Mitte der 80er Jahre konnten The Loft eine beeindruckende Liste von Premieren für Künstler von Creation Records vorweisen. Die erste Creation-Band im Fernsehen, die erste, die die Spitze der Indie-Singles-Charts erreichte, die erste, die zu einer großen UK-Tournee eingeladen wurde und die erste Creation-Band, die eine begehrte BBC-Radiosession aufnahm - für Janice Longs Radio One-Show im Jahr 1984. Dann lösten sie sich auf. Seit dem berüchtigten Bühnendrama, bei der sie sich mitten im Song im Hammersmith Palais vor 3.000 Zuschauern trennten, als sie auf dem Sprung zur Big-Time-Indie-Größe waren, hat sich die Band wieder zusammengefunden.

Während ihr Status als eine der einflussreichsten britischen Gitarrenbands der 80er Jahre weiter wächst und eine Vielzahl jüngerer Künstler und Künstlerinnen beeinflusst, schien es 39 Jahre nach der bitteren Trennung an der Zeit zu sein, ihr Debütalbum aufzunehmen.

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Otis Gibbs is an American singer-songwriter, photographer, and podcaster who has independently self-released records outside the traditional record industry. Born in Wanamaker Indiana now living in East Nashville, Otis Gibbs is a man in search of an honest experience. Gibbs is often referred to as a folk artist, but that is a simplistic way to describe a man who has planted over 7, 000 trees, slept in hobo jungles, walked with nomadic shepherds in Romania, was a fifth grade yo-yo champion and once wrestled a bear (and lost).

Otis has played countless, theatres, festivals, bars and house concerts and has managed to carve out a living, while remaining happily independent. Much of his work concentrates on the world ignored by pop culture. Sometimes forgotten, obsolete, or simply marginalised, it is a world that doesn’t fit into a twenty-second sound bite, or talking point. Otis has spent the last fifteen years traveling across America and abroad documenting this world, and has a story to share about each stop along the way. Souvenirs Of A Misspent Youth was coined by his father who inspired much of this album „He rode a Harley Davidson chopper, sang along to Jerry Lee Lewis records and took absolutely no shit from anyone.“

"Live Mind“ ist das erste Live-Album der Rock-Supergruppe The Third Mind. Mit über einer Stunde an Auftritten wurde „Live Mind“ von Don Boles, Will Golden und Brett Brock aus Shows im Februar und März 2024 im Troubadour in Los Angeles, in der Ventura Music Hall in Ventura, Kalifornien, und im Kessler Theater in Dallas, Texas, ausgesucht und zusammengestellt. Produziert wurde das Album von Dave Alvin und Victor Krummenacher, gemischt und gemastert von Craig Parker Adams in Winslow Court, Los Angeles, CA.

Was vor vier Jahren als musikalische Wunschvorstellung begann, ist nun Realität: die Supergruppe der „Californian Psychedelic Rockers“ (Doom Charts). Die beiden Studioalben von The Third Mind - „The Third Mind" (2020) und „The Third Mind 2" (2023) - wurden von dem GRAMMY-prämierten Gitarristen Dave Alvin und dem erfahrenen Alternative-Music-Bassisten Victor Krummenacher (Camper Van Beethoven, Monks of Doom, Eyelids) ins Leben gerufen und beinhalten den Gitarristen David Immerglück (Counting Crows, Monks of Doom, Camper Van Beethoven), Schlagzeuger Michael Jerome (Richard Thompson, Better Than Ezra, John Cale) und Sängerin Jesse Sykes von ihrer von der Kritik gefeierten Gruppe Jesse Sykes and The Sweeter Hereafter. Bei den psychedelischen Live-Improvisationen von Third Mind wird der Gastgitarrist Mark Karan (Bob Weir's Ratdog, Phil Lesh, Delaney Bramlett) für Immerglück einspringen.

Nach zwei pandemisch bedingten »Reaktions«-Alben -Yay! (2023) und Neigh!! (2024), ein paar Non-Album-Singles und einem Compilation-Album sind Motorpsychaut wieder da, wo wir sie alle kennen und lieben: mit einem epischen, ausufernden Doppelalbum, das bis zum Rand gefüllt ist mit einfallsreicher, organischer und ekstatischer Rockmusik. Freut euch auf Psychonaut!

Dieses 11-Song-Werk mit dem gleichnamigen Titel bietet genau so viel Abwechslung und Vielfalt, Harmonie und Zwietracht, wie man es von einer Band erwartet, die schon einige Alben veröffentlicht hat und heutzutage als eine Institution im europäischen Rock gelten muss. Von prägnanten 3-Minuten-irgendwas-Pop-Rockern bis zu 20-Minuten-plus-Progressiv-Epen, über akustische Intimitäten und psychedelische Ausraster, das ist geballte Motorpsychose: Rebis gestartet, Countdown eingeleitet. Immer näher. Immer schärfer...

Da die traditionelle 3- oder 4-köpfige Rockband heutzutage eine aussterbende Rasse zu sein scheint und MP ohnehin immer eine Band im Wandel war, hat in der Psychoverse eine neue pragmatische Ära begonnen. Die Band wurde, wie man es alchemistisch ausdrücken könnte, »aufgelöst und gereinigt« und ist nun wieder auf die beiden Gründungsmitglieder HMR und BS reduziert. Das ist nichts Neues, das ist schon ein paar Mal vorgekommen, aber heutzutage sind sie auch die Eigentümer und Macher der Plattenfirma NFGS, die jetzt der Dreh- und Angelpunkt aller Bandaktivitäten ist, und Motorpsycho markiert zum ersten Mal seit 35 Jahren die endgültige Trennung von bestehenden Verbindungen zu anderen Labels. Wenn »Freiheit frei von dem Bedürfnis ist, frei zu sein«, dann ist es das hier. Igitt!

Der minimalistische Titel des Albums ist dann nicht nur einprägsam, sondern auch ein Statement: Eine neue Ära in der Psychoverse hat begonnen, ein Zustand, der sich in Ausführung und Details ebenso widerspiegelt wie im Titel, wenn nicht gar in Anspruch und Umfang: »Senex psittacus negligit ferulam« *.

Dies ist eine Zeit des Neubeginns für eine Band, die zwei Jahre damit verbracht hat, sich zu konsolidieren und neu auszurichten, bevor sie sich mit schmetternden Trompeten auf einen neuen Weg begibt (... und Trompeten werden in der Psychoverse nicht viel lauter geschmettert als bei dieser großspurigen Übertreibung. Das macht Spaß! ). In der Tat, ein neuer Tag bricht an.

Die Kernband wurde bei diesen Aufnahmen geschickt von einer Schar von Größen aus der gesamten skandinavischen Musiklandschaft unterstützt: Die Schlagzeuger Ingvald Vassbø und Olaf Olsen, die Streicherarrangeurin/Violinistin Mari Persen, die Sängerin Thea Grant und - wie üblich - der Ehren-Psycho, Bruder Reine Fiske, waren alle Mitreisende auf dieser musikalischen Reise.

Motorpsycho wurde von der Band und Deathprod koproduziert und von Andrew Scheps gemischt.

Motorpsycho sind nicht die Besten in dem, was sie tun, sie sind die Einzigen, die tun, was sie tun.

.​.​.​mehrstimmige Gesänge, großartige Gitarrenläufe, eine vom Fuzz-Bass getriebene Rhythmusfraktion und zum Glück immer wieder mal der eine oder andere besinnliche, fast folkige Moment, der zum Durchatmen einlädt.​ Von solchen ›Comebacks‹ bitte mehr!

(GoodTimes, April/Mai 2025)

Im Herbst 2022 lebte Phil Cook allein in einem kleinen Haus am Rande von Feld und Wald in North Carolinas Piedmont. Die meiste Zeit seines Leben lang lebte er in der Nähe der Herzen der Städte, die er sein Zuhause nannte, in der Nähe des ächzenden Verkehrs und des Trubels in den Coffee Shops. Diese Nähe Nähe trug dazu bei, dass der gesellige Cook ein produktiver Mitarbeiter wurde, als Mitbegründer von Megafaun bis zur Zusammenarbeit mit The Blind Boys of Alabama, Bon Iver, Hiss Golden Messenger und unzähligen anderen.

Aber Cooks nächster war ein Wanderweg, und so ging er hin und lauschte, hingerissen erst von der Stille und dann von den vielen Vögeln. Er begann, sein Fensterbrett jede Nacht einen Spalt offen zu lassen, damit der Chor der Vögel im Morgengrauen ihn begrüßte. Cook begann, diese verworrenen Vogelstimmen aufzunehmen, und er schloss sich ihnen an. Wenn die Sonne schließlich hoch stand, hörte Cook sich die Aufnahmen des Tages an und improvisierte in Echtzeit auf dem Instrument, das seine erste und unerschütterlichste Liebe seines musikalischen Lebens geblieben ist: das Klavier.

Als Cook diese Hütte nach einem Jahr verließ, zog er in ein eigenes Haus in Durham, mit viel Platz für seine beiden Jungs zum Spielen und für etwas, das er noch nie besessen hatte: ein richtiges Klavier. In den nächsten Monaten verbrachte Cook unzählige Stunden damit, an diesen Stücken zu feilen. Während des Unterrichts beim großen Südstaaten-Gospelpianisten Chuckey Robinson hatte dieser Cook aufgefordert, weniger Noten zu halten und seine Melodien nicht mehr durch die Verwendung der Pedale des Instruments als Krücken zu benutzen. Seine Musik hatte plötzlich mehr Klarheit, und die Klänge und Gefühle, die sie transportierten, hatten mehr Raum zum Funktionieren. Cook grub sich in die Gefahr und Freude, in die Idee, dass wir unsere Körper zu Knoten verdrehen um zu verstehen, was das Beste für unsere Herzen ist.

Im April 2024 kehrte Cook in das Chippewa Valley in Wisconsin zurück, wo er aufgewachsen war. Sein lebenslanger Freund und Bandkollege, Justin Vernon, hatte gerade die Renovierung von April Base abgeschlossen, dem Studio, in dem Cook in den letzten 15 Jahren an mehr als einem Dutzend Platten gearbeitet hat. Cook bat Vernon, Appalachia Borealis so einfach wie möglich zu produzieren, nur zuzuhören und in zwei ausgedehnten Nachmittagssitzungen Feedback zu geben, um die richtigen Takes auszuwählen, die, die das Herz erfasst haben. Natürlich wurde das Ganze komplizierter, als sie anfingen in dem Prozess zu experimentierten. Vernon fügte die Vogelstimmen zu Cooks Kopfhörern hinzu oder entfernte sie, um zu sehen, wie sie sich auf sein Spiel auswirkten. Oder sie leiteten seine Noten durch eine massive Hallkammer und Cook reagierte darauf mit hauchzarten Improvisationen.

Appalachia Borealis ist eine zutiefst ergreifende und persönliche Sammlung von 11 Klavier Meditationen, die die emotionale Bandbreite einer vollen und offenen Existenz abbilden. Inspiriert von diesen Improvisationen auf der Fensterbank, spiegelt es nicht nur die Aufruhr und die Traurigkeit einer schwierigen Zeit für Cook, sondern auch die Hoffnung, das Licht und die Freude, nach der anderen Seite zu schauen. Manchmal kann man noch die Vögel hören, deren Melodie und Zeit so viele dieser Lieder inspiriert haben. Selbst wenn sie nicht in Hörweite sind, bleibt ihre Essenz bestehen.

Seit dem unbetitelten Debüt-Album (VÖ 2020) entsteht der Charakter von KRATZEN aus der Limitation: Die Band spielt nur das Nötigste. KRATZEN mag keine Hierarchien, keine Leadgitarren. Niemand, der sich nach vorne drängelt. KRATZEN glaubt an die Energie, die entsteht, wenn sich plötzlich kleine Dinge verändern. „III“ ist beheimatet im gleichen Koordinatensystem wie die Vorgänger, aber mit zusätzlichen Dimensionen. „III“ ist weiterhin Krautwave. Aber die Band steckt nicht in einer selbstgebauten Schublade. Sie entfaltet sich.

(André Boße)

»Spring Board: The Early Unrecorded Songs« ist das letzte leidenschaftliches Projekt von Chills' Martin Phillipps vor seinem plötzlichen Tod. Es ist eine engagierte Neuinterpretation früher, unveröffentlichter Songs, die zu seinem künstlerischen Abschied, einem bleibenden Vermächtnis und einer Erinnerung an sein großes, unterschätztes Talent werden.

Das Album wurde mit der Liebe und dem Enthusiasmus seiner Band, der Familie und Freunden abgeschlossen. Martin Phillipps, Sänger, Songwriter und Hauptmotivator der Chills hat in den 2000er Studio- und Live-Alben veröffentlicht, während er mit dem typischen Elan in sein sechzigstes Lebensjahr ging. Inmitten dieser Dynamik suchte er immer noch in alten (Demo-)Bändern nach den Ursprüngen, die 1987 zu seinem weltweiten Erfolg geführt hatten, der zwar über Nacht eintrat und doch sieben Jahre brauchte, um zu zünden. Diese frühen Songs und Skizzen wurden wieder aufgegriffen, überarbeitet und schließlich auf Album gebannt.

»Spring Board« ist somit das letzte Kapitel des unermesslich bedeutsamen Schaffens des Martin »The Chills« Phillipps, ist alarmierend, persönlich, spröde und manchmal hoffnungslos optimistisch. Hier blickt ein Mann zurück auf eine wellenförmige Karriere, die zu nichts Geringerem als Kultstatus führte. Die Lieder eines Menschen, der seine Wurzeln und die innersten Gedanken, Hoffnungen und Ängste seines jungen Ichs wiederentdeckt und zum ersten Mal.

Enthält Beiträge von Julia Deans von Fur Patrol, Elroy Finn und Neil Finn von Split Enz/Crowded House, Hollie Fullbrook von Tiny Ruins, Greg Haver von den Manics, Troy Kingi, Shona Laing, Tami Neilson, Dianne Swann (Everything That Flies) und Clementine Valentine von Purple Pilgrims. The Chills 2024 sind/waren Martin Phillipps, Oli Wilson, Erica Scally, Callum Hampton und Todd Knudson.

Denison Witmer kehrt mit einer neuen Sammlung von zehn lebhaften und nachdenklichen Folk-Pop-Songs zurück, die von Sufjan Stevens, seinem langjährigen Freund und Kollaborateur, aufgenommen und produziert wurden.

»In Anything At All« befindet sich Denison in einer angemessen nachdenklichen Stimmung, in der er einem gewöhnlichen, häuslichen Leben eine erhabene Offenbarung abgewinnt. Themen wie Vogelbeobachtung, Schreinerei, Zimmerpflanzen und Wandern bieten Einblicke in größere, existenzielle Fragen über Leben, Tod, Sinn und Zweck. Was machen wir mit der kostbaren Zeit, die uns auf dieser Erde bleibt? Ob wir sie damit verbringen, Uhren zu bauen, Beeren zu sammeln, Bäume zu pflanzen oder die Kinder abends ins Bett zu bringen - diese Lieder zeigen, dass ein Leben, das mit Bedacht und Sorgfalt gelebt wird, zu tiefer Freude und Erfüllung führen kann.

»Anything At All« wurde sporadisch über einen Zeitraum von zwei Jahren aufgenommen und entstand hauptsächlich in Sufjans Catskills-Studio während der Pandemie, wobei zusätzliche Sessions von Andy Park in Seattle, WA, aufgenommen wurden. Zu den Mitwirkenden gehören neben Stevens und Park unter anderem auch Sam Evian, Hannah Cohen, Sean Lane und Keenan O'Meara. Die musikalische Ästhetik des Albums verbindet Denisons volkstümlichen, mennonitischen Vibe mit Sufjans charakteristischem Schnickschnack: üppige Streicher und Holzbläser, ein Frauenchor und ein gelegentliches jazziges Saxophon umspielen Denisons sachlichen Gesang und akustische Gitarre. Es sind einfache Folksongs mit Ausbrüchen von Ehrfurcht und Staunen.

There is just one name on the cover of Denison Witmer’s new full-length Anything At All: Denison Witmer. But that undersells the involvement of the Pennsylvania singer-songwriter’s longtime friend Sufjan Stevens in helping bring the album to life. “I misunderstood his generous offer of helping me ‘get started’ when what he actually meant was: ‘Let’s make a record together,’” Witmer has said. “So I had to reorganize my brain regarding what the record was going to be and how it was going to sound.”

Spoiler alert: It sounds like Denison Witmer and Sufjan Stevens made a record together. Since the late ‘90s, the former has been building an impressive catalog of indie folk tunes by pairing his plainspoken musings on modern life with memorable melodies and understated arrangements. His last album, 2020’s American Foursquare, came after an accidental seven-year break from music to raise his kids and start a carpentry business.

Back in the creative groove, Witmer quickly started working on a follow-up with Stevens in the producer’s seat and fully engaged throughout the process. (Witmer even shelved the project while Stevens dealt with a health issue.) Across the album’s 10 tracks, Witmer’s pretty songs and Stevens’s distinctive production sound like equal partners—two elements unmistakably intertwined, but never so tight that one constricts the other. Exemplifying this relationship is “A House With,” a track split into two halves: The first focuses on Witmer’s tender tune about plants and birds and domesticity, then the second blossoms into a dancing fountain of background vocals, with a lush crescendo that could live comfortably on Stevens’s classic 2005 album Illinois.

Stevens is generous with the choral swells and string sections throughout Anything At All, using them to lend a sense of awe to the outdoorsy “Older and Free,” to uplift the otherwise restrained “Focus Ring,” and to expand “Slow Motion Snow” from a pretty tune buried near the album’s end into an eight-minute baroque-pop epic cocooned inside its own enchanting universe. Elsewhere, “Clockmaker” runs on a skittering synth rhythm befitting its main subject, while “Shade I’ll Never See” is as effervescent as anything on Stevens’s own records. And the album’s closer, “Brother’s Keeper,” strips away most—not all, but most—of the sonic accoutrements, laying bare a brief, beautiful reminder of the songwriting prowess Witmer has demonstrated for more than two decades. Anything At All may only have his name on the cover, but it’s an exquisite document of what’s possible when two complementary collaborators fit together perfectly.

(By Ben Salmon · www.bandcamp.com)

Chris Eckman ist einer dieser Songwriter mit dem Gespür eines Alchemisten. Das hat er im Laufe der Jahre als Songwriter der Seattle Rock-Folk-Band The Walkabouts sowie in seiner viel gelobten Solokarriere mit sechs Alben bewiesen. Seine Songs wurden von Townes Van Zandt, Steve Wynn, Willard Grant Conspiracy (und anderen) aufgenommen, und sein letztes Album, das sparsame, geisterhafte Where the Spirit Rests, gewann 2021 den renommierten Preis der Deutschen Schallplattenkritik.
Dreieinhalb Jahre später ist er mit »The Land We Knew the Best« zurück und hat neue Geschichten zu erzählen.

THE LAND WE KNEW THE BEST knüpft voll und ganz an die Qualität des Vorgängers an.​ Insgesamt fällt er aber nicht ganz so ruhig aus, mitunter rocken Eckman und seine Band gar Crazy-Horseartig los.​

(GoodTimes, Februar/März 2025)

Die Zeit vergeht wie im Flug, wenn man Tunng heißt. Kann es wirklich schon über zwei Jahrzehnte her sein, dass die Band ihre genreübergreifende »Pagan Folktronica« zum ersten Mal in einem Studio im Osten Londons mit einer Reihe von Singles auf dem kleinen Label Static Caravan veröffentlichte, die von Gilles Peterson unterstützt wurden? Das kann es sicherlich. Im Januar 2025 jährt sich das Erscheinen von »This is Tunng... Mother's Daughter and Other Songs«.

Das Album, das akustische Gitarren und poetische Abhandlungen über Natur, Mythologie und den Zustand des Menschen durch ein Gitter aus gebrochenen Beats und knisternder Elektronik filtert, klingt immer noch wie eine pietätlose postmoderne Hochzeit des Rustikalen und Synthetischen, des Rätselhaften und Futuristischen. Wie auch immer man es beschreiben mag, der 20 Jahre alte, unverkennbare Sound kehrt auf Tunngs achtem Studioalbum »Love You All Over Again« zurück, das am 24.Januar 2025 über Full Time Hobby erscheint.

Bonnie »Prince« Billy - Alias des Musikers Will Oldham - veröffentlicht 2025 sein neues Studioalbum mit dem Titel »The Purple Bird«.

»The Purple Bird« wurde in Nashville mit dem Produzenten David »Ferg« Ferguson und einem Ensemble erstklassiger Session-Musiker aufgenommen. Es könnte als »eine richtige Nashville-Platte« bezeichnet werden, die aus einer Sammlung von Songs besteht, die hauptsächlich am Küchentisch von Ferg entstanden sind.

Auf »The Purple Bird« arbeitet Bonnie »Prince« Billy erst zum zweiten Mal in seiner illustren Karriere mit einem Produzenten zusammen. Seine Beziehung zu Ferg reicht mehr als zwei Jahrzehnte zurück bis zu den Sessions für das Johnny Cash-Album American III mit Rick Rubin, bei denen Ferg als Tontechniker fungierte und bei denen Cash eine Coverversion des BPB-Tracks »I See A Darkness« aufnahm. Die beiden haben im Laufe der Jahre an zahlreichen Projekten zusammengearbeitet, aber an keinem so intensiv wie an »The Purple Bird«. Was bedeutet »eine richtige Nashville«-Platte für den rätselhaften Bonnie »Prince« Billy? Zu Beginn der Sessions hatte Ferg zu Oldham gesagt : »Ich will keine Country-Platte machen, mach einfach deinen Scheiß, Will.«

Die Musik der Rose City Band ist sonnengeküsster, zeitloser Country-Rock, dessen scheinbar müheloser Schwung die Freude an seiner Entstehung transportiert, ohne die Dunkelheit zu ignorieren, die unser Bewusstsein durchdringt.

Rose City Band unter der Leitung des Gitarristen und Sängers Ripley Johnson haben ihre Wurzeln in seiner Liebe zu den Schallplatten der Privatpresse von Mitte bis Ende der 70er Jahre. Zur Band gehören neben Johnson der Pedal-Steel-Gitarrist Barry Walker, der Keyboarder Paul Hasenberg und der Schlagzeuger John Jeffrey, die ein ausgeprägtes Gespür für rhythmischen Schwung und Melodie mit sanfteren, üppigen Atmosphären verbinden.

Die nuancierten Darbietungen und das Zusammenspiel der Musiker entfalten sich wie Wüstenblumen, die Farbe in eine karge Landschaft bringen. Die beschwingten Momente des Ensembles gleiten immer noch mit Leichtigkeit dahin, aber es gibt auch Raum, um sich im Schatten einer dunklen Wolke zu erholen. Johnsons geschmackvolle Gitarreneinwürfe und seine beruhigende Stimme werden durch das vielseitige Spiel von Walker, Hasenberg und Jeffery ergänzt, mit einem besonderen Gastauftritt der Synthesizer-Sängerin Sanae Yamada.

Der Abschluss des Albums »The Walls« fängt die forschenden und ausladenden Songs der Band perfekt ein, wobei Hasenbergs gefühlvolles Organ das Album zu einem emotionalen, kathartischen Abschluss bringt. Während seiner langen Karriere mit Wooden Shjips, Moon Duo und jetzt Rose City Band hat sich Johnsons Musik stets um Erkundung und Entdeckung gedreht. Sol Y Sombra durchtränkt seine Vorliebe für Raum und strahlende Tonalität mit einem dichteren Amalgam seiner Einflüsse durch ein delikates Gleichgewicht von Düsternis und Heiterkeit, von subtilen Entwicklungen und vertrauten Klängen, Sol Y Sombra sorgt für eine ganzheitlich freudige Erfahrung, die sowohl in der Sonne als auch im Schatten Trost findet.

Rose City Band’s music is sun-kissed timeless country rock whose seemingly effortless momentum carries the joy of its creation without ignoring the darkness pervading our consciousness. Led by guitarist/vocalist Ripley Johnson, the music of Rose City Band is rooted in his love of private press records of the mid to late 70’s. The band, in addition to Johnson, features pedal steel guitarist Barry Walker, keyboardist Paul Hasenberg and drummer John Jeffrey who enmesh a keen sense of rhythmic drive and melody with gentler, sumptuous atmospheres. Sol Y Sombra digs its heels into insatiable grooves, its parade of catchy songs conjuring a sunset drive through an open desert, both a celebration of a sojourn and a reach for the warmth of home.

The contrasts of Sol Y Sombra, the musical equivalent of bright stars in a night sky, are to Johnson an inevitability. “With Rose City Band, I'm generally trying to make uplifting music, good time music,” says Johnson. “This time I couldn't avoid the shadow being more of a presence. There's no getting away from it. The shadow is always there. So, I left it in.” Like many genre-breaking private press albums, the melancholia-infused Sol Y Sombra’s contrasts equally enhance moments of joy and movement whilst elevating the music with its honesty and intimacy. Nuanced performances and interplay between players unfurl like desert flowers splashing color onto an arid landscape. The ensemble's buoyant moments still glide with ease, but there is room to revel in respite of the shade of a dark cloud. For Johnson, the album finds places where the conscious meets the unconscious, the songs emanating the more mercurial and curious aspects of their sonic dream world, using darker hues to paint the panorama around them.

Sol Y Sombra’s opener “Lights on the Way” is halogen on the highways, a beam of light pressing onward past dashed lines and soaring with Johnson’s guitar work and lush harmonies. The album’s first half is rife with blissful Americana, from upbeat rollicks to ballads dripping with sweet molasses. Walker’s pedal steel speckles the slow-motion shuffle of “Evergreen” with glinting starlight. His playing throughout pairs perfectly with Johnson’s effervescent guitar lines, exuding the casual virtuosity of pedal steel country legends while lending remarkable modern twists to his graceful licks. Across the album, Johnson’s tasteful guitar interjections and soothing voice are met in kind with the versatile playing of Walker, Hasenberg, and Jeffery, with special guest performances by synthesist/vocalist Sanae Yamada. Album closer “The Walls” perfectly captures the band’s explorative and expansive songs, Hasenberg’s soulful organ driving the album to an emotionally cathartic conclusion.

Throughout his prolific career with Wooden Shjips, Moon Duo and now Rose City Band, Johnson’s music has consistently centered around exploration and discovery. Sol Y Sombra imbues his penchant for space and resplendent tonality with a denser amalgam of his influences. Johnson tactfully incorporates new elements with deftness and fluidity, while holding the band’s center intact. “One of my takeaways from making this record is that I spent a lot of energy trying to do things a little different but ended up back where I started in many ways,” notes Johnson. “And that's OK.” Through a delicate balance of the somber and the serene, of subtle evolutions and familiar sounds, Sol Y Sombra makes for a holistically joyous experience, finding solace in both sun and shade.

Nach vier Jahren kehren The Weather Station mit dem Nachfolger des Albums Ignorance zurück: Ihr neues Album heißt »Humanhood«. Die erste Single »Neon Signs« ist eine erste Ankündigung daraus.

Ignorance war wohl das am besten rezensierte Album des Jahres 2021: Album des Jahres bei The New Yorker, UNCUT, The Globe and Mail, The Observer und Top 10 bei der New York Times, The Guardian, PItchfork, Rolling Stone Germany, Stereogum, und vielen mehr.

Weather Station-Mastermind und Sängerin Tamara Lindeman hat Humanhood gemeinsam mit Marcus Paquin produziert.

.​.​.​mitunter geradezu betörend - spielerische Klasse trifft grandiosen Breitwand-Sound.​«

(AUDIO+stereoplay *Klangtipp*, Februar 2025)

Das Trio Mary Chapin Carpenter, Julie Fowlis und Karine Polwart fand sich zunächst zu einem Schreibexperiment nach dem Lockdown während der Pandemie zusammen. Die mehrfach preisgekrönte US-amerikanische Singer-Songwriterin Carpenter war auf der Suche nach etwas Neuem und wandte sich an Fowlis und Polwart, zwei renommierte schottische Singer-Songwriterinnen, deren Arbeit sie schon lange bewunderte. Das Trio entwickelte schnell einen Plan und traf sich, sobald es möglich war, in Nordschottland zu einer ausgedehnten Schreibklausur.

Anfang 2024 wurde das 10-Song-Album »Looking For The Thread« in den Real World Studios in Box, England, mit Josh Kaufman (Bob Weir, The National, The Hold Steady) als Produzent und einer Weltklasse-Band von Musikern aufgenommen: Rob Burger (Klavier, Orgel, Akkordeon, Tasten), Chris Vatalaro (Schlagzeug, Percussion), Cameron Ralston (Bass), Caoimhin O'Raghallaigh (Hardanger d'Amore) und Josh Kaufman selbst (Gitarre, Tasten).

Das Album enthält Stücke, die von allen drei Künstlern geschrieben wurden, die abwechselnd auftreten und an jedem Song mitarbeiten.