"IN 1997, The Boatman's Call marked a real turning point for Nick Cave. In the wake of the psychotic excess (and commercial success thanks to his duet with Kylie Minogue) of Murder Ballads, he'd taken time out to re-think his whole approach to songwriting. Gone were the Southern hellfire preachers, serial killers and mutant low-lifes that previously dominated his surreal landscapes, replaced by an intimate, confessional set of, well, love songs. The music is laid as bare as his soul, all sparse piano lit up with Warren Ellis's elegiac violin. Yet it's not all starry-eyed romance; there's an existential complexity to everything Cave does that prevents it from ever becoming too sappily glib. The gorgeous Into My Arms sees him disavow the existence of God and His angels, yet still affirms the primacy of love. Tracks like People Ain't No Good and Far From Me (''You were my mad little lover, in a world where everybody f***s everybody else over'') are almost despairing in their bleak portraits of self-seeking brutality. Ultimately, though, it's a triumphal and hopeful record, full of tiny epiphanies and brief glimmers of eternity. As he sings sweetly on Where Do We Go Now But Nowhere? ''If I could relive one day of my life, if I could relive just a single one, you on the balcony, my future wife, O who could have known, but no-one?'' The Boatman's Call is full of these mysteriously illuminated little moments."

Beyond the Missouri Sky beschwört in einem lyrischen Konzert eine folklorisch weite Stille herauf, die das bindende Glied im Geiste der Americana zwischen dem Bassisten Charlie Haden und dem Gitarristen Pat Metheny widerspiegelt. Ihre Improvisationen haben in gleichem Maß mit Atmosphäre und Beschaffenheit zu tun, wie mit der Formvollendung der Linie und des harmonischen Ausdrucks. Viele ihrer Arrangements haben einen baren akustischen Fokus, während andere mit elektro-akustischen Overdubs wiederum diskret orchestriert sind. So zum Beispiel Methenys tandoori-gefärbte Ballade "Tears of Rain" und der feierliche Tanz der Musiker durch die hymnenähnlichen Kadenzen von Roy Acuffs "The Precious Jewel". Während sie die epische Bedeutung von Josh Hadens "Spiritual" ausspielen, ist jede Note Hadens durchdrungen von einer beschaulichen poetischen Anmut, und Metheny reduziert seine Soli allein auf die bedeutungstragendsten Töne. Mit seinen langsamen Triolen im Schrittempo und der Betonung auf dem achten Schlag (Echos von "Unchained Melody"), stellt "Spiritual" ein Paradigma für das gesamte Album dar. Es existiert irgendwo 'jenseits des Horizonts von Missouri', und zehrt sowohl von den alten Wurzeln als auch von den modernen Elementen der Country-music, des Gospel, des Jazz und des Rock & Roll.

(Chip Stern, Amazon.de-Redaktion)

Weit ist die Prärie, endlos der Himmel über Missouri im Herzen der USA, der Heimat von Pat Metheny und Charlie Haden. Solche Naturschauspiele regen an: Metheny und Haden nannten ihr von leisen, schönen Duos geprägtes Album "Beyond The Missouri Sky". Charlie Haden ist kein Freund großer Gesten, er erzählt mit sanfter Stimme, er monologisiert nicht und will auch wissen, was der Interviewer denkt. Wie das neue Album, so vermittelt auch sein sentimental-romantisches Quartet West auf Platte und in Konzerten eine besondere Stimmung, die frei von Aggressionen ist - kaum zu glauben bei einem Mann, der in den 60ern als Bassist im Zentrum von New Yorks Free Jazz-Szene stand. "Es gibt so viel Gewalt in der Welt", sagt Haden nachdenklich, "daß die Leute nach Wärme und Romantik verlangen. Bei schöner Musik können sie träumen." Dies bringe sie ihrer eigenen inneren Schönheit nahe und erzeuge "Demut und menschliche Tiefe". Solche Worte klingen zwar altmodisch, aber dazu bekennt sich Haden: "Die meisten Leute denken, sie hätten nur dann ihren Spaß, wenn im Hintergrund Boogaloo oder Rap oder sonst etwas dudelt", ärgert er sich. Sein Partner Pat Metheny, als Elektronik-Freak bekannt, spielt in fast allen Stücken ein akustisches Instrument. "Wenn es nach Pat gegangen wäre, hätten wir die Platte komplett unplugged eingespiel", schmunzuelt Haden. Doch der Bassist, der um des schönen Klanges Willen noch mit altertümlichen Darmsaiten spielt, bestand darauf, das Metheny in einigen Playbacks auch ein Synclavier einbezog.

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Charlie Haden and Pat Metheny have been good friends since the 1970s, so it comes as a bit of a surprise that Beyond the Missouri Sky should be their first duet album together. Both musicians are from small towns in Missouri, which leads Metheny to speculate in the liner notes if this similarity of childhood ambience might have something to do with the two players' obvious love and affinity for each other. Whatever the answer, the result of this logical pairing is a rather somber and moody one. Metheny has a dark tone on his electric guitar, and on Beyond the Missouri Sky, where he plays acoustic, his sound is similarly deep and rounded. Metheny has called Haden one of the greatest improvisers of all time, and although this may be hyperbolic exaggeration from a long-time friend, Haden has at least earned the right to defend the claim. On Beyond the Missouri Sky his playing is as sensitive and beautiful as always. Although one can understand the vibe that Haden and Metheny were going for, the preponderance of slow- and mid-tempo material can wear on the listener. When they eschew the dirge-like tempos, as on the fantastic “The Precious Jewel," the results are just as atmospheric, and are in fact even more evocative of the Midwestern landscapes that are featured so prominently in the album art. With Metheny setting up a strummy rhythm, Haden plays the stately melody with impeccable tone. This track, one of many, also showcases Metheny overdubbing different guitars to thicken out the sound of the performance. The results are similar, at least in spirit, to Bill Frisell's recordings in the latter half of the 1990s. Although the many Metheny and Haden compositions that are featured on this record, it is the readings of older material that is most effective. The Jimmy Webb classic “The Moon is a Harsh Mistress" is wonderfully nostalgic, as Metheny uses subtle guitar synth washes to pad a beautiful duet performance, and the traditional “He's Gone Away" is the greatest lullaby that never was. Overall, Beyond the Missouri Sky is a fine record when the material is happening, but a bit of a chore when it is not. If Haden and Metheny had gone with the more Americana theme throughout, instead of interspersing that rootsy feel with post-bop, it would have been a much stronger record.

(by Daniel Gioffre, AMG)

"This sophomore album may suffer slightly in comparison with Richey's stunning, self-titled 1995 debut, but there wasn't much else out there in 1997 that it didn't eclipse. Richey is a stellar songwriter (with several hits by others to her credit) whose own records straddle the rock/country divide, placing her squarely in commercial limbo. But it's our loss that there isn't a niche for songs like the gorgeous "Every River," the insanely catchy "I Know," the subtly '60s-ish "Lonesome Side of Town," and the devastating "My Whole World." Richey's voice is not Nashville's most distinctive, but it communicates a full range of emotions, and she abets it skillfully by double-tracking her own harmonies. The playing, writing, and fascinatingly varied stylistic touches here are a joy to hear; Richey's career merits your undivided attention." (Ken Barnes)

„...beeindruckt mit exquisitem Songmaterial, organischem, warmem Sound und liebevollen Arrangements. Das Schwergewicht der prächtigen Songkollektion liegt auf bewegenden, schlichten Folk- und Countryballaden mit gefühlvoller Untermalung von Steelgitarre (Creosote) oder Banjo (No More Parades). Doch auch die rockige Seite von Son Volt kommt in Titeln wie dem druckvollen Opener Caryatid Easy oder dem mit eindringlichen Gitarrensoli gewürzten Stück Picking Up The Signal zum Tragen. Jay Farrars sonore, nasale Stimme transportiert Gefühle wie Trauer und Melancholie ohne Pathos und Selbstmitleid.“

(Musikwoche)

„Jay Farrars Stimme klingt nach endlosen Highways, ausgehungerten Coyoten, sengender Mittagshitze und schummrigen Motels.“

(ME/Sounds, 5 Sterne)

„Farrar deserves most of the credit for `Straightaways´ feel¸ he could sing `Sugar Sugar´ and make it sound tragic. Through his restricted breaths, Farrar emits a deep, emotive country drawl like a slurring heartland Mick Jagger.“

(Rolling Stone US)

„Simply put, this is one of the greatest albums in recent times. Where `Trace´ offered songs and simple structures, `Straightaways´ is a howling twister, a barrage of lyrics that are hard to make out, guitars trash against traditionalism and Farrar´s vocal sucks you in, spinning into his world. It´s loud, it´s whispering... You should forget what reviewers have said after just a couple of plays. You need to live with this album.“

(Happenstance)

Although none of the songs on Straightaways immediately jump off the grooves, as was the case with the band's brilliant debut, Trace, repeated spins reveal a strong effort nonetheless. Whereas former Uncle Tupelo partner Jeff Tweedy and his band, Wilco, used its sophomore release to explore new territory, Son Volt leader and songwriter Jay Farrar keeps his band mining the same country-folk vein that Uncle Tupelo quarried. There are plenty of threads to connect Straightaways to Trace, such as the expressive playing of multi-instrumentalist Dave Boquist on guitars, fiddle, banjo, and lap steel, and Farrar's forlorn vocal delivery, which could give even the weakest song emotional power. On Straightaways, his songs live on the same late-night backwoods rural highways that Trace inhabited, with song titles like "Creosote" and "Cemetery Savior" conjuring up dark imagery. The album contains plenty of high points: the aforementioned songs, as well as the lonesome "Back Into Your World" and "Last Minute Shakedown." And the only place it comes up short is the lyrics -- unlike Trace, whose songs "Windfall" and "Tear Stained Eye" stood by themselves and provided a universal feel and emotion that was easily grasped, much of the lyrical content of Straightaways seems open-ended and fragmented, with the intensity building on the haunting instrumental arrangements and Farrar's affecting vocal phrasing.

(by Jack Leaver, All Music Guide)

Geschichten wie sie nur das Leben schreiben kann: Alles wird gut. Auch für einen Musiker und Toningenieur Ende zwanzig, der sich als Allzweck-Bassist und Werbekomponist durchs Leben schlägt und sich sein eigenes kleines Studio aufbaut. Einer, der mit 80er-Jahre-Pop aufgewachsen ist, Jazz und Filmmusik mag und der davon träumt, Musik für ein Unterhaltungsorchester alter Prägung zu schreiben. Mit den dazugehörigen Arrangements und dem adäquaten Sound: warm, weich und analog. Einer, der genug Ausdauer aufbringt, um gegen alle Trends und Sachzwänge seine Ideen umzusetzen.

Der oben beschriebene Tontüftler heißt Tim Isfort und er hat sich einen Traum verwirklicht. Ein großes Orchester mit Streichern, Bläsern, Harfe, Bandoneon und Chor spielt seine Kompositionen, und das Resultat klingt, wie er es gerne hätte: Wider die digitale Inquisition.

Mit der gleichnamigen CD hat das Tim Isfort Orchester ein Album eingespielt, das ebenso schön ist wie die Geschichte seiner Entstehung. Und als ob dies allein nicht schon wundersam genug wäre, schafft er es auch, illustre Gastsänger und Texter für sein Projekt zu begeistern.

Außergewöhnliche Platten verlangen außergewöhnliche Maßnahmen. Deshalb folgt - wie beim Fußball in der Zeitung - die Einzelkritik:

(www.hinternet.de)

John Scofields Stellung als Modern-Jazz-Meister der E-Gitarre prädestinierte ihn geradezu für dieses aufregende, vor Energie knisternde Gemeinschaftsprojekt mit den Acid-Jazz-Pionieren Medeski, Martin and Wood. Wenn Scofields knochentrockene Gitarrenläufe auf die souligen Grooves treffen, die von Drummer Billy Martin, John Medeski am Keyboard und vom Bassmann Chris Wood losgeschleudert werden, sprühen nur so die Funken.

Scofields Eintauchen in den wiederentdeckten Stil der 60er Jahre ist weit mehr als nur ein billiger Reklametrick. Es entspricht sowohl seinen musikalischen Wurzeln, die im Funk liegen, als auch seiner ausgeprägten Begabung für präzise Texte und gekonnte Melodien.

(Sam Sutherland, Amazon.de)

Als Teenager spielte John Scofield Top 40-Songs und verehrte James Brown; dann wurde er Fusion-Gitarrist. Nun gönnt er sich mit der US-Kultband Medeski, Martin & Wood die Rückkehr zum clever aufgerauhten R & B. "Sco" würzt den Soul-Jazz mit funky Riffs und Blues-Floskeln, mit knackigen wie schrägen Rhythmen, vollen Orgel-Sounds, clever eingestreuten Jazz-Akkorden und manchmal auch mit themengebundenen Improvisationen. Das Ergebnis hat, was Fusionproduktionen meist fehlt: Ohrwurm- und Tanz-Qualität.

© Audio

Gitarren-As John Scofield und die Groove-Götter Medeski, Martin & Wood: eine feine Allianz. Auf "A Go Go" heizt "Sco" dem bei US-College-Kids schwer angesagten Trio mächtig ein, ohne die funkigen, Hammond-Orgel-lastigen Grooves zu dominieren. Die tanzbare Musik versprüht eine heitere Session-Atmosphäre, wie sie nur ein gleichberechtigt agierendes Ensemble hinbekommt. Die Überraschung: Der - heute 47jährige - Sofield hat auch für poppige Party-Späße ein goldenes Händchen. ** M: 8-9

© Stereoplay

John Scofield owes a great deal to Medeski, Martin & Wood for the success of A Go Go. The piano/organ, bass, and drum playing trio adds a world of bouncing vibes to Scofield's inquisitive, happy guitar work here. A Go Go is an album of mostly breezy, sometimes tense, jam-based grooves. The album's charm is in its "city meets the tropics" feel. The four players create such a warm, vibrant sound that resisting the urge to tap one's feet along with the beat becomes a near impossibility. The opening song is a treat of plucked guitars and tightly packed new jazz. Other standouts are "Kubrick," a swooning, gentle change of pace packed with background tension, and "Hottentot," a tour de force of dynamic interplay. There's nary a moment of filler to be found across the ten tracks. It's clear that Scofield enjoyed the collaboration, as his guitars seem to nearly speak joy. His alternately jangling and plucking style sees him weaving in and out of the young trio's sound net with ample confidence. As fun as A Go Go is, it's just as well-sequenced, as Scofield and company vary their pace and tone expertly throughout the album's running time. A Go Go is far more than four cool cats jamming together and enjoying each other's company. It's an immensely entertaining, enlightening ride.

(by Tim DiGravina, AMG)

"Among the first American bands chased by major labels, the North Carolinas signed with Geffen subsidiary Outpost in '97 for an album described as the missing link between Uncle Tupelo and The Replacements. Songs ranged from rock to pop to lonesome cowboy ballads - as Adams solo career has done every since". (Mojo)