keine wirkliche Entdeckung, sein relaxed genöhlter Soul-Gesang passt aber perfekt zu seiner unaufgeregten, in sich ruhenden Musik.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Bacharach-Perlen, Sunshine-Pop und Brill-Building-Sounds vom Mann aus Georgia.

Welcome back, Mr Cash! 2008 veröffentlichte der Mann aus Athens, Georgia, sein allenorten gefeiertes Debütalbum mit dem hintersinnigen Titel "How Will I Know If I m Awake". Der Multiinstrumentalist gönnte sich eine dreijährige Pause, um 2011 mit einem noch kunstvolleren Album aufzuwarten. "How Strange It Seems" überzeugt mit feinsinnigen Arrangements, vielschichtigen Gesangsharmonien, extravaganten Tonartwechseln und vertrackten Rhythmen. Cash wollte schon immer Songs "so wie früher aufnehmen". Es wurden weder Mühen noch Kosten gescheut, um die besten Musiker der Stadt anzuheuern und zu einem Orchester von immerhin 30 Musikern zusammenzuführen. Mit Erfolg: Das Ergebnis klingt wie ein vergessenes Popmeisterstück der 60er- und 70er-Jahre, als hätte Burt Bacharach noch einmal in die Archivkiste gegriffen, um ein paar unveröffentlichte Perlen rauszugreifen. Schönster Westcoast-Sound, brillante Brill-Building-Tunes und sonnigster Sunshine-Pop à la The Free Design oder The Swingle Singers. Und der Hidden Track überrascht gar mit einem funky Disco-Boogie-Hook!

It's probably not a surprise that the swooping and slow orchestral arrangement that kicks off How Strange It Seems could be from some prime Jimmy Webb or Bacharach/David-written piece from the 1960s -- or that Brent Cash's title for that first piece is "I Wish I Were a Song," which he sweetly and gently sings. Like his debut solo effort, How Strange is definitely an indulgence in a kind of pop that doesn't exist anymore, not just from one specific era but blended together into its own metastyle that's unable to escape the past and intentionally not wanting to do. The huge statement-of-purpose splashiness of the first song (which is also reprised as the last) almost overwhelms everything else, making it "just" easygoing indie pop with an understandably elegant edge, but it still works nicely enough, from the harpsichord breaks and Phil Spector drum beats on "It's Easier Without Her" to the piano-led "Don't Turn Your Back on the Stars." Cash's voice doesn't quite soar as much as it does on the album's signature, favoring instead the kind of tender whisper that suggests something rather than driving it home, though the contrast between that and the massed male choral vocals toward the end of "I Just Can't Look Away" become a moment of remarkable melodrama. The slightly more "rock" songs (as such) like the title track use electric guitar only as shading or framing for the main melody and performance, to enjoyable effect. There's also something perfect about the song title "Where Do All the Raindrops Go," a sentiment that works a variety of ways. The short instrumental of lush ocean-liner-lounge funk of "I Can't Love You Anymore Than I Do" is another fun nugget -- Chuck Mangione would appreciate both the trumpet and the wah-wah.

(by Ned Raggett, All Music Guide)

Geheimtipp Brent Cash

Ein luxuriöses Hobby namens Sunshine-Pop

Er hat keine mächtige Plattenfirma und kein Heer von Facebook-Freunden, er beschallt keine hippe TV-Serie und twittert nichts Aufregendes - also nehmen die Medien den soften Retro-Pop von Brent Cash kaum wahr. Welch' himmelschreiende Ungerechtigkeit!

In dem Hollywood-Film "High Fidelity" gibt es diese herrliche Szene, in der ein Plattenverkäufer ein Album der eher obskuren Beta-Band in seinem Laden auflegt und tatsächlich, wie von ihm prognostiziert, im Handumdrehen einen Schwung Beta-Band-Platten verkauft.

Jedes Jahr erscheinen viele tolle Platten, die kaum bemerkt werden, weil niemand das Publikum auf sie aufmerksam macht. Ein aktuelles Beispiel ist ein Amerikaner mit dem klangvollen Namen Brent Cash. Dessen neues Album "How Strange It Seems" ist seit vergangener Woche zu haben, und die Wahrscheinlichkeit, dass es überhört wird, ist bestürzend groß.

Das wäre ein Jammer, denn "How Strange It Seems" zählt zu den beglückendsten Alben dieses Frühsommers. Gut, es ist keine Platte, die die Welt aus den Angeln hebt, aber immerhin außergewöhnliche Musik, die über die Distanz von elf Songs hinweg elegant und verspielt ihre Hörer bezirzt. So entrückt wie die Mädchen, die auf der Plattenhülle mit ausgebreiteten Armen am Strand tanzen, klingen die Songs von Brent Cash: Schwelgerisch und virtuos inszeniert er Tagtraum-Retro-Pop, zusammengesetzt aus geschmeidigen Streichern, Bläsern, Vibraphonen, Harfen und der samtenen Stimme des Künstlers.

Dass das umwerfend klingt, ist der Erbschaft einer Tante zu verdanken, die möglich machte, dass nichts am Computer generiert, sondern alles tatsächlich eingespielt worden ist. Ein Reiz dieser Musik liegt auch darin, dass sie aus der Zeit gefallen scheint, wie ein verschollenes und wiederentdecktes Meisterwerk der frühen siebziger Jahre. Das erinnert mal an alte TV-Serien-Melodien und überrascht mal mit einem Hauch von Disco. Aber vor allem ist es eine Sammlung erstklassig geschriebener Songs.

Atemberaubend unmodern

Damit reiht sich Brent Cash ein in ein sonniges amerikanisches Genre, das Spezialisten Sunshine-Pop nennen und zu dessen Helden The Carpenters, Burt Bacharach, Paul Williams, Roger Nicols, Todd Rundgren, Swingle Singers, Harry Nilsson und Brian Wilson zählen. Alles Spezialisten für sanft melancholische Wohlklänge, alte Meister, die von Kritikern in diesem Jahrtausend gern zu Vergleichen herangezogen werden. Nachwuchskräfte wie Brent Cash hingegen werden von den Medien kaum wahrgenommen.

Das mag daran liegen, dass einer wie Cash von allen hippen Genres der Gegenwart Lichtjahre entfernt ist. Er hat auch kein Heer von Facebook-Freunden, twittert nichts Aufregendes, ist also atemberaubend unmodern. Cash muss obendrein ohne Medienkampagnen auskommen, zu ihm werden keine Journalisten geflogen, es werden keine Plakate geklebt, und in coolen US-TV-Serien wird seine Musik schon gar nicht platziert.

Dass man mit Siebziger-Jahre-Soft-Pop in diesem Jahrtausend dennoch punkten kann, bewies im vergangenen Jahr Rumer mit ihrem exzellenten Debüt-Album. Doch hinter der Britin steht der mächtige Warner-Konzern. Um Brent Cash kümmern sich dagegen nur zwei Idealisten aus Hamburg-Eimsbüttel, die dort das kleine Label Marina Records betreiben. Statt viel Geld haben sie nur Leidenschaft zu bieten. Damit haben sie sich weltweit einen so exzellenten Ruf erarbeitet, dass Brent Cash vor einigen Jahren eine Demo-CD aus Athens, Georgia, nach Hamburg schickte.

Via E-Mail lässt er nun wissen, dass ihm kommerzieller Erfolg nicht besonders wichtig sei. Er habe einen richtigen Job, und die Musik sei sein luxuriöses Hobby. "Sie macht mich glücklich." Daran sollten mehr Menschen teilhaben.

(Christoph Dallach, 03.06.2011, www.spiegel.de)

Dieser Liedermacher erschafft ein naturbelassenes und trotzdem pompöses Popalbum mit einer Süße ganz ohne Kariesgefahr. Tim Neuhaus und seine Band betören mit sanft gezupften Gitarrensaiten zu fein gesetzten Synthie-Elementen, wobei Neuhaus' soulig-gefühlvolle Stimme die ganze Bandbreite introspektiver Melancholie ausfüllt. Zusammen spielen sie akustischen Lehrbuch-Indie-Pop, der stets den gebührenden Abstand zur Kitschgrenze bewahrt. Beiheimatet sind die Musiker auf Plattenschmiede Grand Hotel van Cleef. Das Hamburger Label kündigt "The Cabinet" ganz zu Recht als seine bisher poppigste Veröffentlichung an. Trotzdem gesellt er sich zu Soundverwandten: Hätte jemand der 2005er-Veröffentlichung "We, The Vehicles" von Maritime den Strom geklaut und es entschleunigt, käme das dem neuesten GHvC-Droping ziemlich nahe. Noch etwas zaghaft zieht der Opener "Troubled Minds" den Hörer in das folgende Inferno brillianter Indiespielerei. Stockende Synthietöne erklingen zu bestimmten Tastenanschlägen bevor die erste Melodie damit beginnt, den künftigen Fan zu umgarnen. In den poppigsten Momenten setzt "Troubled Minds" mit Glockenspiel und Klavier melodisch immer noch einen drauf, lässt aber genug Platz, den Atem stocken zu lassen. Das folgende "As Life Found You“ wabert so wundervoll, dass man wünscht, es möge nie enden. Bei dem von Neuhaus' Stakkato-Summen geprägten Track, handelt es sich schon an zweiter Stelle um den eindeutigen Höhepunkt der Platte. Der folgende Track "5 Weeks“ hält die Vorstellung jedoch leider nicht am Leben. Dafür wird man vom nächsten Stück "Armed With A Friend“ wieder aufgefangen. So reiht sich im wohlig warmen Fahrwasser des Cabinets eine Indieperle an die nächste. Als echter Hit mit Tanzflächenpotential sticht gegen Ende noch einmal "Pete's Song" hervor. Auf der Bühne wird Neuhaus von einer fünfköpfigen Band mit zwei Drumsets unterstützt und die Songs werden von allen Bandmitgliedern mehrstimmig begleitet. Während seinen Konzerten, unter anderem auf dem Fest van Cleef, verzaubert der gebürtige Hagener die Besucher schon seit geraumer Zeit scharenweise. In verschiedenen Ländern der Erde seine Musik zu machen, ist für den studierten Schlagzeuger "ein langfristiges Gefühl von Geilheit". Die Versessenheit darauf, sein Verständnis einer andauernden Wonne-Empfindung zu transportieren, hält "The Cabinet" fest. Wenn es möglich ist, die Beschleunigung des Herzschlags oder ein wohliges Seufzen in einem Ton-Bild festzuhalten, meistert Tim Neuhaus das innerhalb der zwölf Songs. Schwelgerische Verträumtheit charmant vertont zu einer Torte der Glückseligkeit. Mjamm.

(motor.de)

Leidenschaftlicher Akustikpop bestimmt Philip Selways erstes Soloalbum "Familial". Damit setzt sich der Radiohead-Drummer von den Experimentalausflügen seiner Kollegen ab. "The Eraser" nannte sich Thom Yorkes erstes Artist-Album und war am Ende nicht mehr als das, was seine Band Radiohead sonst fabrizierte: Mit elektronischen Sperenzchen aller Art, hätten einige Songs problemlos im Kollektiv funktioniert und die vielen Soundtrack-Arbeiten von Kollege Jonny Greenwood klangen zwar kurios, aber ebenso vorhersehbar. Im Gegensatz dazu überrascht Philip Selway mit seinem Debüt "Familial" und den darauf enthaltenen Kleinoden aus sachtem Folk- und Singer/Songwritermomenten.

Fast komplett unverstärkt spielt sich der Radiohead-Drummer durch die Songs und erzählt von Familienstrukturen, die nicht allein seine Rolle als Vater thematisieren, sondern obendrein zeigen, wie wichtig ihm Freunde und Bekannte sind - sowohl musikalisch als auch privat. Dazu singt er auf erstaunlich hohem Niveau und am liebsten würde man Thom Yorke eine Petition zukommen lassen, mit der Bitte, Selway demnächst öfter ans Mikro zu holen. Freilich auch deswegen, weil meist der Fehler begangen wird, den Drummer einer Band als vermeintlich schwächstes musikalisch Glied auszumachen - der einzig seinen Job erledigt, die Sticks schwingt und froh ist, wenn andere das Songwriting übernehmen.

Philip Selway straft dieses Vorurteil Lügen und wem "Familial" nicht beweist, dass er zu Höherem berufen ist, dem ist leider auch nicht mehr zu helfen. Allein das gehauchte Eröffnungsstück "Beyond Reason" wirkt derart karg und aufrichtig, dass es beim ersten Hören wehtut - so unerschrocken verarbeitet Selway hier die gesamte Gefühlspalette von lustig bis traurig in nur einem Text. Generell hält er sich in den Texten nie zurück, berichtet von Orten und Plätzen an denen er sich besonders wohl fühlt, Missverständnissen, Irrungen und den manchmal so einfachen Lösungen dafür. "Familial" ist ein hervorragendes Songwriter-Album, dass dank der Mithilfe von Gästen wie Lisa Germano, Ian Davenport und Wilco-Drummer Glenn Kotche durchweg überrascht. Positiv wohlgemerkt, denn Philip Selways Soloausflug ist der bislang gelungenste aller Radiohead-Mitglieder.

(motor.de)

Familial was fostered by Neil Finn's 2001 all-star concerts, through which Radiohead drummer Philip Selway established connections with multi-instrumentalist Lisa Germano and bassist Sebastian Steinberg. In 2009, Finn and his cast of dozens recorded an album under the same name as the concerts, 7 Worlds Collide, titled The Sun Came Out. Selway contributed a pair of hushed, folk-tinged songs to the album, both of which demonstrated a natural way with understated yet penetrating songwriting. Slightly different versions of those two songs, “The Ties That Bind Us” and “The Witching Hour,” are featured on his first solo album. The eight new songs are in a similar vein, sifting through adulthood, parenthood, regret, and dissolving relationships. Germano and Steinberg, along with Wilco drummer Glenn Kotche (who played on the 7WC album) and keyboardist Patrick Sansone, support Selway, who mostly sticks to guitar and vocals. Vocally and melodically, Selway’s closest contemporary is Luke Haines (circa the first two Auteurs albums, especially), carrying a constant fragile lilt with a magnetic pull. Selway’s lyrics are humane, however — they soothe far more frequently than seethe. They’re often direct and vivid, as on “Ties,” in which he addresses his son: “So take me back to a time before I lost my nerve and the trail went cold/I want to know there’s another way/I want to shield you from my mistakes.” Nothing gets the blood pumping, but that clearly is not the intent. These largely acoustic songs, occasionally embellished with electronics and other effects, are geared for a quiet evening spent alone. Subtle, touching albums like this should be made more often, preferably by Selway and his associates here.

(by Andy Kellman, All Music Guide)

Der Drummer der Fleet Foxes mit seinem 6. Solowerk und mit etwas mehr Verve als der Vorgänger.

(Glitterhouse)

Though the sound remains dreamy, it’s expansive; the melodic songs have a feeling of joy (Earthly Bodies). And his mournful solitariness is replaced by a clear, upfront vocal singing mystical lyrics. Exquisite.

(Mojo. ****)

Das mittlerweile fünfte Album des Songwriters, der mit Nick Drake, Jason Molina und Will Oldham verglichen wurde und mittlerweile als Schlagzeuger der Fleet Foxes (die hier mitwirken) zu Erfolg gekommen ist.

(cpa, Glitterhouse)

Das erste Album des Mannes aus Georgia. Bedingsloser Pop, der an längst vergangene Tugenden erinnert. Befreit von jeglicher kompliziertheit, ganz dem Song und einem sehr üppigen Rahmen aus Arrangements geschenkt, blühen da Assoziationen an Pilot, Gilbert O’Sullivan, Andrew Gold, Tarney/Spencer, manchmal Hall & Oates, natürlich an die Beach Boys, schon weil die Stimme so gut passt, weich und hoch. Wer die obigen noch kennt, weiss schon ob er dem Liebe oder Ignoranz entgegen bringen möchte, ich habe die 7“-Singles der besagten damals gekauft, und wenn manches auch über die Zeiten zu bonbonrosa geworden ist, vieles hat auch immer noch Platz im Ohr, schon gar die Beach Boys, aber auch vieles sonst dieses unschuldigen und unbelasteten – damals überwiegend aus England kommenden Leicht-Pops. Dieser Ami kommt auf dem Marina Label, und wer mal irgendwo reinhorchen möchte, der wird mit When The World Stops Turning oder I Think I’m Falling In Love bestätigt finden was ich meine. (ICC)

(Glitterhouse)

Von zum Vergehen schönen Melodien durchzogenes Debut-Werk des Sohnes aus bestem Hause (Die Verwandtschaft ist hörbar: In der uneingeschränkten Liebe zu pur-harmonischem Wohlklang fällt der Crowded House-Neil-Apfel nicht weit vom Stamm), auf dem Feinklang-Label Haldern Pop. Dabei verbrauchen die 14 Prall-Pop-Songs keinen großen Aufwand, akustische und elektrische Gitarren, oft mit herzhaftem Schrammel-Charme gespielt, wenig Schlagwerk, sanfter Bass und ein paar dezent-verstiegen-altmodische Keyboard-Klang-Lichter reichen völlig aus, um das mitreißende Umfeld für Finn's, gern auch mehrstimig dargereichte, weich-schmeichlerische Stimme zu bilden. Da erkennt man die rauhe Klarheit der frühen Kinks, wurzel-reinen Folk (sowohl britischer wie amerikanischer Provenienz), CSNY-/America-Harmonien, den hymnischen Ungestüm des Brit-Pop und natürlich das Schönklang-Schwelgen des väterlichen Vorbilds - aber Liam ist weit mehr als nur "Dersohnvon", er ist ein eigenständiges, begeisterndes neues Kapitel in der Finn-Geschichte.

(Glitterhouse)

Liam Finn's musical apprenticeship was at the feet of his father, Neil, the acclaimed singer/songwriter behind Crowded House. Finn's teenage band Betchadupa opened for Neil on solo tours in the late '90s, and when Crowded House re-formed in 2007, Liam joined as a touring member. Such close familial connections are not uncommon among Finns — Neil joined his brother Tim's band Split Enz when he was in his late teens and he soon was on an equal footing with his sibling by his early twenties, roughly the same age Liam was when he released his solo debut, I'll Be Lightning, in 2007 (the record was released in the U.S. in early 2008). I'll Be Lightning finds Liam coming into his own as a singer/songwriter not unlike how Neil did around the time of True Colours, a remarkable parallel in musical development that, when combined with the passing similarity in their songwriting styles, can perhaps tie Liam a little too closely to his father. Like his dad, Liam has an ear for hooks and a predilection for melodic craft, but he is not only his own man, he is certainly the product of his own generation, raised on classic pop dating back to the Beatles but obsessed with indie singer/songwriters of the '90s, specifically Elliott Smith. I'll Be Lightning has the same spare, dreamy qualities of Smith's music, but Liam Finn isn't as haunted as Smith, even if he has a similar knack for floating melodies. Despite a fair share of brokenhearted ballads here, this isn't an overly melancholy album; it can be comforting in its spells of sadness, partially because they're balanced by lighter material that meshes with the slower, sadder songs to give this depth, a richness in lyric and music uncommon to young singer/songwriters. The arrangements are slyly inventive, too: "Bottle It Up" gains considerable propulsion from its blaring bass, "Second Chance" has a tapestry of skittering drum loops and gentle harmonies, and even the straight-ahead driving pop tune "Lead Balloon" is percolating with ideas beneath its undeniable hooks. These little details are revealed upon repeated plays, but what really gains hold upon those subsequent revisits to I'll Be Lightning is the strength of Liam Finn's songwriting, as the 14 songs here seem stronger upon each listen, with the songs soon seeming indelible. This kind of gift is rare, but it has been passed on from father to son in a way that is similar yet quite different and equally valuable, as this excellent debut makes plain.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

When the Jayhawks decided to go on hiatus in 2005, there were probably very few fans asking themselves, "Gee, I wonder what the drummer is going to do next?" But it turns out the guy was someone to watch — Tim O'Reagan, who spent ten years behind the traps with the Jayhawks and previously played with the Leatherwoods and Joe Henry, happens to be a gifted songwriter who has a real knack for great pop tunes. As you might expect, Tim O'Reagan has more than a few numbers with the sort of autumnal alt-country undertow that was the Jayhawks' trademark (such as "River Bends"), but the man can also put together a citified Beatlesque arrangement complete with glorious stacked harmonies ("Highway Flowers") and a bit of twang-infused chamber pop that wouldn't seem out of place on Wilco's Summerteeth ("These Things"). Though O'Reagan had help in the studio from a number of talented friends (including Gary Louris, Mark Olson, and Jim Boquist), he played many of the instruments himself, and he's a far better multi-instrumentalist that the average drummer, while his vocals have a slightly rumpled sincerity that's genuinely winning. Despite Tim O'Reagan's track record, his first solo album is hardly for alt-country completists only — in fact, folks who love smart, well-crafted pop in the manner of the Pernice Brothers or the Chamber Strings will probably find more to like here than the average Son Volt fanatic, though they're likely to tap their toes as well. In short, a very pleasant surprise.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Jim Capaldi began his solo career just as Traffic had reached their peak, releasing his solo debut Oh How We Danced in early 1972, not long after the high-water marks of John Barleycorn Must Die and The Low Spark of High Heeled Boys. Oh How We Danced isn't so much a break from Traffic but a detour, one where he's joined by then-current and former bandmates (Steve Winwood and Dave Mason, respectively), assisted by Free's Paul Kossoff, the Move's Trevor Burton, Rick Gresch, Jim Gordon and the Muscle Shoals Horns, among other rock luminaries. In feel, this isn't much different than early-'70s Traffic, but the album is quite different in form, relying less on the winding, jazzy improvisations than well-worn, soulful grooves, given heart and by both the Muscle Shoals Horns and Kossoff, who particularly tears it up on a drastic reworking of the Al Jolson-written title track. For as much fire there is here and elsewhere ("Love Is All You Can Try" works up a good head of steam), Oh How We Danced is distinguished by its mellow vibe, generated by the genial familiarity of the players, Capaldi's sweet, unassuming voice, and the emphasis on his set of strong songs instead of the virtuosity of his musicians.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)